miércoles, 28 de abril de 2010

Sergei Prokofiev















Sergei Prokofiev
Compositor de música clásica para el pueblo soviético.

Prokofiev es uno de los compositores más populares del siglo XX. Su música de vanguardia de los primeros años del siglo XX, expresa muy bien la idea de un movimiento variable e impredecible, con cambios súbitos de ritmos, breves paradas y aceleraciones violentas. Era como subirse a una montaña rusa: para disfrutarla había que dejarse llevar sin miedo. Regresa a la Unión Soviética y empieza a componer dentro de un estilo más accesible al público. Prokofiev utiliza ahora melodías y recursos formales de los clásicos, como Beethoven, Haydn y Tchaikovsky, tratándolos con mucho humor e ironía y quitándoles un poco el carácter serio, sentimental y narrativo de la música romántica. No hay metas de llegada ni tampoco “grandes declaraciones” en su discurso. En realidad no hay un discurso sonoro. Tan solo el pleno disfrute de los sonidos.
Sergey Sergeyevich Prokofiev nació en Sontsovka un pueblo de Ukrania en abril de 1881. Su familia de clase alta era bien educada. Su Madre Mariya Zitkova le dio las primeras clases de piano al niño desde los cuatro años. En 1900 asiste a funciones de ópera en Moscú y San Petersburgo. Presencia las obras más recientes del repertorio de cómo: el Fausto de Gounod, El Príncipe Igor de Borodin, el ballet La Bella Durmiente de Tchaikovsky, entre otros y queda tan impresionado que compone una pequeña ópera, que llamó El Gigante, para ser interpretada por los miembros de su familia.
En 1903, siendo apenas un niño de doce años, ingresa al Conservatorio de San Petersburgo y comienza sus estudios. Tuvo como profesores a Rimski- Korsakov, Glazunov y Lyadov.
Una de las formas musicales favoritas de Prokofiev fueron los conciertos para piano. Escribió cinco de ellos y todos han formado parte del repertorio habitual desde entonces. Compone su Primer Concierto para piano, OP. 10, siendo apenas un joven de 21 años, estudiante del Conservatorio en 1912. Lo estrenó el mismo, en su primera salida al escenario como solista. Al año siguiente compone el Segundo Concierto para piano en Sol Menor Op. 16, y lo estrena el 5 de Agosto de 1913 en Pavlovsk.
Viajes por el mundo.
En 1914 en un viaje de paseo a Londres tuvo la oportunidad de asistir a las mejores salas de concierto y de presenciar los grandes ballets de comienzos de siglo como Dafne y Cloe de Ravel, El Pájaro de Fuego, Petrushka y la Consagración de la Primavera de Stravinsky. En esa ciudad conoció a su compatriota y homónimo Sergei Diaghilev el director de los Ballet Rusos y tocó el segundo concierto para piano. Se cuenta que Diaghilev, quedó encantado y le propuso componer un ballet para ser representado por su compañía. Prokofiev acepta la idea y entre 1914 y 1915, trabaja en la creación de un ballet sobre temas rusos titulado “Ala y Lolli”. Sin embargo el compositor toma parte del material y compone una obra que llevará por título Suite Escita Op. 20. Esta fue estrenada por el autor como director de orquesta en 1916, con bastante éxito y lo dio a conocer en todo el mundo.
En Octubre de 1917 es sorprendido por los acontecimientos de la revolución Rusa. A comienzos de 1918 la situación política se complica aún más y entonces decide emigrar a los Estados Unidos en busca de un lugar más tranquilo. Emprende un largo viaje por tierra desde Petrogrado hasta Vladivostok el extremo oriental de Siberia, luego pasa al Japón y desde allí toma un barco de vapor que lo llevará hasta San Francisco. Se residencia en Norteamérica durante cuatro años (1918-1922). A pesar de contar con una carrera prestigiosa, su estadía en ese país no fue tan exitosa como él lo esperaba. Sin embargo compone su ópera más conocida “El amor por las tres naranjas” op. 33 (1919), con libreto de Gozzi y comisionada por Cleofonte Campanini, director de la Ópera de Chicago. En la primavera de 1919, un poco después de la primera guerra, Prokofiev se reúne con Diaghilev, el empresario ruso, en Italia, le muestra los bosquejos del ballet “Ala y Loli”, que le había sido comisionado, pero éste los rechaza y el proyecto queda inconcluso. Mas adelante Diaghilev solicita la colaboración de Prokofiev para un nuevo ballet basado en los muy solicitados temas rusos. Producto se ello Prokofiev compone “La historia del Bufón”, o mejor conocido por la traducción francesa de “Chout”, que tuvo muy buena aceptación por parte del público a partir de la première dada en París en 1924.
En marzo de 1922 Prokofiev se residencia en Alemania, en Ettal, un lugar sumamente tranquilo y apacible, donde se dedica a componer su tercera ópera “El Ángel de Fuego”, un proyecto que le tomará muchos años de su vida. En 1923 se casa con la cantante española Lina Llubera y la pareja se iría a vivir a París. En 1925 Diaghilev, le comisiona un tercer ballet sobre temas de la recién creada Unión Soviética y entonces compone “El paso del Acero” OP. 41 (1925-26), una creación de vanguardia, en donde se exalta el futurismo y el poder de las máquinas en la construcción de una nueva sociedad. La obra se estrenó en París el 7 de junio de 1927 con bastante éxito. En ese mismo año acepta una invitación para visitar la Unión Soviética y permanece dos meses, durante los cuales dio numerosos conciertos y entró en contacto con algunos miembros de la nueva generación de compositores como Shstakovich y Jachaturian.
El retorno a la Unión Soviética.
En el verano de 1936, Prokofiev culmina su exilio voluntario y decide regresar a la Unión Soviética, en donde permanecerá todo el resto de su vida, salvo algunos breves viajes al exterior. A partir de entonces Prokofiev cambia ligeramente de estilo: sus obras serán más fáciles de escuchar y en algunas de ellas explota la fibra nacionalista como en la Cantata “Alexander Nevsky”. Entre los primeros encargos están las obras didácticas para los niños como el cuento “Pedro y el Lobo”, música para el cine y música incidental para el teatro. Destacan en su producción de la etapa soviética sus dos grandes Ballets: “Romeo y Julieta” Op. 64 (1935-36) y “La Cenicienta” Op. 87 (1940-44), que fueron muy bien recibidas por el público.

