jueves, 29 de abril de 2010

Wolfgang Rihm



Wolfgang Rihm

Compositor alemán que combina técnicas contemporáneas con el expresionismo de Mahler y Schoenberg.

El alemán Wolfgang Rihm, es uno de los principales compositores de la actualidad. Es un músico bastante prolífico, con una producción que sobrepasa las cien obras.
Rihm nació en Karlsruhe, Alemania, en 1952. En 1972 finaliza sus estudios musicales en teoría musical y composición. En 1974 termina su obra Morphonie, presentada en el Festival de Donauschingen, que lo dio a conocer internacionalmente. A partir de entonces ha recibido muchas comisiones; sus obras han sido bastante grabadas. Su estilo expresionista cercano al primer Schoenberg y Mahler, fue visto por muchos como una reacción contra los vanguardistas Boulez y Stockhausen. Entre la obras más importantes de este compositor germano están sus doce cuartetos de cuerda, un par de óperas “Die Hamletmaschine” (1983- 1986, con textos e Antonin Artaud) y “ La Conquista de Mexico” (1987-1991), el oratorio “Deus Passos” y la obra de cámara “Jagden und Formen” (1995-2001).

In-Schrift, Orchesterkomposition 1995
Gustav Mahler Jugendorchester, Claudio Abbado


Jagden und Formen
El título Jagden und Formen se podría traducir por “Búsqueda y formas”. Esta composición de cámara fue escrita en (1995-2001) por Wolfgang Rihm. La pieza fue comisionada por varios patrocinantes entre los que se encuentran el Festival de Otoño en París y la agrupación de cámara Ensemble Modern. Es una obra de un solo movimiento que dura 52 minutos con algunas breves interrupciones (14) para indicar pequeños cambios de tempo.
Comentarios:
1. Al escuchar esta pieza con atención, el oyente participa de una experiencia dinámica, fascinante e inigualable en cuanto a aceleración de ritmos se refiere. La música se mueve hacia delante y luego salta y retrocede de manera asombrosa. El material temático está conformado por pequeños bloques melódicos bastante parecidos que se distribuyen equilibradamente.
2. La música arranca con fuerza y violencia desde el comienzo, lanzando el motivo principal por parte de un violín sin acompañamiento. Luego los instrumentos de la orquesta van asumiendo el tema y lo ejecutan de forma apresurada.
Discografía:
Ensemble Modern. Dominique My.

Pasión según San Lucas
En el año dos mil, Rhim fue convocado por la Academia Internacional Bach de Stuttgart para componer una pasión, junto a otros tres compositores. Seleccionó la Pasión Según San Lucas, que el llamó “Deus Passus”, y en la misma sigue los pasos de Juan Sebastián Bach La versión de Rihm pone énfasis en la música y los coros. Sigue con calma y serenidad la espiritualidad del drama. Eligió la pasión de San Lucas, pues es la que contiene menos elementos antisemitas.
La obra se estructura en 21 partes:


1. Das Ist Mein Leib (Este es mi cuerpo)
2. Potum Meum
3. Movimiento Instrumental.
4. Und Er Ging Hinaus (Y el salió)
5. Domine, Audivi Auditum Tuum
6. Siehe, Da Kam Die Schar (Ve, de allí vino la muchedumbre)
7. Eripe Me, Domine
8. Sie Griffen Ihn Aber (Él lo agarró sin embargo)
9. Die Manner Aber, Die Jesum Hielten/Weissage, Wer Ist's (Los hombres, sin embargo, La leyenda de Jesús. Que es)
10. Qui Cogitaverunt Malitias In Corde
11. Und Als Es Tag Ward (Y como el sabía del día)
12. Und Sie Fuhrten Ihn Vor Pilatus (Y lo condujeron ante Pilatos)
13. Da Aber Herodes Jesum Sah (Sin embargo Herodes vio a Jesús)
14. Pilatus Aber Sprach (Entonces habló Pilatos)
15. Popule Meus
16. Und Als Sie Ihn Hinfuhrten/Ihr Tochter Von Jerusalem/Es Wurden Aber Auch Hingefuhrt (Y el los condujo a todos).
17. Und Als Sie Kamen An Die Statte. (Todos ellos entraron en la Ciudad)
18. Crux Fidelis
19. Er Hat Anderen Geholfen (El ayudó a otros)
20. Hic Acetum, Fel, Arundo
21. Es War Aber Auch Uber Ihm Geschrieben/Und Es Ward Eine Finsternis (Sin embargo, fue escrito también sobre él /
22. Und Jesus Rief Laut/Vater, Ich Befehle Meinen Geist/Und...Verschied
23. Flecte Ramos, Arbor Alta
24. Stabat Mater Dolorosa
25. Und Alles Volk, Das Dabei War/Furwahr, Er Trug Unsre Krankheit
26. Joseph Von Arimathia Ging Zu Pilatus/Aber Am Ersten Tage Der Woche
27. Tenebrae

Comentarios:

1. Es una obra muy sobria que respeta la tradición y establece una nueva línea de trabajo en la producción de Rihm. Su música es casi convencional dentro de las corrientes actuales, sin llegar a cometer excesos vanguardistas. Emplea una paleta de tonos suaves casi impresionista.
2. Cinco solistas asumen las partes asignadas a Jesús y los evangelistas. Hay una fusión entre los textos bíblicos originales con himnos tomados de la liturgia católica, así como también pasajes de Isaías y un Stabat Mater. La obra concluye de manera brillante con un poema de Paul Celan llamado Tenebrae.

Discografía:

Wolfgang Rihm - Andreas Schmidt, Stuttgart Bach Collegium, Iris Vermillion, Juliane Banse, Christoph Prégardien. Director: Helmuth Rilling
Hanssler Classics. 2001

Ottorino Respighi



Ottorino Respighi

Autor de joyas musicales de gran brillo orquestal.

Ottorino Respighi (1879- 1936) fue uno de los compositores italianos más importantes del siglo XX. Nace en Boloña en 1879. Su abuelo fue organista y violinista y su padre daba clases de piano, dándole a su hijo las primeras lecciones de este instrumento. Estudió en el Liceo Musicale durante ocho años y luego viajó a Rusia, donde entra en contacto con Rimsky- Korsakov. Dos años más tarde, viajó a Alemania y sigue estudios con Max Bruch en Berlín. Respighi escribió varias óperas y algunas composiciones para orquesta, pero su obra más conocida es la trilogía de sus poemas sinfónicos dedicados a Roma: Las fuentes de Roma, Los Pinos de Roma y los Festivales Romanos.

Ottorino Respighi - Le fontane di Roma (prima parte) Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia (Roma) Direttore Antonio Pappano.
Auditorium Parco della Musica - Roma

Las Fuentes de Roma.
Este hermoso poema tonal de Respighi fue compuesto en 1916.
Las fuentes de Roma es una suite en cuatro movimientos, sin separación entre ellos, de unos 17 minutos de duración:
1. Las fuentes del valle de Giulia al amanecer. 5:33.
2. La fuente del Tritón en la mañana. 2:20
3. La fuente de Trevi al mediodía. 3:04
4. La Fuente de Villa Médici al atardecer. 4:54




Comentarios:
1. Las fuentes de Roma es una obra impresionista, que de alguna manera transmite la emoción del autor ante el encanto de la naturaleza. Aquí encontramos el sonido suave y cristalino de las gotas de agua que caen en las fuentes, el viento entre las frondas de los árboles, las campanas de las viejas iglesias y el trinar de los pájaros.
2. Las fuentes del valle de Giulia al amanecer es una pieza lenta y pausada, llena de nostalgia. En ella surgen bellas melodías por parte de las maderas, migrando sucesivamente desde las tonalidades más agudas de las flautas y flautines hasta el oscuro y grave fagote.
3. En La fuente del Tritón en la mañana. Respighi es un maestro de la orquestación que nos deleita con una partitura variada llena de cambios de ritmo y rica textura. La música brilla en las notas de timbres luminosos .
4. La fuente de Trevi al mediodía. Poesee una introducción en tono desafiante, grandilocuente y heroico por parte de los bronces que se eleva a un clímax de gran sonoridad.
5. La Fuente de Villa Médici al atardecer. Refleja serenidad. El eco de esta música de fanfarria se disuelve como el agua de una fuente cristalina en miles de hilos más finos. El glokenspiel y el arpa esbozan una melodía lejana y luego la pareja de la flauta y el violín respoden. Ahora nos alejamos del escenario y todo es envuelto por la tarde silenciosa.

Discografía:
1. Lorin Maazel Orquesta Sinfónica de Pittsburg. Sony. 1993.
2. Mariss Jansons Orquesta Filarmónica de Oslo EMI:

1 "I pini di Villa Borghese" (Pines of the Villa Borghese)
2 "Pini presso una catacomba" (Pines near a catacomb)

Berlin Philharmonic Orchestra conducted by Herbert von Karajan.The Symphony Hall, Osaka,1984

Los Pinos de Roma.
Los Pinos de Roma, en italiano “Pini di Roma” es un poema orquestal o suite para orquesta compuesto en el período 1923-24, como una continuación de las Fuentes de Roma.
Los Pinos de Roma de Ottorino Respighi es una obra de unos 22 minutos de duración y consta de cuatro partes:

1. Los Pinos de Villa Borghese 2:43.
2. Pinos cerca de una catacumba. 7:10
3. Los Pinos del Gianícolo. 7:25
4. Los Pinos de la Vía Apia. 4:46.

He aqui un video de una bella interpretación de Los Pinos de Roma, con la "Banda Municipal de Bilbao" y el  Director  Rafael Sanz Espert


Comentarios:

1. Los poemas sinfónicos “Los Pinos de Roma” y “Los Festivales Romanos” son una continuación de “Las Fuentes de Roma”, que había alcanzado un gran éxito internacional. Son piezas impresionantes por el colorido orquestal y los efectos pintorescos. Los tres poemas se han hecho inseparables tanto en la mente del público, como en las grabaciones de LP o discos compactos.
2. El éxito de estas composiciones le trajo a su autor un merecido reconocimiento por parte de las autoridades de Italia. En 1932 Respighi fue declarado miembro de la Real Academia de Italia, un honor reservado para unas pocas celebridades. Discografía:
1. Lorin Maazel Orquesta Sinfónica de Pittsburg. Sony. 1993.
2. Mariss Jansons Orquesta Filarmónica de Oslo EMI:

Steve Reich



Steve Reich
Maestro indiscutible del arte de la repetición y de las ondas fuera de fase.