Concierto para piano No. 1 por Alexander Kobrin. He won the Cliburn in 2005.



Concierto para piano No. 1.

Este Concierto para piano No. 1 en Re sostenido mayor Op. 10, compuesto en 1911, es una de las primeras obras de Prokofiev. Es una obra corta y concisa, de unos 16 minutos, y se divide en tres movimientos.


1 Allegro brioso 7:00
2 Andante assai 4:40
3 Allegro scherzando 4:22

Comentarios:


1. Resulta encantador el estilo pianístico de Prokofiev, por su vivacidad y sello inconfundible. La forma de usar el piano como un instrumento de percusión es completamente original. Golpea el instrumento en forma cortante, seca y precisa. Cada nota se percibe como una unidad independiente, separada de las demás, de una manera nítida. Por eso se dice que su música es cubista.
2. El elemento humorístico se halla presente en esta obra. La introducción, bastante majestuosa, hace pensar al oyente que se trata de un gran concierto para piano al estilo de los románticos, como Tchaikovsky o Grieg, pero luego irrumpe un tema muy ligero en una serie de compases donde abundan los rubatos acelerando la marcha, como en una cabalgata estrepitosa, dándole un toque de humor, que le quita toda la seriedad a la grandiosa introducción.
3. El segundo movimiento es de notable virtuosismo. La sección de cuerdas ejecuta dulces melodías de gran lirismo y poesía.
4. El último movimiento emplea cambios de tiempo y superposición de melodías, que contribuyen a crear un espacio de mucho dinamismo.

Discografía:
1) Alexander Toradze- Piano. Kirov Orquesta. Valery Gergiev. 1997 Phillips Classic.
2) Vladimir Ashkenazy- Orquesta Sinfónica de Londres. André Previn. London. 1997.

Rotterdam Philharmonic Orchestra / Valery Gergiev



Suite Escita.
La Suite Escita op. 20 de Sergei Prokofiev fue compuesta entre 1914-15. Es una obra de unos 22 minutos de duración y se estructura en cuatro movimientos:
1. Invocación a Veles y Ala. 7:37.
2. El dios del mal y danza de monstruos paganos 3:29
3. Noche. 6:16.
4. Persecución del dios del mal por Lolli. Crepúsculo 5:58.
Comentarios:
1. Tanto el tema del ballet como la música denotan la influencia de La Consagración de la Primavera de Stravinsky.
2. Los escitas era los primitivos eslavos, que adoraban al Dios Sol en la persona de Ala, una bella mujer ídolo de la fertilidad. Esta suite se origina a partir de la música de un Ballet “Ala y Lolli” de corte primitivista. La trama del ballet “Ala y Lolli” se basa en una leyenda eslava: la lucha entre las fuerzas del Dios Sol y del Demonio. Ala es capturada por el Demonio y el guerrero Lolli pelea para liberarla, acudiendo en su ayuda el Dios Sol.
3. La música es decididamente moderna: contrastes fuertes, colores tonales ásperos, muchos obstinatos y disonancias acidas: todo lo necesario para crear un gran escándalo y llamar la atención del público parisino. Hay una gran orquesta que suena a todo volumen y con brusquedad, a la manera rusa, en algunos pasajes.
4. Sin embargo todavía hay en esta pieza elementos tradicionales como la misma estructura de la obra en cuatro movimientos Allegro- Scherzo-Lento -Finale Rondo, al estilo de las sinfonías clásicas. Tampoco hay cambios de ritmos imprevistos como en las obras de Stravinsky del mismo período.
Discografía:
1. Valery Gergiev. Orquesta KIrov del Teatro Marinsky. Phillips. 2003.
2. Igor Markevich. Orquesta Filarmonía. EMI. 1989.


Sergei Prokofiev's

'Classical' Symphony (1/2)
Symphony in D Major, Opus 25

I. Allegro
II. Larghetto

Conducted by: Claudio Abbado





Sinfonía Clásica.

Sergei Prokofiev fue uno de los grandes sinfonistas rusos, junto con Shostakovich y Myaskovsky. Compuso siete sinfonías a lo largo de su fructífera carrera.
Prokofiev escribió su Sinfonía No. 1 en Re mayor, OP. 25 entre 1916-1917. El nombre de Sinfonía Clásica, dado por su autor a esta pequeña obra tan hermosa, hace referencia muy clara a las formas de composición del pasado, a la manera de Haydn o Beethoven. Es la primera obra dentro de este estilo muy particular de composición que predominará durante las dos guerras y que se llamará neoclasicismo. Es un estilo que contiene elementos musicales modernos: timbres, armonías, ritmos… etc. pero siguiendo los moldes estructurales clásicos.

Es una obra muy breve de unos 16 minutos, dividida en cuatro movimientos:

1 Allegro 4:59.
2 Larghetto 4:57.
3 Gavotta: Non troppo allegro 1:47.
4 Finale: Molto vivace. 4:15.

Comentarios:

1) Es una sinfonía que exterioriza frescura y juventud, propia de un compositor de 25 años. Resulta serena a ratos, otras veces ágil y muy precisa, pero siempre alegre y optimista.
2) El título de Clásica para esta sinfonía, se debe a una declaración del propio autor: “Me imagino que, de haber Haydn vivido hasta esta época, hubiese preservado su manera de escribir y al mismo tiempo hubiese asimilado algo de lo nuevo. Esta es la clase de sinfonía que yo quise escribir: una sinfonía de estilo clásico. Y cuando esta empezó a cuajar, yo la bauticé como ‘la Sinfonía Clásica’ ”.
3) La Sinfonía Clásica está más cercana a Beethoven que a Haydn, por sus cambios imprevistos de tonalidad, de mucha audacia y genialidad. También se deja sentir en ella la influencia de Stravinsky.