El músico norteamericano Steve Reich (1936- ) es uno de los representantes de la corriente minimalista. Nació en Neva York, hijo de inmigrantes judíos de la Europa Oriental. Sus padres se separaron cuando era niño, y pasó gran parte de su niñez viajando en trenes entre Nueva York y California, donde su madre estableció residencia, tratando de abrirse camino como cantante y compositora. Después de obtener el título de Filosofía en la Universidad de Cornell N. Y. Reich decide estudiar música en Julliard School, una de las instituciones más prestigiosas de aquellos años. Allí compartió la mistad de Phillip Glass. Posteriormente se muda a San Francisco, en busca de mayor libertad en el Oeste, y se matricula en la Escuela de Música de Mill´s College. La figura principal de aquella institución era Darius Milhaud, pero sin embargo Reich se identifica más con Luciano Berio, quien era profesor visitante y de él aprende la técnica dodecafónica. Estudia algunas obras de Webern, dirigido por Berio y comienza a desechar en sus obras las armonías tonales.
A partir de 1963 comienza a vivir y participar activamente del ambiente bohemio del la ciudad en los bares nocturnos y frecuentando los clubes de jazz en donde tocaba John Coltrane. Estudia los polirritmos africanos y participa en un grupo de musical de amigos de la Universidad que tocan de manera improvisada en conciertos al aire libre. También escribe para la compañía de teatro San Francisco Mime Troupe música para teatro y multimedia, con fondo de cintas magnetofónicas, como en “EventIII/Coffe break”.
Después de obtener su título de maestría en música, Reich, abandona para siempre la música “seria y académica”, influenciado por la cultura Pop de San Francisco, y se dedica a sus propias investigaciones en el campo de la música experimental electrónica.

Nagoya marimbas, obra de Steve Reich interpretada por Yuko Yoshikawa y Max Carreon, en el Centro Nacional de Las Artes, México.


Piano Fase
La obra “Piano Phase” fue escrita por Reich en 1967, dentro de una técnica de laboratorio musical, conocida como desfasaje o “Phasing” y desarrollada por el autor en sus investigaciones con cintas magnetofónicas a comienzos de los 60.
Para comprender en que consiste esta técnica, pensemos en una carrera de bicicletas en un circuito cerrado circular con dos corredores. Ambos corredores parten de la meta al mismo tiempo. Si se supone que todos mantienen la velocidad constante durante la competencia y además cada uno de ellos emplea una velocidad distinta, entonces el corredor de la punta se adelanta al otro produciendo un desfasaje. Después de algunas vueltas se vuelve a juntar con el último y entonces entran en fase nuevamente. Este proceso de fase y desfasaje se repite periódicamente en el tiempo, creando un nuevo patrón de repetición.
La obra Piano Fase consiste de un solo movimiento de unos 20 minutos de duración.
Comentarios:
1. El método de desfasaje de Reich consiste en iniciar dos líneas melódicas tocadas de manera sincronizada, pero lentamente, ellas se desfasan al tocar una más rápido que la otra. La técnica la aplicó Reich en el estudio de grabación con cintas magnetofónicas, pero luego, cayó en cuenta que el mismo efecto se puede alcanzar con intérpretes ejecutando en vivo. En Piano Fase se tienen dos pianistas tocando una breve figura melódica de 12 notas que se repiten al unísono. Después de un rato, uno de los pianistas empieza a tocar más rápido que el otro. Cuando vuelven a tocar el motivo inicial, al tocar uno la primera nota el otro va por la segunda, y así continúan hasta que se vuelven a emparejar después de tocar doce veces el motivo melódico. Luego interpretan un motivo de ocho notas y vuelven a desfasarse.
2. La misma técnica fue empleada en otras obras como Violin Phase (1967), Phase Patterns (1970) y Drumming (1971). Posteriormente Reich escribió una segunda versión de la obra para dos marimbas.
Discografía:
Ensemble Avant garde. Wergo. 1999.
Drumming, by Steve Reich (2 of 2)

Drumming.

Drumming, compuesta en 1971, para un conjunto de percusión conformado por diversos instrumentos y voces, es una de las obras más completas, relevantes y conocidas del músico norteamericano Steve Reich.
La obra se divide en cuatro partes ejecutadas por diversos instrumentos:
1. 4 pares de bongos 17': 25'
2. 3 marimbas, 2 dos voces femeninas 18':26'
3. 3 glockenspiel, flautín y silbidos 11':16'
4. El conjunto completo 10':19'
Comentarios:
1. Esta composición de Reich, surge como consecuencia de sus estudios sobre la música Centro Africana realizados en la Universidad de Ghana con Gideon Alorworye, el maestro oficial tamborero del Grupo de Danzas de Ghana. Tiene como base una pequeña célula melódica en ritmo de 12/8 que se escucha de manera insistente en el fondo.
2. Durante más de una hora, Reich nos propone la transformación meticulosa, pausada pero constante de una única célula rítmica que se desarrolla en cuatro secciones diferentes. El patrón inicial es desarrollado para generar nuevos patrones que se superponen y que más tarde serán duplicados por la voz femenina y finalmente por el flautín.
Discografía: Drumming. Steve Reich and Musicians: Nonesuch Records.


Trailer for GVSU New Music Ensemble CD, "Music for 18 Musicians". Full quality video at newmusicensemble.org or innova.mu


Música para 18 músicos.
Entre 1974-76 Steve Reich compuso la pieza minimalista “Music for 18 Musicians”. Ha sido considerada por mucho como la obra más lograda de Reich y quizás una de las obras claves de la segunda mitad del siglo 20.
Instrumentación: La obra está instrumentada para 4 voces femeninas, 4 pianos, 3 marimbas 2 xilófonos violín, cello, 2 clarinetes, clarinete bajo y un metalófono.
La Música para 18 músicos tiene una duración de 56 minutos y está dividida en 12 secciones.
Comentarios:
1. La principal preocupación del autor es presentar cambios de armonía, ritmo y orquestación partir de células que casi se repiten.
2. La obra contrapone instrumentos del mismo timbre: los pianos y xilófonos mientras el bajo permanece constante, para lograr armónicos secundarios que surgen de manera natural por efectos de las ondas sonoras. De alguna manera se está generando música sin ser ejecutada directamente. Esto crea un entramado de mucha complejidad que mantiene el interés del oyente.
3. En esta composición no hay director. Reich pensó en los conjuntos de tambores del África occidental o el Gamelán de Bali en donde todos participan por igual. Los miembros de la orquesta tocan juntos y deciden cuando cambiar el ritmo o la melodía liderizada por el vibráfono o el primer clarinete.

Discografía:
1. Steve Reich Music for 18 Musicians ECM Records. 2000.
2. Steve Reich. Ensemble Modern. RCA.

Max Reger



Max Reger
Un organista y compositor alemán; estudioso de la obra de Bach y partidario de la música absoluta.

Maximilian Johan Baptist Joseph Reger (1873- 1916) o simplemente Max Reger fue un eminente músico alemán, afamado compositor, director, organista, profesor y escritor de tratados. Nació en la localidad de Brand, cerca de Bayreuth en la región del Palatinado. Cultivó casi todas las formas musicales: poemas sinfónicos, variaciones, música de cámara, corales para el órgano y conciertos para distintos instrumentos. Fue un digno sucesor de la tradición romántica austro –alemana de fines de siglo XIX por su lenguaje musical que combina armonías cromáticas y por otro lado heredero del barroco alemán por su magistral manejo del contrapunto. Siempre sintió satisfacción y admiración profunda por la obra de Bach y las corales protestantes, a pesar de ser un hombre católico de raíces Bávaras. Desarrolló una carrera profesional como organista, pianista y director, evitó las influencias de Wagner en cuanto a música descriptiva. Su música es absoluta a la manera de Bach y Brahms, de allí que resulte algo difícil de asimilar para la mayoría de oyentes, por la ausencia de bellas melodías.
Su padre Joseph Reger fue un maestro de escuela con excepcionales dotes musicales. Tocaba el órgano, el clarinete bajo y el oboe. Además fue el autor de un texto muy usado sobre armonía: el “Beiträge zur Modulationslehere” (1903) o Manual sobre la teoría de modulación, que se distanciaba del complicado cromatismo de Wagner, proponiendo un sistema más sencillo. La madre de Reger, Filomena, fue una mujer de origen campesino, sumamente religiosa y espiritual, rozando casi el misticismo pues sufrió mucho por la pérdida de tres de sus cuatro hijos. Este ambiente hogareño de despiadada fatalidad influyó en la obra de nuestro compositor.
Reger fue un director de orquesta muy reconocido que hizo varias giras por Europa a comienzos del siglo XX. En sus programas incluía, además de sus propias obras, composiciones de gran envergadura de Brahms, Bruckner, Grieg, Tchiakovski y obras recientes de Richard Strauss y Debussy. Como pianista también dio recitales. Su dominio de Bach fue reconocido por los críticos de la época.




Serenata en Sol mayor

La Serenata en Sol mayor OP. 95 para orquesta fue compuesta en 1905-06. La obra de unos 42 minutos de duración esta estructurada en cuatro secciones. En una visita que hizo Reger a San Petersburgo en 1906 presentó esta obra dirigiendo la orquesta. Entre los asistentes estaba Prokofiev, quien quedó encantado con el nuevo estilo de Reger. Esto tal vez contribuyó al desarrollo de algunas obras de estilo neoclásico por parte de los jóvenes rusos.

1. I. Allegro moderato 13:35.
2. II. Vivace a Burlesca 3:16
3. III. Andante semplice 10:33
4. IV. Allegro con spirito ( ma non troppo vivace) 14:34

Comentarios:
1. La Serenata Op. 95. es una obra fresca, ligera y original, inspirada en las de Mozart. El primer movimiento, estructurado en la forma de sonata, contiene temas encantadores de mucha originalidad que se combinan de manera muy equilibrada. Hacia la parte central hay una fuga bastante dinámica en donde participa toda la orquesta.
2. El segundo movimiento es un breve scherzo de gran lucimiento para las maderas.
3. El tercer movimiento de carácter melodioso y romántico posee un impulso interno que hace fluir la música con bastante naturalidad.
4. El cuarto movimiento de carácter franco y decidido a la manera de Brahms abre con un repicar de timbales que da inicio a una amalgama de temas diversos que se van desarrollando poco a poco. El tempo es allegro con spirito pero sin caer en excesos de dramatismo.



Discografía:
1. Hermann Scherchen. Orquesta Filarmónica del Noroeste de Alemania. Cpo. 1995.
2. Horst Stein. Sinfónica de Bamberger. Koch. 1995.

Suite al estilo antiguo.