Discografía:
1. Seiji Ozawa. Filarmónica de Berlín. DG. 1991.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov de San Petesburgo.
3. Herbert von Karajan Filarmónicade Berlín. DG. 1982.
4. Neeme Jarvi. Scottish National Orchestra. Chandos . 1985

Nota de Amazon:  Sergei Prokofiev's Symphonies were brilliantly performed and recorded for a legendary project of Firma Melodiya of 1965-1967 by the Moscow Radio Symphony Orchestra of the USSR conducted by Gennady Rozhdestvensky. The recording of Prokofiev's last symphony was awarded the ""Grand Prix du Disque"" of Academie Charles Cros in France.
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Prokofiev Violin Concerto No.1 in D major Vadim Repin, Valeriy Gergiev LSO (1mov)


Concierto para violín No. 1.


. La música de Prokofiev, tiene el encanto de los cuentos de hadas. Sus notas nos transportan a regiones soñadas en nuestra infancia: a una tierra donde todo es posible y no hay preocupaciones por el mañana. Por otro lado, es esencialmente moderna: emplea escalas no tradicionales, uso de ritmos cambiantes, y sonidos muy diferenciados,..etc.
Sergei Prokofiev es el autor de esta joya del neoclásico: el Concierto para violín No. 1 en Re mayor Op. 19. Una obra de juventud, compuesto en el período 1916-17 cuando el compositor vivía en Francia. Fue estrenado en París en 1923.
El Concierto para violín no. 1, de unos 23 minutos de duración, está estructurado en tres movimientos:


1 Andantino 9:50
2 Scherzo – vivacísimo 3:42
3 Moderato. 9:00


Comentarios:

1. Podemos apreciar aquí los atributos de la música de estilo neoclásico: serenidad, compostura y claridad en el discurso sonoro. La tonalidad en re mayor le confiere a la obra un carácter franco y directo.
2. El primer movimiento en forma de sonata, presenta un tema muy atrayente por parte del violín acompañado de un oboe, basado en un motivo de cuatro notas ascendentes que se repiten al obstinato. Hay una gran diversidad de temas articulados con una suavidad de terciopelo. Las líneas melódicas forman un tejido musical bastante ralo y ligero, propios del neoclásico. Hay al final una coda luminosa y brillante, de finos arabescos.
3. El segundo movimiento es un scherzo que ofrece pasajes de gran dinamismo. La música, en un tempo vivace como de danzas folklóricas, se desliza con rapidez. El violín dibuja figuras ágiles en frenéticas corcheas y semicorcheas, a través de nerviosos estacatos y glisandos. En el clímax la pandereta y los trombones le dan un toque de exotismo oriental.
4. El último movimiento presenta un tema sencillo pero muy pegajoso. Después un dialogo de mucha intensidad y lirismo entre el solista y la orquesta. Luego hay una sección de música nocturna lenta y algo velada, donde intervienen las cuerdas del arpa. Es una melodía meliflua que avanza y se enrosca sobre sí misma hasta desaparecer hundiéndose en un largo silencio.
Discografía:

1. Maxim Vengerov. Orquesta Sinfónica de Londres – Rostropovich. Teldec 1995.
2. Julia Fischer. Orquesta Nacional de Rusia. Yakov Kreizberg. Pentatone Classics. 2004.
3. Itzhak Perlman. Gennady Rhozdesvensky. Orquesta BBC. Sony.
4. David Oistrak. Lovro von Matačík. Orquesta Sinfónica de Londres. EMI. 1970.

Martha Argherich . Quizas la mejor interpretacion del tercer concierto para piano de Prokofiev.


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Concierto para piano No. 3.

El presente concierto es una de las obras más populares de la música del siglo XX. Posee bellos pasajes llenos virtuosismo, por parte del piano, animados con ese humor cáustico e incisivo tan característicos del autor.
El Concierto para piano No. 3 en Do mayor OP. 26. de Serge Prokofiev es una composición de gran formato, completada en 1921, durante una estadía en Inglaterra. Fue presentado por vez primera en Chicago con Prokofiev como solista, en una gira por los Estados Unidos. En 1922 se estrena en París con resonante éxito y desde entonces se incluyó en los programas de concierto.

La obra consta de los siguientes movimientos:

1. Andante- Allegro 10:14.
2. Tema y variaciones 10:33.
3. Allegro ma non troppo 10:12.

Comentarios:
1) El concierto para piano no. 3 es el más completo y balanceado de los cinco que compuso Prokofiev. Combina la técnica percusiva tan típica de la época de vanguardia parisina del autor, con la suavidad lírica que anuncia su etapa soviética.

2) Nadie más autorizado que el propio autor, para dar una descripción de este bello concierto. Según Prokofiev “El primer movimiento abre en forma apacible con un tema anunciado por el clarinete. Enseguida el tiempo cambia a allegro, con las cuerdas llevando hacia el tema principal tocado por el piano. Un pasaje en acordes para piano nos lleva al segundo tema, más expresivo, que se escucha en el oboe con un acompañamiento de pizzicato. Éste es recogido por el piano y desarrollado con cierta extensión, eventualmente dando paso a un pasaje de bravura en tripletas. En el momento del clímax de esta sección, el tiempo se transforma en andante, y la orquesta lanza fortísimo el primer tema. Resumiendo el Allegro, el tema principal y el segundo se desarrollan en forma aún más brillante, y el movimiento culmina en un crescendo emocionante.

3) Y continúa la descripción de esta manera…“El segundo movimiento consiste de un tema con cinco variaciones. En la primera variación, el piano da un tratamiento del tema de una manera medio sentimental. El tiempo cambia a Allegro para las brillantes segunda y tercera variaciones. La cuarta variación es quieta y meditativa. La quinta variación es enérgica, y nos lleva sin pausa a retomar el tema por la orquesta, con suaves acordes entretejidos por el piano.
4) El final comienza con un tema en estacato para los fagotes y pizzicato en las cuerdas. Después de su entrada tormentosa, el piano tiene una discusión con la orquesta, con frecuentes diferencias de opinión sobre la clave principal. Con una reducción del tono y un relajamiento del tempo, un tema alternativo es introducido por las maderas de viento. El piano responde con un tema más acorde con el humor cáustico de la obra. Este material es desarrollado y he aquí una coda brillante”

Discografía:
1. Jon Kimura Parker- Piano. . Orquesta Filarmónica Real André Previn. Telark 1986.
2. Alexander Toradze- Piano. Kirov Orquesta. Valery Gergiev. 1997 Phillips Classic.
3. Vladimir Ashkenazy. Orquesta Sinfónica de Londres. André Previn. London. 1975.

Symphony no. 2, op. 40 (1924)

1. Allegro ben articolato



Sinfonía No. 2.

La Sinfonía No. 2 en Re menor OP. 40. fue compuesta durante la permanencia del compositor en Gran Bretaña en el verano y otoño de 1924.
De las siete sinfonías que compuso Prokofiev, esta es la más vanguardista. Todo en ella es experimental, hasta la estructuración en solo dos movimientos.
La Sinfonía No. 2, con una duración de unos 35 minutos, se articula en dos movimientos.
1 Allegro ben articolato 12:10
2 Tema: Andante molto, Doppio movimento 22:29
Comentarios:
1. Utiliza sonidos algo estrepitosos para sorprender al oyente y elementos mecánicos que se repiten con insistencia, como una máquina gigantesca, técnica esta muy de moda en los años 20.
2. La premier bajo la batuta de Koussevitsky en Junio de 1925 fue un fracaso. El público y la crítica fueron hostiles hacia la obra.

Discografía:
1. Seiji Osawa. Filarmónica de Berlín. Deustche Gramophon. 1991.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov de San Petesburgo.
3. Neeme Jarvi. Scottish National Orchestra. Chandos. 1985 .
4. Rozhdestvensky. Melodya. 2010.



Pedro y el lobo. 