En diciembre de 1911 Max Reger es nombrado director de la orquesta de la Corte del Duque Jorge II de Sajonia- Meiningen que había estado bajo la dirección del legendario Hans von Bülow entre 1880- 1885. En un corto tiempo y con un trabajo intensivo de ensayos y giras de conciertos, Reger vuelve a poner la orquesta en su lugar como una de las mejores de Alemania por su alto nivel de competencia. Fue un privilegio para Reger el poder contar con una orquesta con fines compositivos. Anteriormente solo había compuesto música para el órgano y algunas obras de cámara. Las obras orquestales del período de Meiningen están entre las mejores del autor.
La Suite al estilo Antiguo Op. 93 de Max Reger fue dedicada al Duque de Sajonia Jorge II. La obra de unos 24 minutos de duración se estructura en tres movimientos:

1. I. Preludio. Allegro comodo 6:00
2. II. largo 9:07.
3. III. Fuga Allegro con spirito ( ma non troppo vivace) 8:22.



Comentarios:
1. La obra posee diversas influencias de compositores antiguos como Bach, Beethoven y Brahms.
2. El primer movimiento es una pieza alegre de factura barroca con una textura de contrapunto a la manera de Bach.
3. El segundo movimiento, lento de carácter romántico y ceremonioso presenta una bella melodía llevada por las cuerdas y los cornos.
4. El tercer movimiento es una fuga que comienza con un tema sencillo por parte de las cuerdas y luego se incorporan el resto de los instrumentos de la orquesta.


Discografía:
Horst Stein. Sinfónica de Bamberger. Koch. 1995.


Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart.


Reger que fue un trabajador incansable; bastante descuidado con su salud, llegando al punto de no tomar nunca unas vacaciones. A comienzos de 1914 Reger sufre una crisis de nervios y debe ser internado por algunas semanas en un sanatorio. Entre mayo y julio de 1914 y estando convaleciente aún, escribe las Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart op. 132. Las variaciones se estrenaron en 1915, un año antes de la muerte del compositor.
Esta bella obra se basa en el tema del primer movimiento de la Sonata para Piano en La mayor, K331 de Mozart. Está escrita para una gran orquesta y es de unos 34 minutos de duración. Las Variaciones y fugas se estructuran en 13 partes:

Tema: Andante grazioso 2:42
Variación 1: Piu andante 2:43
Variación 2: Allegretto con grazia 2:15
Variación 3: Vivace 1:22
Variación 4: Poco vivace 2:07
Variación 5: Andante sostenuto 3:43
Variación 6: Tempo di menuetto 2:40
Variación 7: Presto 3:11
Variación 8: Andante con moto 2:51
Variación 9: Allegro con spirito 1:45
Variación 10: Allegro appassionato 2:17
Variación 11: Andante con moto 5:53
Fuga: Allegro moderato (ma con spirito) 9:40




Comentarios:
1. Cada variación nos presenta una nueva propuesta con relación a la anterior. La música original va sufriendo metamorfosis en cuanto a tonalidad, tiempo y melodías, y de manera mágica surgen nuevas facetas inexploradas del tema.
2. La música placentera transmite a nuestros oídos una sensación de calma y sosiego en cada una de las variaciones lentas, alcanzando algunos momentos de romanticismo apasionado como en la última de ellas.
3. La fuga se inicia exponiendo el tema por parte de los violines. Poco a poco se incorporan los violonchelos, las maderas, los cobres y luego toda la orquesta.

Discografía:
Jorg Peter Carsten Filarmónica de Dresde. Capriccio. 1991.

Maurice Ravel



Maurice Ravel
Un fino orquestador que componía con la precisión de un relojero suizo.

El músico francés Maurice Ravel (1875-1937), nació el 7 de Marzo de 1875 en Ciboure, País Vasco Francés, cerca de la frontera con España. Su padre Pierre Joseph Ravel era un ingeniero suizo y su madre María Deluarde era vasca. El padre tocaba el piano y cultivó en el niño desde temprana edad, la inclinación hacia la música. La familia se muda a París a los tres meses de haber nacido el niño. A los siete años tuvo como profesor de piano a Henri Ghys.
En 1889 recibe clases de piano de Emile Decombes y ese mismo año ingresa al Conservatorio de París. Si bien fue un alumno aventajado, Ravel nunca ganó ningún premio importante. Su personalidad de espíritu libre e independiente, sin adaptarse a las recetas establecidas, chocaba con el academicismo imperante en las instituciones oficiales. Ravel es un caso digno de atención pues fracasó cinco veces en la conquista del afamado Premio de Roma. Abandona el Conservatorio en 1895 y se vuelve a incorporar en 1897.
Entre sus amistades estuvo el pianista español Ricardo Viñes, quien fue uno de sus mentores y mejores intérpretes. En 1909 Ravel fundó junto con Fauré, Schmitt y otros, la Société Musicale Indépendante para la difusión de la música contemporánea. En ese mismo año Diaghilev le comisiona el ballet Daphnis y Chloé para los Ballets Russes. También conoce a Stravinsky en París y comparte con el durante el año de 1913 en Clarens, Suiza, donde ambos colaboraron en una orquestación de la ópera Khovanschina de Musorgsky, también comisionada por Diaghilev.
Después de la muerte de Debussy en 1918, Ravel es la máxima figura de la música en Francia. Sin embargo se retira a un lugar apartado, compone muy poco y muere rodeado por sus gatos y su ama de llaves en 1937.


Rapsodia Española

Ravel heredó de su madre un profundo amor por la música española. La influencia de España se pone de manifiesto en varias de sus obras. Hacia 1907 comenzó a escribir “La hora española” una opera cómica o comedia musical que se desarrolla en Sevilla en el siglo XVIII. La obra fue presentada con gran éxito en 1911. También compuso “La Alborada del Gracioso” (1918), de clara inspiración hispánica.
La Rapsodia Española de Ravel escrita en 1907, a la edad de 33 años, se genera en torno a la orquestación de la “Habanera”, una pieza para el piano compuesta en 1887. La Rapsodia es la primera obra sinfónica en varios movimientos de este compositor. Posee todo el encanto y sabor de la música típica española. En ella se pone de manifiesto la madurez alcanzada en el arte de la orquestación. Hay claras influencias de Rimski-Korsakov en el uso de timbres de timbres brillantes y también de Debussy en el empleo de escalas octatónicas.

La obra de unos 17 minutos de duración, esta estructurada en 4 movimientos
1. Prélude à la nuit 4:32
2. Malagueña 2:15
3. Habanera 2:51
4. Feria 6:28
Comentarios:
1. Ravel despliega en su Rapsodia la vivacidad, el ritmo y el colorido de la música española. Las dos piezas centrales en ritmo de danzas, malagueña y habanera, de carácter folklórico, fueron compuestas originalmente para dos pianos. La úlsima pieza, Feria, también es de carácter español. La primera pieza, Prélude à la nuit nos trae una atmófera impresionista, que recuerda a Debussy y también al Pájaro de Fuego de Stravinsky.
2. El estilo de Ravel ha sido comparado al de Debussy, con el cual comparte el calificativo de Impresionista. Sin embargo la música de Ravel se aleja de la música difusa del impresionismo en su etapa de madurez y más bien expresa un deseo de claridad, sencillez y definición precisa de cada instrumento, elementos estos que definen un estilo propio y muy individual.
Discografía:
1. Jean Martinón. Orquesta de parís. EMI. 2002.
2. Claudio Abbado. Orquesta Sinfónica de Londres. Deutsche Gramophon. 2002.
3. Sergiu Celibidache. Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart. Deutsche Gramophon. 1999.

Mi madre la Oca.
Los cuentos infantiles que nos leyeron nuestros padres, llenos de ternura e imaginación, se quedaron grabados en nuestra mente para siempre: Ellos se conservan como un tesoro al cual acudimos en los momentos de desasosiego cuando más necesitamos un remanso de paz y armonía. Tanto Debussy como Ravel sintieron la motivación hacia las historias de niños: crearon música para la niñez fácil de escuchar y sencilla, dejando obras maravillosas, llenas de encanto, que están entre las mejores de su producción.
Maurice Ravel fue un coleccionista de juguetes, artefactos exóticos, porcelanas, cajas de música, relojes y otra serie de antiguallas. Ravel siempre tuvo una relación muy cercana con su madre y durante la guerra sufrió mucho al estar alejado de ella. Las cartas que le escribió fueron conmovedoras. En 1916 se encontraba en el Hospital recuperándose de una disentería adquirida en el frente. En enero de 1917 su madre murió súbitamente y esto lo dejó desconsolado, pues nunca tuvo una relación de pareja con mujer alguna. Escribió una ópera llamada “L’enfant et les sortileges”, El niño y los sortilegios (1925), donde se desbordan todas sus fantasías sobre el mundo de los pequeños. Ravel también fue el autor de “Ma mère l’oye”, una suite para dos pianos compuesta en 1911. La obra se inspira en los cuentos de hadas más famosos como La Bella Durmente, La Emperatriz de las Pagodas y la Bella y la Bestia.
La historia de esta composición es la siguiente. Ravel era muy amigo del matrimonio Cyprian e Ida Godebski, quienes tenían un par de hijos adorados por el compositor. Los niños de ocho y seis años, respectivamente, tocaban bien el piano y para ellos Ravel compuso esta suite para piano a cuatro manos, y la llamó “Ma mère l’Oye “. Fue estrenada por vez primera en Abril de 1910 en un concierto inaugural de la Societé Muiscale Indépendante donde intervinieron varios niños. Al año siguiente Ravel orquestó la partitura en una suite. Más tarde compuso un ballet a partir de la suite, agregando dos partes nuevas y cuatro interludios. El ballet tuvo gran éxito en su época.

La Suite Orquestal Mi madre la Oca consta de 5 partes:
1. Pavane de la Belle au bois dormant 1:59
2. Petit Poucet 3:32
3. Laideronnette, imperatrice des Pagodes 3:31
4. Les entretiens de la Belle et de la Bête 4:13
5. Le Jardin féerique 3:42
Comentarios:
1. Es una música de cuentos de hadas para niños, dentro del estilo impresionista.
2. La Pavane de la Belle au bois dormant es una pieza de una simplicidad tremenda. Apenas hay aquí un bello motivo melódico por parte de la flauta y el fagote que se repite de manera sosegada, con algunas leves variaciones. La influencia de Satie es bastante clara. La pieza transmite una sensación casi terapéutica de calma y tranquilidad.
3. Petit Poucet o Pulgarcito, es otra pieza encantadora. El corno inglés, el oboe y las flautas dibujan una melodía bucólica que acumula cierta tensión y se resuelve en un clímax hacia la parte central.
4. La cuarta pieza, Les entretiens de la Belle et de la Bête, posee una estructura casi minimalista, con una melodía que se repite por parte del clarinete. Satie sintió gran admiración por esta pieza y la llamó “La cuarta gymnopédie”.

Discografía:
1. Versión orquestal (Suite): Academy of St. Martin-in-the-Fields Sir Neville Mariner. Hänssler Classic.
2. Versión Para Piano: Martha Argerich – Mikhail Pletnev. DG. 2004.
3. Claudio Abbado. Orquesta Sinfónica de Londres. Deutsche Gramophon. 2002.
4. Versión Orquestal (Ballet completo). Jean Martinón. Orquesta de parís. EMI. 2002.



La tumba de Couperin.
Una bella suite para piano compuesta en 1914 y esta concebida como un homenaje a siete amigos desaparecidos en la Primera Guerra Mundial. Consta de seis movimientos, representando cada uno de ellos un tipo de danza antigua y además cada uno con una dedicatoria personal a cada uno de los caídos por la patria francesa.
La Tumba de Couperin se estructura en 6 piezas.

1. Preludio ( a Jaques Charlot)
2. Fuga (a Jean Cruppi)
3. Forlane ( a Gabriel Deluc)
4. Rigaudon ( A los hermanos Pierre y Pascal Goudin)
5. Minueto ( a Jean Dreyfus)
6. Tocata ( A Joseph de Marliave)



Comentarios:
1. En primer lugar hay que decir que la traducción de “Le tombeau de Couperin” por la Tumba de Couperin no es del todo acertada, pues no se trata de un homenaje mortuorio a nadie, sino mas bien un reconocimiento a la música de una época. “Tumbeau” es un tipo de composición usada por los franceses para homenajear a un maestro antiguo y no reviste carácter luctuoso. El título debería ser más bien “Homenaje a Couperin”.
2. Esta obra fue orquestada por el propio Ravel en 1920 en una suite de cuatro partes (suprimió la tocata y la fuga).

Discografía:
1. Versión para piano: Francois Samson EMI. 2002.
2. Versión orquestal: Academy of St. Martin-in-the-Fields Sir Neville Mariner. Hänssler Classic.
3. Pierre Boulez. Orquesta de Cleveland. Deutsche Gramophon.
4. Sergiu Celibidache. Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart. Deutsche Gramophon. 1999.



Bolero.
La historia del Bolero es un ejemplo de cómo una idea muy simple puede originar una obra genial sin tanto esfuerzo. La bailarina Ida Rubinstein le pidió a Ravel un ballet de carácter español escrita expresamente para ella. Ravel intenta tomar prestado un tema de la suite Iberia de Isaac Albeniz, para orquestarlo. Pero luego se entera que director español Enrique Fernández Arbós tenía la exclusiva para orquestar las obras de Albéniz, por lo cual abandona el proyecto. Entonces decide tomar un ritmo de Bolero, que es una danza española para su composición. Ravel había visitado España y estaba familiarizado con su música y folklore. La obra fue todo un éxito desde su presentación. Con el paso del tiempo se ha convertido en la pieza clásica más popular del siglo XX. Los derechos de autor han reportado más de 27 millones de Euros!
Irónicamente, cuando se estrenó la pieza por ves primera el 20 de Noviembre de 1928, fue incomprendida, a tal punto, que una dama gritó desde su palco: “Agarren a ese loco”. Ravel, con su habitual sentido del humor, comentó después de la función “Ella era la única persona que se dio cuenta de la verdad”
El Bolero es sin duda, la composición más popular de Maurice Ravel. Es un prolongado crescendo que se origina a partir de un motivo bastante simple, el cual es ejecutado por los diferentes instrumentos de la orquesta. Resulta ser una obra bastante pedagógica, pues permite conocer los timbres de los distintos instrumentos a medida que van entrando en acción dentro de la obra. El resultado es una música cautivante que hipnotiza al oyente, desde el principio hasta el fin, durante unos 15 minutos y lo atrapa con su ritmo misterioso de carácter español.

Instrumentación: Flautín, Flauta, Clarinete, Clarinete alto, Oboe d’amore, Saxofón, Corno Inglés, Saxo soprano, Fagote, Contrafagote, Corno, Trompetas, Trombón, Violines, Violas, Violoncelos, Contrabajos, Percusión y Arpa.



Comentarios:
1. ¿Por qué le gusta tanto a la gente el Bolero? Quizás sea por su ritmo tan marcado y su melodía pegajosa. El ritmo del bolero es constante en toda la pieza. Es un ritmo de ¾. Sin embargo el son del redoblante es el que más nos interesa por su poder de atracción.
2. El motivo melódico en La menor, es una línea ondulante que se proyecta hacia delante con mucha fuerza. Se repite 18 veces a medida que se incorporan más instrumentos a la orquesta. Es un ostinato de dimensiones colosales, quizás sin parangón dentro de la música clásica. Cuando el motivo cesa, entonces el redoblante pasa a primer plano, aumentando de volumen para mantener el interés del oyente. Hacia el final la tonalidad cambia de manera sorpresiva a Mi mayor, para luego retornar a La mayor.
3. Estructuralmente, el Bolero es un Basso Ostinato. El Basso Ostinato es una forma de variación muy fácil de reconocer. Consiste en una frase breve o pequeña melodía que es repetida y otra vez por el bajo. Es más bien un método de escribir música, fórmula bastante usada por los músicos de vanguardia a partir de 1920. Este bajo ostinado se repite tanto que queda grabado en el inconsciente y el oyente, después de algunos minutos no lo escucha y presta toda su atención a las notas superiores del pentagrama.
Discografía:
1. Jean Martinon – Orquesta nacional de l’ Ortf. 1974.
2. Claudio Abbado. Orquesta Sinfónica de Londres. DG. 2002.
3. Sir Neville Mariner. Academy of St. Martin-in-The-fields. Hänsler-Verlag 1995.
4. Anton Nanut. Orquesta Sinfónica de la radio de Ljubljana. Point Classics. 1993.
5. Daniel Barenboim. Orquesta de París. DG. 1982.

Sergei Rachmaninov



Sergei Rachmaninov
Un virtuoso el teclado, heredero de la tradición romántica de Tchaikovsky y Rimski-Korsakov.

Serge Rachmaninov o Rachmaninoff (1873 – 1943) fue uno de los grandes pianistas, directores y compositores del siglo XX. Uno de sus logros como compositor fue el de dar continuación en el siglo XX, al romanticismo tardío de la escuela rusa. Su obra posee influencias de Tchaikovsky. Sin embargo Rachmaninoff creó un lenguaje musical bastante original lleno de virtuosismo, expresión lírica, y solidez estructural que se aprecia fácilmente en todas sus composiciones. Compuso cuatro conciertos para piano y tres sinfonías, además de óperas, música para el piano solo, obras de cámara y piezas corales.
Rachmaninoff, proveniente de una familia de origen aristocrático, nació en Oneg en la región de Novgorod un 2 de Abril de 1873. Recibió sus primeras lecciones de su madre y luego de Anna Ornatskaya una joven graduada del Conservatorio de San Petersburgo. Tuvo una infancia llena de dificultades por culpa de la irresponsabilidad de su padre, quien contrajo algunas deudas por mala administración y dejó perder los bienes familiares. Todo esto condujo la familia hacia a la ruina, debiendo mudarse a una pequeña propiedad rural en Oneg. En 1882, la familia debe sacrificar la pequeña propiedad para pagar deudas y se mudan a San Petersburgo. Allí Rachmaninof se incorpora al Conservatorio de música en donde estudiará música en general y piano con Vladimir Demyansky. Es un niño precoz que con apenas nueve años que da muestras de su genialidad. Sin embargo las dificultades y la fatalidad del destino no dejan de ensombrecer su vida. Durante una epidemia de cólera muere Sofya la hermana y luego sus padres se separan en forma definitiva. Todo esto tendrá un efecto de perturbación emocional en Rachmaninoff.
En 1886 Rachmaninoff fue enviado al Conservatorio de Moscú para estudiar con Nikolay Zverev. El joven vivió en el apartamento del maestro junto a otros dos estudiantes. Zverev era sumamente disciplinado: levantaba sus discípulos a las seis de la mañana para comenzar las lecciones de piano. También aprendían música ejecutando arreglos para dos pianos de algunas sinfonías. Allí en medio de aquel ambiente de trabajo, tuvo la suerte de conocer a los músicos más relevantes del momento como Anton Rubinstein, Taneyev, Arensky, Safonov y una figura legendaria que lo influenció profundamente: Piotr Illich Tchaikovsky.
En 1891 se gradúa en el Conservatorio de Moscú con máximos honores. En ese mismo año compone su primer Concierto para Piano en la localidad de Ivanovka, un lugar de retiro a 660 kilómetros de Moscú donde sus primos tenían una pequeña finca de veraneo. Allí vive momentos de felicidad que motivan e impulsan su genio creador. En medio de la quietud y el aislamiento del campo ruso, al lado de su querida prima Vera y rodeado de una naturaleza sencilla buscará inspiración para la gran mayoría de sus futuras obras.
Un poco antes de finalizar el siglo, Rachmaninoff compone su Primera Sinfonía influenciado fuertemente por Tchaikovsky.
Después de la Revolución de octubre de 1917, Rachmaninov se exilia de Rusia. En 1918 se instala en los Estados Unidos en donde permanece el resto de su vida hasta 1943. Curiosamente, la mayoría de sus obras las compone en Rusia. Su productividad casi nula al abandonar su patria, se debió, según sus propias palabras, al asilamiento cultural sufrido en el exilio.


Sinfonía No. 1. 

La Sinfonía No. 1 en Re menor OP. 13 fue compuesta en 1896 y estrenada el 27 de marzo de 1897, bajo la dirección de Glazunov.
La première de la Primera Sinfonía de Rachmaninov fue un completo fracaso, debido a las deficiencias del trabajo de dirección por parte de Glazunov. La crítica del evento, por parte del músico nacionalista Cesar Cui, fue bastante severa, agresiva y descarnada, llegando a decir que “la música era una descripción de las diez plagas de Egipto, sugiriendo que podía ser admirada por los presos de un conservatorio en el infierno”.

Rachmaninov Symphony Num. 2
Puerto Rico Symphony Orchestra
Centro de Bellas Artes, San Juan
Festival Casals Feb. 2004
Carlos Miguel Prieto, cond.
Antonio Paoli Hall (The Main Hall)

La Sinfonía no. 1 se divide en cuatro movimientos

1. Grave - Allegro ma non troppo 14:02
2. Allegro animato 8:29
3. Larghetto 10:34
4. Allegro con fuoco 13:22

Comentarios:
1. La sinfonía contiene un mínimo de material temático, pero bien desarrollado. La estructura en cuatro movimientos responde a modelos clásicos. La obra, escrita en una tonalidad menor, expresa en general una atmósfera de carácter heroico y algo nostálgico, muy propio de Tchaikosky. En primer lugar hay que acotar las diferencias de tiempo y dinámica que existen entre las distintas grabaciones, que pueden ser hasta de dos o tres minutos en cada movimiento.
2. El primer movimiento en tiempo allegro moderato, fluye serenamente con la exposición de un bello tema de gesto heroíco y romántico por parte de las cuerdas. El tema principal de toda la sinfonía, se repite con insistencia hasta caer en un clima de desesperación y amargura inconsolable que se disuelve en pasajes de cierto lirismo por parte de las maderas. Hay un episodio de descanso donde el corno inglés incia lo que será el segundo tema, algo mas positivo y determinado que el primero.
3. El segundo movimiento es un scherzo de ritmo más animado. Sobresalen los pizzicatos y las armonizaciones por parte de la sección de cuerdas.
4. El larghetto del tercer movimiento presenta melodías de carácter nostálgico llevadas por las flautas y el oboe. Luego surgen densos bloques sonoros que construyen un crescendo de cierta tensión que se corta de manera abrupta en el más patético silencio.
5. El movimiento final, bastante energico y fogoso. Está escrito en forma de variaciones. Se inicia en tono muy marcial con una marcha brillante por parte de los bronces. Después de algunos pasajes de bravura llegamos a algunos episodios fugados de temas secundarios que languidecen en las cuerdas de los violonchelos. Al final unas fanfarrias triunfales dan paso a la exposición del Tema Principal de la Sinfonía y concluye en toda su plenitud al golpe de los timbales.