Hablaremos ahora acerca de otra obra didáctica proveniente de Rusia: Pedro y el lobo Un cuento musical para niños OP. 67 de Sergei Prokofiev.
¿Conoces a Pedro y el Lobo? Es un cuento musical donde los niños aprenden a reconocer algunos instrumentos de la orquesta. Es una pieza bastante popular y que ha sido grabada en casi todos los idiomas. Contiene temas y melodías de encantadoras, que la hacen atractiva desde la primera audición.
Esta obra musical narrada fue escrita por Serge Prokofiev (1891-1953), y presentada por vez primera en Moscú, en el Teatro para niños, en 1936. Corresponde al período del compositor de mayor productividad, que se inicia con su regreso a la Unión Soviética en 1936, después de varios años de un exilio voluntario. Se establece entonces una colaboración con el estado para difundir la música clásica en amplios sectores de la población. Cada personaje del cuento viene representado por un instrumento.

La obra Pedro y el lobo de Serge Prokofiev es de unos 29 minutos de duración y se estructura en nueve partes:
Introducción 2:13.
La historia comienza 4:30.
El Gato 1:52.
El Abuelo 2:14.
El Lobo 3:07,
Y ahora, así es como sucedieron las cosas... 1:43.
Mientras tanto… 4:27.
Los cazadores 2:18
La procesión 4:26
Comentarios:
1) Pedro y el Lobo fue comisionada en el año de 1936 por Natalia Saz, una profesora de música rusa, amiga del compositor. Natalia dirigía un teatro para niños. La comisión puso a trabajar a Prokofiev de manera casi inmediata y éste ¡concluyó la obra en solo 4 días! El estreno tuvo lugar el 2 mayo de aquel mismo años en le teatro de niños.
2) Pedro y el Lobo es una obra de tipo narrativo. La música narrativa es aquella que se usa para describir hechos o personajes mediante una serie de recursos que imitan los sonidos de las personas, los animales o las fuerzas de la naturaleza. Existe otra forma de narrar, más estilizada que consiste en identificar los temas musicales o bien el sonido de algún instrumento en particular con los personajes de la historia a considerar. En el caso de Pedro y el Lobo la relación viene dada por la tabla siguiente
Flauta. El Pajarito.
Clarinete bajo. El gato.
Oboe. El pato.
Cuarteto de cuerdas – Pedro.
Fagote. El Abuelo.
Tres cornos – El Lobo.
Percusión, Timbales, bombos y platillos. Los cazadores.


3) La obra ha tenido tanto éxito que ha sido grabada cientos de veces en distintos idiomas. Entre las últimas versiones destaca la producida por Ronald Corp dirigiendo la Nueva Orquesta de Londres con Oleg y Gabriel Prokofiev como narradores, siendo ambos hijo y nieto respectivamente del famoso compositor.
Discografía:
1. Versión en Español- Lorin Mazel Orquesta Nacional de Francia. DG.
2. Prokofiev: Music for children – The new London Orchestra. Ronald Corp. Helios.
3. Prokofiev. Peter and the wolf. Narrador. Hermione Gigold Orquesta Filarmónica de Viena. Karl Böhm. DG. 1975.

Alexander Nevsky.

Escuchemos ahora Alexander Nevsky, una Cantata para mezo-soprano, coro y orquesta. OP. 78, cuya música proviene de una composición para el cine. Se trata de la película del mismo nombre del director Sergio Eisenstein realizada en el año 1938. La película es una de las obras maestras de la historia del cine. A partir de la música de la película, Prokofiev compuso una cantata.
La obra Alexander Nevsky, Cantata para mezo-soprano, coro y orquesta. OP. 78 de Serge Prokofiev es de unos 45 minutos de duración, se estructura en siete partes:
1 Rusia bajo el yugo mongol 3:07
2 La canción de Alexander Nevsky. 3:33
3 Los cruzados en Pskov 6:42
4 Levántense gente de Rusia. 2:22
5 La batalla sobre el hielo 12:02
6 El campo de los muertos. 6:03
7 La entrada de Alexander en Pskov. 4:53