Discografía:
1. Mariss Jansons. Orquesta Filarmónica de San Petersburgo (Leningrado). EMI Classics. 2007.
2. Lorin Maazel. Filarmónica de Berlín. D.G. 1984.
3. Pawel Przytocki. Filarmónica de Gdansk. Onix.




Concierto para piano No. 2.

Después del fracaso de la première de su primera sinfonía, Rachmaninoff entra en una etapa de pesimismo, falta de confianza en sí mismo y depresión que le impiden componer por espacio de tres años. Al final de esta etapa de profunda crisis recurre a los servicios del Doctor Nikolay Dahl, quien era un médico especialista en las técnicas de hipnosis y músico aficionado. El contacto con este personaje tuvo efectos beneficiosos para la salud del compositor. Se recuperó de manera satisfactoria. Con el buen estado de ánimo y el optimismo, las ganas de componer se hicieron presentes. En una estadía en Italia durante un verano de finales del siglo XIX, empieza componer lo que será su obra maestra: el Segundo Concierto para Piano. El mismo fue presentado al público en forma completa en agosto de 1901.
El Concierto para Piano No. 2 en Do menor, Op. 18, de Sergei Rachmaninoff es la obra más conocida de este compositor y una de las más populares de todo el repertorio clásico del siglo XX.
Este concierto para piano es una obra de unos 33 minutos de duración que consta de tres movimientos:
1. Moderato 10:10.
2. Adagio sostenuto 11:46.
3. Allegro scherzando 11:43




Comentarios:
1. El primer movimiento abre con un motivo de dos notas tocado por el piano, el cual se repite siete veces de manera idéntica salvo por el incremento del volumen. Se repite una última vez pero luego se resuelva presentando a continuación un tema muy masculino de carácter ruso el cual es llevado de manera enérgica por las cuerdas. Mientras tanto el piano continúa ejecutando su tema pesimista en oscuros arpegios, creando un clima dramático. Despuésde esta pequeña tormenta todo se disuelve y surge el bello tema principal del concierto en las notas del piano. El tema principal directo y expresivo es llevado por toda la orquesta en una larga sección de desarrollo.
2. El segundo movimiento de carácter profundamente romántico ofrece pasajes de mucho lirismo que recuerdan a Tchaikovsky. Hay un diálogo bastante intenso entre el piano y las flautas que expresa toda la emoción de un idilio. Luego es tomado por el clarinete y finalmente por los violines. Poco a poco la tensión entre el piano y la orquesta aumenta hasta llegar aun clímax de mucho lucimiento y brillantez sonora. Es un tema secundario que lucha por desarrollarse y que al final surge victorioso.
3. El movimiento final es un scherzo de gran vivacidad y brillantez que posee toda la fuerza y la audacia de la música rusa. Los acordes del piano de octavas incisivas le dan una gran determinación. Después de los dos minutos de iniciarse el movimiento, surge el tema secundario de carácter romántico que se impondrá en todo el movimiento por su belleza apasionante y seductora.

Discografía:

1. Rafael Orozco. Royal Philarmonic Orchestra. Edo de Waart. Phillips. 1973.
2. Lang Lang. Orquesta del Teatro Marinsky Valery Gergiev. D.G. 2005.
3. Peter Rösel Orquesta sinfónica de Berlin. Kurt Sanderling. Berlin Classics. 1982.

Rapsodia sobre un tema de Paganini.

La Rapsodia sobre un tema de Paganini fue compuesta en 1934, cuando Rachmaninov se encontraba en la Villa Senar, una propiedad que tenía en Suiza. La obra abarca un ciclo de veinticuatro variaciones sobre un tema del Capricho nº 24 para violín del célebre violinista italiano Niccolo Paganini (1782-1840). Dicho tema ya había sido empleado por otros compositores, entre ellos Brahms. La obra es un resumen de lo mejor del compositor y muchos la consideran como su quinto concierto para piano.
La Rapsodia sobre un tema de Paganini es una obra para piano y orquesta de 24 minutos de duración.

1. Introduction: Allegro vivace - Variation I (Precedente)
2. Tema: L'istesso tempo
3. Variation II: L'istesso tempo
4. Variation III: L'istesso tempo
5. Variation IV: Più vivo
6. Variation V: Tempo precedente
7. Variation VI: L'istesso tempo
8. Variation VII: Meno mosso, a tempo moderato
9. Variation VIII: Tempo I
10. Variation IX: L'istesso tempo
11. Variation X: L'istesso tempo
12. Variation XI: Moderato
13. Variation XII: Tempo di minuetto
14. Variation XIII: Allegro
15. Variation XIV: L'istesso tempo
16. Variation XV: Più vivo scherzando
17. Variation XVI: Allegretto
18. Variation XVII: Allegretto
19. Variation XVIII: Andante cantabile
20. Variation XIX: A tempo vivace
21. Variation XX: Un poco più vivo
22. Variation XXI: Un poco più vivo
23. Variation XXII: Un poco più vivo (Alla breve)
24. Variation XXIII: L'istesso tempo
25. Variation XXIV: A tempo un poco meno mosso

Comentarios:
1. Con el propio Rachmaninov actuando como solista y bajo la dirección del prestigioso Leopold Stokowski, la Rapsodia se tocó por primera vez el 7 de noviembre de 1934 en Baltimore. En 1939, el coreógrafo ruso Michel Fokine utilizó la música de esta obra para un ballet titulado "Paganini" que se estrenaría en Londres el 30 de junio del mismo año.
2. Algunas melodías son célebres como por ejemplo la Variación Nº 18, pieza profundamente pegajosa, tierna y romántica que sirvió como leitmotiv en muchas películas, telenovelas y comerciales. Por ejemplo, en el film de 1980, Somewhere in Time (Pídele al Tiempo que Vuelva), con Jane Seymour, Christopher Plummer y Christopher Reeve el tema de la rapsodia surge de manera recurrente a lo largo de la cinta.
Discografía:
1. Peter Rösel Orquesta sinfónica de Berlin. Kurt Sanderling. Berlin Classics. 1982.
2. Rafael Orozco. Royal Philarmonic Orchestra. Edo de Waart. Phillips. 1973.
3. Lang Lang. Orquesta del Teatro Marinsky Valery Gergiev. D.G. 2005.

miércoles, 28 de abril de 2010

Sergei Prokofiev















Sergei Prokofiev
Compositor de música clásica para el pueblo soviético.

Prokofiev es uno de los compositores más populares del siglo XX. Su música de vanguardia de los primeros años del siglo XX, expresa muy bien la idea de un movimiento variable e impredecible, con cambios súbitos de ritmos, breves paradas y aceleraciones violentas. Era como subirse a una montaña rusa: para disfrutarla había que dejarse llevar sin miedo. Regresa a la Unión Soviética y empieza a componer dentro de un estilo más accesible al público. Prokofiev utiliza ahora melodías y recursos formales de los clásicos, como Beethoven, Haydn y Tchaikovsky, tratándolos con mucho humor e ironía y quitándoles un poco el carácter serio, sentimental y narrativo de la música romántica. No hay metas de llegada ni tampoco “grandes declaraciones” en su discurso. En realidad no hay un discurso sonoro. Tan solo el pleno disfrute de los sonidos.
Sergey Sergeyevich Prokofiev nació en Sontsovka un pueblo de Ukrania en abril de 1881. Su familia de clase alta era bien educada. Su Madre Mariya Zitkova le dio las primeras clases de piano al niño desde los cuatro años. En 1900 asiste a funciones de ópera en Moscú y San Petersburgo. Presencia las obras más recientes del repertorio de cómo: el Fausto de Gounod, El Príncipe Igor de Borodin, el ballet La Bella Durmiente de Tchaikovsky, entre otros y queda tan impresionado que compone una pequeña ópera, que llamó El Gigante, para ser interpretada por los miembros de su familia.
En 1903, siendo apenas un niño de doce años, ingresa al Conservatorio de San Petersburgo y comienza sus estudios. Tuvo como profesores a Rimski- Korsakov, Glazunov y Lyadov.
Una de las formas musicales favoritas de Prokofiev fueron los conciertos para piano. Escribió cinco de ellos y todos han formado parte del repertorio habitual desde entonces. Compone su Primer Concierto para piano, OP. 10, siendo apenas un joven de 21 años, estudiante del Conservatorio en 1912. Lo estrenó el mismo, en su primera salida al escenario como solista. Al año siguiente compone el Segundo Concierto para piano en Sol Menor Op. 16, y lo estrena el 5 de Agosto de 1913 en Pavlovsk.
Viajes por el mundo.
En 1914 en un viaje de paseo a Londres tuvo la oportunidad de asistir a las mejores salas de concierto y de presenciar los grandes ballets de comienzos de siglo como Dafne y Cloe de Ravel, El Pájaro de Fuego, Petrushka y la Consagración de la Primavera de Stravinsky. En esa ciudad conoció a su compatriota y homónimo Sergei Diaghilev el director de los Ballet Rusos y tocó el segundo concierto para piano. Se cuenta que Diaghilev, quedó encantado y le propuso componer un ballet para ser representado por su compañía. Prokofiev acepta la idea y entre 1914 y 1915, trabaja en la creación de un ballet sobre temas rusos titulado “Ala y Lolli”. Sin embargo el compositor toma parte del material y compone una obra que llevará por título Suite Escita Op. 20. Esta fue estrenada por el autor como director de orquesta en 1916, con bastante éxito y lo dio a conocer en todo el mundo.
En Octubre de 1917 es sorprendido por los acontecimientos de la revolución Rusa. A comienzos de 1918 la situación política se complica aún más y entonces decide emigrar a los Estados Unidos en busca de un lugar más tranquilo. Emprende un largo viaje por tierra desde Petrogrado hasta Vladivostok el extremo oriental de Siberia, luego pasa al Japón y desde allí toma un barco de vapor que lo llevará hasta San Francisco. Se residencia en Norteamérica durante cuatro años (1918-1922). A pesar de contar con una carrera prestigiosa, su estadía en ese país no fue tan exitosa como él lo esperaba. Sin embargo compone su ópera más conocida “El amor por las tres naranjas” op. 33 (1919), con libreto de Gozzi y comisionada por Cleofonte Campanini, director de la Ópera de Chicago. En la primavera de 1919, un poco después de la primera guerra, Prokofiev se reúne con Diaghilev, el empresario ruso, en Italia, le muestra los bosquejos del ballet “Ala y Loli”, que le había sido comisionado, pero éste los rechaza y el proyecto queda inconcluso. Mas adelante Diaghilev solicita la colaboración de Prokofiev para un nuevo ballet basado en los muy solicitados temas rusos. Producto se ello Prokofiev compone “La historia del Bufón”, o mejor conocido por la traducción francesa de “Chout”, que tuvo muy buena aceptación por parte del público a partir de la première dada en París en 1924.
En marzo de 1922 Prokofiev se residencia en Alemania, en Ettal, un lugar sumamente tranquilo y apacible, donde se dedica a componer su tercera ópera “El Ángel de Fuego”, un proyecto que le tomará muchos años de su vida. En 1923 se casa con la cantante española Lina Llubera y la pareja se iría a vivir a París. En 1925 Diaghilev, le comisiona un tercer ballet sobre temas de la recién creada Unión Soviética y entonces compone “El paso del Acero” OP. 41 (1925-26), una creación de vanguardia, en donde se exalta el futurismo y el poder de las máquinas en la construcción de una nueva sociedad. La obra se estrenó en París el 7 de junio de 1927 con bastante éxito. En ese mismo año acepta una invitación para visitar la Unión Soviética y permanece dos meses, durante los cuales dio numerosos conciertos y entró en contacto con algunos miembros de la nueva generación de compositores como Shstakovich y Jachaturian.
El retorno a la Unión Soviética.
En el verano de 1936, Prokofiev culmina su exilio voluntario y decide regresar a la Unión Soviética, en donde permanecerá todo el resto de su vida, salvo algunos breves viajes al exterior. A partir de entonces Prokofiev cambia ligeramente de estilo: sus obras serán más fáciles de escuchar y en algunas de ellas explota la fibra nacionalista como en la Cantata “Alexander Nevsky”. Entre los primeros encargos están las obras didácticas para los niños como el cuento “Pedro y el Lobo”, música para el cine y música incidental para el teatro. Destacan en su producción de la etapa soviética sus dos grandes Ballets: “Romeo y Julieta” Op. 64 (1935-36) y “La Cenicienta” Op. 87 (1940-44), que fueron muy bien recibidas por el público.

Concierto para piano No. 1 por Alexander Kobrin. He won the Cliburn in 2005.



Concierto para piano No. 1.

Este Concierto para piano No. 1 en Re sostenido mayor Op. 10, compuesto en 1911, es una de las primeras obras de Prokofiev. Es una obra corta y concisa, de unos 16 minutos, y se divide en tres movimientos.


1 Allegro brioso 7:00
2 Andante assai 4:40
3 Allegro scherzando 4:22

Comentarios:


1. Resulta encantador el estilo pianístico de Prokofiev, por su vivacidad y sello inconfundible. La forma de usar el piano como un instrumento de percusión es completamente original. Golpea el instrumento en forma cortante, seca y precisa. Cada nota se percibe como una unidad independiente, separada de las demás, de una manera nítida. Por eso se dice que su música es cubista.
2. El elemento humorístico se halla presente en esta obra. La introducción, bastante majestuosa, hace pensar al oyente que se trata de un gran concierto para piano al estilo de los románticos, como Tchaikovsky o Grieg, pero luego irrumpe un tema muy ligero en una serie de compases donde abundan los rubatos acelerando la marcha, como en una cabalgata estrepitosa, dándole un toque de humor, que le quita toda la seriedad a la grandiosa introducción.
3. El segundo movimiento es de notable virtuosismo. La sección de cuerdas ejecuta dulces melodías de gran lirismo y poesía.
4. El último movimiento emplea cambios de tiempo y superposición de melodías, que contribuyen a crear un espacio de mucho dinamismo.

Discografía:
1) Alexander Toradze- Piano. Kirov Orquesta. Valery Gergiev. 1997 Phillips Classic.
2) Vladimir Ashkenazy- Orquesta Sinfónica de Londres. André Previn. London. 1997.

Rotterdam Philharmonic Orchestra / Valery Gergiev



Suite Escita.
La Suite Escita op. 20 de Sergei Prokofiev fue compuesta entre 1914-15. Es una obra de unos 22 minutos de duración y se estructura en cuatro movimientos:
1. Invocación a Veles y Ala. 7:37.
2. El dios del mal y danza de monstruos paganos 3:29
3. Noche. 6:16.
4. Persecución del dios del mal por Lolli. Crepúsculo 5:58.
Comentarios:
1. Tanto el tema del ballet como la música denotan la influencia de La Consagración de la Primavera de Stravinsky.
2. Los escitas era los primitivos eslavos, que adoraban al Dios Sol en la persona de Ala, una bella mujer ídolo de la fertilidad. Esta suite se origina a partir de la música de un Ballet “Ala y Lolli” de corte primitivista. La trama del ballet “Ala y Lolli” se basa en una leyenda eslava: la lucha entre las fuerzas del Dios Sol y del Demonio. Ala es capturada por el Demonio y el guerrero Lolli pelea para liberarla, acudiendo en su ayuda el Dios Sol.
3. La música es decididamente moderna: contrastes fuertes, colores tonales ásperos, muchos obstinatos y disonancias acidas: todo lo necesario para crear un gran escándalo y llamar la atención del público parisino. Hay una gran orquesta que suena a todo volumen y con brusquedad, a la manera rusa, en algunos pasajes.
4. Sin embargo todavía hay en esta pieza elementos tradicionales como la misma estructura de la obra en cuatro movimientos Allegro- Scherzo-Lento -Finale Rondo, al estilo de las sinfonías clásicas. Tampoco hay cambios de ritmos imprevistos como en las obras de Stravinsky del mismo período.
Discografía:
1. Valery Gergiev. Orquesta KIrov del Teatro Marinsky. Phillips. 2003.
2. Igor Markevich. Orquesta Filarmonía. EMI. 1989.


Sergei Prokofiev's

'Classical' Symphony (1/2)
Symphony in D Major, Opus 25

I. Allegro
II. Larghetto

Conducted by: Claudio Abbado





Sinfonía Clásica.

Sergei Prokofiev fue uno de los grandes sinfonistas rusos, junto con Shostakovich y Myaskovsky. Compuso siete sinfonías a lo largo de su fructífera carrera.
Prokofiev escribió su Sinfonía No. 1 en Re mayor, OP. 25 entre 1916-1917. El nombre de Sinfonía Clásica, dado por su autor a esta pequeña obra tan hermosa, hace referencia muy clara a las formas de composición del pasado, a la manera de Haydn o Beethoven. Es la primera obra dentro de este estilo muy particular de composición que predominará durante las dos guerras y que se llamará neoclasicismo. Es un estilo que contiene elementos musicales modernos: timbres, armonías, ritmos… etc. pero siguiendo los moldes estructurales clásicos.

Es una obra muy breve de unos 16 minutos, dividida en cuatro movimientos:

1 Allegro 4:59.
2 Larghetto 4:57.
3 Gavotta: Non troppo allegro 1:47.
4 Finale: Molto vivace. 4:15.

Comentarios:

1) Es una sinfonía que exterioriza frescura y juventud, propia de un compositor de 25 años. Resulta serena a ratos, otras veces ágil y muy precisa, pero siempre alegre y optimista.
2) El título de Clásica para esta sinfonía, se debe a una declaración del propio autor: “Me imagino que, de haber Haydn vivido hasta esta época, hubiese preservado su manera de escribir y al mismo tiempo hubiese asimilado algo de lo nuevo. Esta es la clase de sinfonía que yo quise escribir: una sinfonía de estilo clásico. Y cuando esta empezó a cuajar, yo la bauticé como ‘la Sinfonía Clásica’ ”.
3) La Sinfonía Clásica está más cercana a Beethoven que a Haydn, por sus cambios imprevistos de tonalidad, de mucha audacia y genialidad. También se deja sentir en ella la influencia de Stravinsky.

Discografía:
1. Seiji Ozawa. Filarmónica de Berlín. DG. 1991.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov de San Petesburgo.
3. Herbert von Karajan Filarmónicade Berlín. DG. 1982.
4. Neeme Jarvi. Scottish National Orchestra. Chandos . 1985

Nota de Amazon:  Sergei Prokofiev's Symphonies were brilliantly performed and recorded for a legendary project of Firma Melodiya of 1965-1967 by the Moscow Radio Symphony Orchestra of the USSR conducted by Gennady Rozhdestvensky. The recording of Prokofiev's last symphony was awarded the ""Grand Prix du Disque"" of Academie Charles Cros in France.
.

Prokofiev Violin Concerto No.1 in D major Vadim Repin, Valeriy Gergiev LSO (1mov)


Concierto para violín No. 1.


. La música de Prokofiev, tiene el encanto de los cuentos de hadas. Sus notas nos transportan a regiones soñadas en nuestra infancia: a una tierra donde todo es posible y no hay preocupaciones por el mañana. Por otro lado, es esencialmente moderna: emplea escalas no tradicionales, uso de ritmos cambiantes, y sonidos muy diferenciados,..etc.
Sergei Prokofiev es el autor de esta joya del neoclásico: el Concierto para violín No. 1 en Re mayor Op. 19. Una obra de juventud, compuesto en el período 1916-17 cuando el compositor vivía en Francia. Fue estrenado en París en 1923.
El Concierto para violín no. 1, de unos 23 minutos de duración, está estructurado en tres movimientos:


1 Andantino 9:50
2 Scherzo – vivacísimo 3:42
3 Moderato. 9:00


Comentarios:

1. Podemos apreciar aquí los atributos de la música de estilo neoclásico: serenidad, compostura y claridad en el discurso sonoro. La tonalidad en re mayor le confiere a la obra un carácter franco y directo.
2. El primer movimiento en forma de sonata, presenta un tema muy atrayente por parte del violín acompañado de un oboe, basado en un motivo de cuatro notas ascendentes que se repiten al obstinato. Hay una gran diversidad de temas articulados con una suavidad de terciopelo. Las líneas melódicas forman un tejido musical bastante ralo y ligero, propios del neoclásico. Hay al final una coda luminosa y brillante, de finos arabescos.
3. El segundo movimiento es un scherzo que ofrece pasajes de gran dinamismo. La música, en un tempo vivace como de danzas folklóricas, se desliza con rapidez. El violín dibuja figuras ágiles en frenéticas corcheas y semicorcheas, a través de nerviosos estacatos y glisandos. En el clímax la pandereta y los trombones le dan un toque de exotismo oriental.
4. El último movimiento presenta un tema sencillo pero muy pegajoso. Después un dialogo de mucha intensidad y lirismo entre el solista y la orquesta. Luego hay una sección de música nocturna lenta y algo velada, donde intervienen las cuerdas del arpa. Es una melodía meliflua que avanza y se enrosca sobre sí misma hasta desaparecer hundiéndose en un largo silencio.
Discografía:

1. Maxim Vengerov. Orquesta Sinfónica de Londres – Rostropovich. Teldec 1995.
2. Julia Fischer. Orquesta Nacional de Rusia. Yakov Kreizberg. Pentatone Classics. 2004.
3. Itzhak Perlman. Gennady Rhozdesvensky. Orquesta BBC. Sony.
4. David Oistrak. Lovro von Matačík. Orquesta Sinfónica de Londres. EMI. 1970.