Comentarios:
1) La música y la acción de película se integran perfectamente. Algunas escenas del film se realizaron basándose en la música de Prokofiev, como un ballet. Por lo tanto es recomendable ver la película, para tener una mejor apreciación de la música, dado que música y narración son casi inseparables.
2) Rusia bajo el yugo Mongol- La primera parte presenta una música realmente opresiva e inquietante que representa a los caballeros Teutones que invadieron a Rusia. Es una introducción lúgubre que expresa la desolación de una nación devastada por la guerra. La inmensidad del paisaje y la soledad tienen su eco en los sonidos agudos y disonantes de esta sección. El ritmo es muy lento y toda la música se arrastra pesadamente hacia delante.
3) La canción de Alexander Nevsky_ Se inicia con los suaves acordes de las cuerdas y luego el coro entona una melodía llena de paz y amor. El tema de Alexander Nevsky, aparece aquí por vez primera, cantado por el coro. Es un canto de esperanza para los oprimidos en medio de las amenazas de invasión.
4) Los cruzados- La orden de los Caballeros Teutones Alemanes, representados por una música solemne, monótona y rígida. No hay ritmo ni alegría alguna, en esta oscura misa ceremonial, que representa los ideales de los cruzados.
5) Levántate gente de Rusia - Una bella melodía cantada por el coro en pleno que llega a un clímax de mucho lucimiento y esplendor. El coro y la orquesta se alternan en secciones de gran dramatismo.
6) La batalla sobre el hielo - Es la parte central de la cantata. Presenta un enfrentamiento entre ambos ejércitos. Por un lado el tema de los Caballeros Teutones representado por los metales y el tema de Alexander Nevsky, más ligero y ágil es llevado por las maderas. Hay un ostinato que le da mucho movimiento a toda la partitura. Los tiempos se aceleran mientras la música gana en volumen y la orquesta revienta en medio del campo de batalla. A ratos se escucha el tema de Alezxander Nevsky tocado en las maderas. La gran masa de la orquesta con el tema teutón se apaga poco a poco, mientras resurge de nuevo el tema de Alexander Nevsky que ahora va migrando entre los grupos de instrumentos. Al final se llega a una apoteosis del sonido. Después de una calma temporal reaparece el tema teutón que se transforma y agoniza poco a poco hasta desaparecer en medio de las aguas congeladas del Lago. Al final las cuerdas dan la despedida
7) El campo de los muertos. Comienza de manera imperceptible con las cuerdas desarrollando un tema triste. La mezo soprano canta un aria llena de tristeza y dolor con mucho virtuosismo.
8) La entrada de Alexander en Pskov. Se escucha un himno triunfal en medio de campanas, trompetas, gong y platillos. Después hay una sección musical con ritmos folklóricos muy alegres que sirve de introducción a la parte final


Discografía:
1. Claudio Abbado Sinfónica de Londres Elena Obraztsova, mezo –soprano DG.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov y coros del Teatro Marinsky, San Petersburgo. Olga Borodina Mezo-Soprano. Phillips. 2003.

Teniente Kije.

Prokofiev compuso en 1933 una música incidental para la película Teniente Kije del director ruso Alexander Faintsimmer. La película se basa en una novela de Yury Tynyanov publicada en 1927, que hace una crítica de la burocracia del Emperador Pablo I de Rusia, el hijo de la Emperatriz Catalina la Grande. Debido a un error de escritura en una lista de los oficiales, el emperador cree que existe un teniente de nombre Kije en su ejército, el cual es un héroe. Los ministros del Emperador, para no contradecirlo, le siguen la corriente. Este teniente inexistente debe ser, enviado a Siberia, ascendido y casarse. Cuando el Emperador dice que quiere conocerlo en persona, entonces todos se ven en un gran aprieto y deciden” matar al teniente”.
Por supuesto que no hace falta haber visto esta película, ni mucho menos leerse la novela, para disfrutar de esta pieza. El Teniente Kije es una de las obras más conocidas de Prokofiev y que se ha ganado un lugar muy especial en el repertorio sinfónico del siglo XX. Es una pieza encantadora llena de humor e ingenio

La suite sinfónica Teniente Kije Op. 60 es una obra de unos 20 minutos de duración y consta de cinco partes.
1 Nacimiento de Kije 4:08
2 Romance. 3:49
3 Boda de Kije. 2:44
4 Troika. 3:00
5 Entierro de Kije. 6:05
. Comentarios.
1) El primer movimiento abre con una melodía de corte marcial por parte del flautín con acompañamiento del redoblante. Luego se unen los oboes, clarinetes cornos y saxofón en una marcha casi infantil de soldados de plomo, que va ganando fuerza y volumen cuando es asumida por todos los instrumentos de la orquesta.
2) El tercer movimiento esta instrumentado para los metales de la orquesta. Es casi un concierto para trompeta.
3) El cuarto movimiento, llamado Troika, con los pizzicatos de las cuerdas y la percusión, evoca una cabalgata. Una troika es un trineo de nieve movido por tres caballos. La música es alegre y chispeante. El sonido de los cascabeles, la pandereta y el xilófono contribuyen a crear la agradable sensación de ir paseando en el trineo.