Martha Argherich . Quizas la mejor interpretacion del tercer concierto para piano de Prokofiev.


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Concierto para piano No. 3.

El presente concierto es una de las obras más populares de la música del siglo XX. Posee bellos pasajes llenos virtuosismo, por parte del piano, animados con ese humor cáustico e incisivo tan característicos del autor.
El Concierto para piano No. 3 en Do mayor OP. 26. de Serge Prokofiev es una composición de gran formato, completada en 1921, durante una estadía en Inglaterra. Fue presentado por vez primera en Chicago con Prokofiev como solista, en una gira por los Estados Unidos. En 1922 se estrena en París con resonante éxito y desde entonces se incluyó en los programas de concierto.

La obra consta de los siguientes movimientos:

1. Andante- Allegro 10:14.
2. Tema y variaciones 10:33.
3. Allegro ma non troppo 10:12.

Comentarios:
1) El concierto para piano no. 3 es el más completo y balanceado de los cinco que compuso Prokofiev. Combina la técnica percusiva tan típica de la época de vanguardia parisina del autor, con la suavidad lírica que anuncia su etapa soviética.

2) Nadie más autorizado que el propio autor, para dar una descripción de este bello concierto. Según Prokofiev “El primer movimiento abre en forma apacible con un tema anunciado por el clarinete. Enseguida el tiempo cambia a allegro, con las cuerdas llevando hacia el tema principal tocado por el piano. Un pasaje en acordes para piano nos lleva al segundo tema, más expresivo, que se escucha en el oboe con un acompañamiento de pizzicato. Éste es recogido por el piano y desarrollado con cierta extensión, eventualmente dando paso a un pasaje de bravura en tripletas. En el momento del clímax de esta sección, el tiempo se transforma en andante, y la orquesta lanza fortísimo el primer tema. Resumiendo el Allegro, el tema principal y el segundo se desarrollan en forma aún más brillante, y el movimiento culmina en un crescendo emocionante.

3) Y continúa la descripción de esta manera…“El segundo movimiento consiste de un tema con cinco variaciones. En la primera variación, el piano da un tratamiento del tema de una manera medio sentimental. El tiempo cambia a Allegro para las brillantes segunda y tercera variaciones. La cuarta variación es quieta y meditativa. La quinta variación es enérgica, y nos lleva sin pausa a retomar el tema por la orquesta, con suaves acordes entretejidos por el piano.
4) El final comienza con un tema en estacato para los fagotes y pizzicato en las cuerdas. Después de su entrada tormentosa, el piano tiene una discusión con la orquesta, con frecuentes diferencias de opinión sobre la clave principal. Con una reducción del tono y un relajamiento del tempo, un tema alternativo es introducido por las maderas de viento. El piano responde con un tema más acorde con el humor cáustico de la obra. Este material es desarrollado y he aquí una coda brillante”

Discografía:
1. Jon Kimura Parker- Piano. . Orquesta Filarmónica Real André Previn. Telark 1986.
2. Alexander Toradze- Piano. Kirov Orquesta. Valery Gergiev. 1997 Phillips Classic.
3. Vladimir Ashkenazy. Orquesta Sinfónica de Londres. André Previn. London. 1975.

Symphony no. 2, op. 40 (1924)

1. Allegro ben articolato



Sinfonía No. 2.

La Sinfonía No. 2 en Re menor OP. 40. fue compuesta durante la permanencia del compositor en Gran Bretaña en el verano y otoño de 1924.
De las siete sinfonías que compuso Prokofiev, esta es la más vanguardista. Todo en ella es experimental, hasta la estructuración en solo dos movimientos.
La Sinfonía No. 2, con una duración de unos 35 minutos, se articula en dos movimientos.
1 Allegro ben articolato 12:10
2 Tema: Andante molto, Doppio movimento 22:29
Comentarios:
1. Utiliza sonidos algo estrepitosos para sorprender al oyente y elementos mecánicos que se repiten con insistencia, como una máquina gigantesca, técnica esta muy de moda en los años 20.
2. La premier bajo la batuta de Koussevitsky en Junio de 1925 fue un fracaso. El público y la crítica fueron hostiles hacia la obra.

Discografía:
1. Seiji Osawa. Filarmónica de Berlín. Deustche Gramophon. 1991.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov de San Petesburgo.
3. Neeme Jarvi. Scottish National Orchestra. Chandos. 1985 .
4. Rozhdestvensky. Melodya. 2010.



Pedro y el lobo. 

Hablaremos ahora acerca de otra obra didáctica proveniente de Rusia: Pedro y el lobo Un cuento musical para niños OP. 67 de Sergei Prokofiev.
¿Conoces a Pedro y el Lobo? Es un cuento musical donde los niños aprenden a reconocer algunos instrumentos de la orquesta. Es una pieza bastante popular y que ha sido grabada en casi todos los idiomas. Contiene temas y melodías de encantadoras, que la hacen atractiva desde la primera audición.
Esta obra musical narrada fue escrita por Serge Prokofiev (1891-1953), y presentada por vez primera en Moscú, en el Teatro para niños, en 1936. Corresponde al período del compositor de mayor productividad, que se inicia con su regreso a la Unión Soviética en 1936, después de varios años de un exilio voluntario. Se establece entonces una colaboración con el estado para difundir la música clásica en amplios sectores de la población. Cada personaje del cuento viene representado por un instrumento.

La obra Pedro y el lobo de Serge Prokofiev es de unos 29 minutos de duración y se estructura en nueve partes:
Introducción 2:13.
La historia comienza 4:30.
El Gato 1:52.
El Abuelo 2:14.
El Lobo 3:07,
Y ahora, así es como sucedieron las cosas... 1:43.
Mientras tanto… 4:27.
Los cazadores 2:18
La procesión 4:26
Comentarios:
1) Pedro y el Lobo fue comisionada en el año de 1936 por Natalia Saz, una profesora de música rusa, amiga del compositor. Natalia dirigía un teatro para niños. La comisión puso a trabajar a Prokofiev de manera casi inmediata y éste ¡concluyó la obra en solo 4 días! El estreno tuvo lugar el 2 mayo de aquel mismo años en le teatro de niños.
2) Pedro y el Lobo es una obra de tipo narrativo. La música narrativa es aquella que se usa para describir hechos o personajes mediante una serie de recursos que imitan los sonidos de las personas, los animales o las fuerzas de la naturaleza. Existe otra forma de narrar, más estilizada que consiste en identificar los temas musicales o bien el sonido de algún instrumento en particular con los personajes de la historia a considerar. En el caso de Pedro y el Lobo la relación viene dada por la tabla siguiente
Flauta. El Pajarito.
Clarinete bajo. El gato.
Oboe. El pato.
Cuarteto de cuerdas – Pedro.
Fagote. El Abuelo.
Tres cornos – El Lobo.
Percusión, Timbales, bombos y platillos. Los cazadores.


3) La obra ha tenido tanto éxito que ha sido grabada cientos de veces en distintos idiomas. Entre las últimas versiones destaca la producida por Ronald Corp dirigiendo la Nueva Orquesta de Londres con Oleg y Gabriel Prokofiev como narradores, siendo ambos hijo y nieto respectivamente del famoso compositor.
Discografía:
1. Versión en Español- Lorin Mazel Orquesta Nacional de Francia. DG.
2. Prokofiev: Music for children – The new London Orchestra. Ronald Corp. Helios.
3. Prokofiev. Peter and the wolf. Narrador. Hermione Gigold Orquesta Filarmónica de Viena. Karl Böhm. DG. 1975.

Alexander Nevsky.

Escuchemos ahora Alexander Nevsky, una Cantata para mezo-soprano, coro y orquesta. OP. 78, cuya música proviene de una composición para el cine. Se trata de la película del mismo nombre del director Sergio Eisenstein realizada en el año 1938. La película es una de las obras maestras de la historia del cine. A partir de la música de la película, Prokofiev compuso una cantata.
La obra Alexander Nevsky, Cantata para mezo-soprano, coro y orquesta. OP. 78 de Serge Prokofiev es de unos 45 minutos de duración, se estructura en siete partes:
1 Rusia bajo el yugo mongol 3:07
2 La canción de Alexander Nevsky. 3:33
3 Los cruzados en Pskov 6:42
4 Levántense gente de Rusia. 2:22
5 La batalla sobre el hielo 12:02
6 El campo de los muertos. 6:03
7 La entrada de Alexander en Pskov. 4:53

Comentarios:
1) La música y la acción de película se integran perfectamente. Algunas escenas del film se realizaron basándose en la música de Prokofiev, como un ballet. Por lo tanto es recomendable ver la película, para tener una mejor apreciación de la música, dado que música y narración son casi inseparables.
2) Rusia bajo el yugo Mongol- La primera parte presenta una música realmente opresiva e inquietante que representa a los caballeros Teutones que invadieron a Rusia. Es una introducción lúgubre que expresa la desolación de una nación devastada por la guerra. La inmensidad del paisaje y la soledad tienen su eco en los sonidos agudos y disonantes de esta sección. El ritmo es muy lento y toda la música se arrastra pesadamente hacia delante.
3) La canción de Alexander Nevsky_ Se inicia con los suaves acordes de las cuerdas y luego el coro entona una melodía llena de paz y amor. El tema de Alexander Nevsky, aparece aquí por vez primera, cantado por el coro. Es un canto de esperanza para los oprimidos en medio de las amenazas de invasión.
4) Los cruzados- La orden de los Caballeros Teutones Alemanes, representados por una música solemne, monótona y rígida. No hay ritmo ni alegría alguna, en esta oscura misa ceremonial, que representa los ideales de los cruzados.
5) Levántate gente de Rusia - Una bella melodía cantada por el coro en pleno que llega a un clímax de mucho lucimiento y esplendor. El coro y la orquesta se alternan en secciones de gran dramatismo.
6) La batalla sobre el hielo - Es la parte central de la cantata. Presenta un enfrentamiento entre ambos ejércitos. Por un lado el tema de los Caballeros Teutones representado por los metales y el tema de Alexander Nevsky, más ligero y ágil es llevado por las maderas. Hay un ostinato que le da mucho movimiento a toda la partitura. Los tiempos se aceleran mientras la música gana en volumen y la orquesta revienta en medio del campo de batalla. A ratos se escucha el tema de Alezxander Nevsky tocado en las maderas. La gran masa de la orquesta con el tema teutón se apaga poco a poco, mientras resurge de nuevo el tema de Alexander Nevsky que ahora va migrando entre los grupos de instrumentos. Al final se llega a una apoteosis del sonido. Después de una calma temporal reaparece el tema teutón que se transforma y agoniza poco a poco hasta desaparecer en medio de las aguas congeladas del Lago. Al final las cuerdas dan la despedida
7) El campo de los muertos. Comienza de manera imperceptible con las cuerdas desarrollando un tema triste. La mezo soprano canta un aria llena de tristeza y dolor con mucho virtuosismo.
8) La entrada de Alexander en Pskov. Se escucha un himno triunfal en medio de campanas, trompetas, gong y platillos. Después hay una sección musical con ritmos folklóricos muy alegres que sirve de introducción a la parte final


Discografía:
1. Claudio Abbado Sinfónica de Londres Elena Obraztsova, mezo –soprano DG.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov y coros del Teatro Marinsky, San Petersburgo. Olga Borodina Mezo-Soprano. Phillips. 2003.

Teniente Kije.

Prokofiev compuso en 1933 una música incidental para la película Teniente Kije del director ruso Alexander Faintsimmer. La película se basa en una novela de Yury Tynyanov publicada en 1927, que hace una crítica de la burocracia del Emperador Pablo I de Rusia, el hijo de la Emperatriz Catalina la Grande. Debido a un error de escritura en una lista de los oficiales, el emperador cree que existe un teniente de nombre Kije en su ejército, el cual es un héroe. Los ministros del Emperador, para no contradecirlo, le siguen la corriente. Este teniente inexistente debe ser, enviado a Siberia, ascendido y casarse. Cuando el Emperador dice que quiere conocerlo en persona, entonces todos se ven en un gran aprieto y deciden” matar al teniente”.
Por supuesto que no hace falta haber visto esta película, ni mucho menos leerse la novela, para disfrutar de esta pieza. El Teniente Kije es una de las obras más conocidas de Prokofiev y que se ha ganado un lugar muy especial en el repertorio sinfónico del siglo XX. Es una pieza encantadora llena de humor e ingenio

La suite sinfónica Teniente Kije Op. 60 es una obra de unos 20 minutos de duración y consta de cinco partes.
1 Nacimiento de Kije 4:08
2 Romance. 3:49
3 Boda de Kije. 2:44
4 Troika. 3:00
5 Entierro de Kije. 6:05
. Comentarios.
1) El primer movimiento abre con una melodía de corte marcial por parte del flautín con acompañamiento del redoblante. Luego se unen los oboes, clarinetes cornos y saxofón en una marcha casi infantil de soldados de plomo, que va ganando fuerza y volumen cuando es asumida por todos los instrumentos de la orquesta.
2) El tercer movimiento esta instrumentado para los metales de la orquesta. Es casi un concierto para trompeta.
3) El cuarto movimiento, llamado Troika, con los pizzicatos de las cuerdas y la percusión, evoca una cabalgata. Una troika es un trineo de nieve movido por tres caballos. La música es alegre y chispeante. El sonido de los cascabeles, la pandereta y el xilófono contribuyen a crear la agradable sensación de ir paseando en el trineo.

Discografía:
1. Claudio Abbado. Sinfónica de Chicago, DG.
2. Seiji Ozawa. Filarmónica de Berlín DG. 1993.
3. Neeme Järvi. Orquesta Nacional de Escocia- Chandos. 1990.

Sinfonía No. 5.

La Sinfonía No. 5 en si bemol mayor OP. 100. fue estrenada en Moscú el 13 de Enero de 1945, con Prokofiev como director, un poco antes del final de la Segunda Guerra Mundial. Fue concebida como un homenaje a la resistencia del pueblo ruso en la gran contienda. La obra es de fácil audición evitando un poco las experimentaciones de la vanguardia, pues, como ya se ha dicho, Prokofiev asume en ese momento un compromiso de hacer música para el pueblo (Realismo Socialista).
Esta sinfonía de unos 45 minutos de duración, está estructurada en los siguientes movimientos:
1 Andante 11´51.
2 Allegro marcato 8´50.
3 Adagio 11´13
4 Allegro giocoso 9´49.

Comentarios:
1. Una gran sinfonía “acerca del espíritu del hombre”, como la definió su autor. “En el verano de 1944 escribí mi Quinta Sinfonía, a la que doy mucha significación, primero por su material temático, y después porque con esta obra, y tras 16 años de interrupción, volví al género sinfónico. La Quinta (Que he concebido como sinfonía a la grandeza del espíritu humano, como canto de alabanza al hombre libre y feliz) constituye de alguna forma el final de todo un período creativo” [1]
2. Una sinfonía épica que se puede comparar con la Sinfonía Heroica de Beethoven: expresión musical del sufrimiento del hombre, sus esperanzas y triunfos. Es quizás la mejor sinfonía de Prokofiev, junto con la Sinfonía Clásica.

3. El primer movimiento es una introducción lenta de intenso lirismo y profundidad con un tema musical de notable fuerza y expresión serena llevado por las cuerdas de la orquesta. El segundo tema más agitado y oscuro asciende poco a poco hasta alcanzar un crescendo de mucho ímpetu. El sonido del redoblante, las trompetas y el bombo le dan cierto aire marcial a este movimiento, que evoca el avance victorioso del Gran Ejercito Rojo, atravesando las líneas enemigas. Al final hay una coda donde se resuelve el conflicto en una batalla de altas sonoridades de los timbales, platillos y el bombo.
4. El segundo movimiento contrasta con el primero. Es un movimiento ligero semejante a un scherzo beethoveniano, alegre y de un fino humor, ejecutado por las cuerdas en pizzicato, al cual se opone la percusión del piano. Los cambios de ritmos repentinos, la contraposición de temas lentos y rápidos y los acelerando le imprimen una dinámica muy especial típica del neoclásico.
5. El tercer movimiento, un adagio lento, cargado de clamores y sufrimientos, pero con cierto aire de optimismo sirve de eje central a la sinfonía. El tono general es de profunda reflexión en medio de un ambiente tenso y dramático como el avance de las tropas por el campo enemigo o tal vez expresa la ruina y desolación dejada por la guerra. Hay que oír la sinfonía varias veces para poderlo apreciarlo en toda su magnitud. Posee temas musicales de gran fuerza y belleza que acumulan una poderosa carga interna, de mucho efecticismo.
6. El cuarto movimiento, definitivamente alegre y juguetón, se inicia tímidamente con el llamado de una flauta, al cual responden las cuerdas. La música va ganando en movimiento y calor con la incorporación de motivos rápidos y muy vivos. Aquí hay celebraciones de una victoria que da fin a una época de pesadilla. Pero al mismo tiempo, es un canto lleno de un heroísmo muy marcado, para insuflar el espíritu patriótico y revolucionario en las masas. Refleja el tono triunfal de los vencedores de un conflicto.
Orquestación: 2 flautas, flautín, 2 oboes, corno inglés, 2 clarinetes, clarinete en mi sostenido, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagote , 4 cornos, 3 trompetas, 3 trombones, percusión: tuba, timbales, bloques de madera, pandereta, triangulo, redoblante, címbalos, gong, bombo, arpa, piano y cuerdas.

Discografía:
1. Seiji Ozawa. Filarmónica de Berlín. DG. 1991.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov de San Petesburgo.
. 3. Herbert von Karajan Filarmónicade Berlín. DG. 1982.
4. Neeme Jarvi. Scottish National Orchestra. Chandos. 1985.
5. Rozhdestvensky. Melodya. 2010

Sinfonía No. 7.

La Sinfonía No. 7 en Do sostenido menor Op. 131. de Sergei Prokofiev( 1891-1953), es la última de este compositor. Fue escrita en 1952, y la misma le mereció el premio Stalin, el cual le fue otorgado ese mismo año.
Esta obra tiene una duración de 33 minutos y dividida en cuatro movimientos:

1 Moderato 9:52.
2 Allegretto- Allegro 7:58
3 Andante expresivo 5:48.
4 Vivace –Moderato marcato 9:00
Comentarios:
1. En esta última sinfonía encontramos a un Prokofiev en la plenitud de sus facultades compositivas. La sencillez de los temas con abundancia de bellas melodías, la nostalgia por el pasado y la agradable orquestación la hacen apta para los niños. En realidad Prokofiev tenía el propósito de escribir una sinfonía para la división de Radio Infantil del Estado Soviético. Es una obra que resume los mejores momentos de este genial compositor; escrita pocos meses antes de morir y puede ser considerada su Canto del Cisne.
2. La textura es bastante rica por la gran diversidad de timbres. El primer movimiento en la forma sonata, se inicia con un tema majestuoso A por parte del fagote el cual es respondido por las cuerdas. Este tema A se repite dos veces en las maderas y, después de un breve interludio, surge el tema principal B, en Do menor, que estará presente en toda la sinfonía, ejecutado por los cornos y trombones. Los arpegios de una celesta y el sonido apagado de los cornos, levantan tonalidades ajenas creando una sensación de profundidad. El flautín y el carillón presentan un tercer tema C, muy breve, de carácter mágico y misterioso, que le otorga a la música, cierto sabor de cuento de hadas. Después de una larga sección de desarrollo de los tres temas, la música desaparece sutilmente.
3. El segundo movimiento es un típico scherzo de Prokofiev lleno de humorismo chispeante. Se presenta un vals que será interrumpido varias veces por un tema fantasmal. Después de algunos intentos fallidos la música levanta el vuelo con fuerzas y llega al final con toda la fuerza, para arribar un clímax de fanfarria en los trombones y metales.
4. El tercer movimiento, lento y delicado, se estructura en dos partes. Presenta temas de mucho lirismo por parte de los oboes, las cuerdas y el arpa. El corno inglés desarrolla una atractiva y ensoñadora melodía que luego va migrando por todos los instrumentos de viento. Hay una pequeña marcha como de juguetes, que sirve de transición entre las dos partes. La segunda parte es una recapitulación de la primera con la inclusión del arpa, la celesta y los cornos.
5. El último movimiento se proyecta hacia delante con mucha fuerza en ritmo de trepak. Irrumpe con bastante fuerza con las cuerdas. Resalta el contrapunto muy marcado entre las cuerdas y los metales. Después de un tema en ritmo de marcha aparece el tema principal que recrea la magia y el encanto de un cuento de hadas.

Discografía:
1. Filarmónica de Berlín. Seiji Osawa. Deustche Gramophon. 1991.
2. Valery Gergiev. Orquesta Kirov de San Petesburgo.
3. Neeme jarvi, Scotish National Orchestra. Chandos 1986.
4. Rozhdestvensky. Melodya. 2010.