Discografía:
1. Claudio Abbado. Sinfónica de Chicago, DG.
2. Seiji Ozawa. Filarmónica de Berlín DG. 1993.
3. Neeme Järvi. Orquesta Nacional de Escocia- Chandos. 1990.

Sinfonía No. 5.

La Sinfonía No. 5 en si bemol mayor OP. 100. fue estrenada en Moscú el 13 de Enero de 1945, con Prokofiev como director, un poco antes del final de la Segunda Guerra Mundial. Fue concebida como un homenaje a la resistencia del pueblo ruso en la gran contienda. La obra es de fácil audición evitando un poco las experimentaciones de la vanguardia, pues, como ya se ha dicho, Prokofiev asume en ese momento un compromiso de hacer música para el pueblo (Realismo Socialista).
Esta sinfonía de unos 45 minutos de duración, está estructurada en los siguientes movimientos:
1 Andante 11´51.
2 Allegro marcato 8´50.
3 Adagio 11´13
4 Allegro giocoso 9´49.

Comentarios:
1. Una gran sinfonía “acerca del espíritu del hombre”, como la definió su autor. “En el verano de 1944 escribí mi Quinta Sinfonía, a la que doy mucha significación, primero por su material temático, y después porque con esta obra, y tras 16 años de interrupción, volví al género sinfónico. La Quinta (Que he concebido como sinfonía a la grandeza del espíritu humano, como canto de alabanza al hombre libre y feliz) constituye de alguna forma el final de todo un período creativo” [1]
2. Una sinfonía épica que se puede comparar con la Sinfonía Heroica de Beethoven: expresión musical del sufrimiento del hombre, sus esperanzas y triunfos. Es quizás la mejor sinfonía de Prokofiev, junto con la Sinfonía Clásica.

3. El primer movimiento es una introducción lenta de intenso lirismo y profundidad con un tema musical de notable fuerza y expresión serena llevado por las cuerdas de la orquesta. El segundo tema más agitado y oscuro asciende poco a poco hasta alcanzar un crescendo de mucho ímpetu. El sonido del redoblante, las trompetas y el bombo le dan cierto aire marcial a este movimiento, que evoca el avance victorioso del Gran Ejercito Rojo, atravesando las líneas enemigas. Al final hay una coda donde se resuelve el conflicto en una batalla de altas sonoridades de los timbales, platillos y el bombo.
4. El segundo movimiento contrasta con el primero. Es un movimiento ligero semejante a un scherzo beethoveniano, alegre y de un fino humor, ejecutado por las cuerdas en pizzicato, al cual se opone la percusión del piano. Los cambios de ritmos repentinos, la contraposición de temas lentos y rápidos y los acelerando le imprimen una dinámica muy especial típica del neoclásico.
5. El tercer movimiento, un adagio lento, cargado de clamores y sufrimientos, pero con cierto aire de optimismo sirve de eje central a la sinfonía. El tono general es de profunda reflexión en medio de un ambiente tenso y dramático como el avance de las tropas por el campo enemigo o tal vez expresa la ruina y desolación dejada por la guerra. Hay que oír la sinfonía varias veces para poderlo apreciarlo en toda su magnitud. Posee temas musicales de gran fuerza y belleza que acumulan una poderosa carga interna, de mucho efecticismo.
6. El cuarto movimiento, definitivamente alegre y juguetón, se inicia tímidamente con el llamado de una flauta, al cual responden las cuerdas. La música va ganando en movimiento y calor con la incorporación de motivos rápidos y muy vivos. Aquí hay celebraciones de una victoria que da fin a una época de pesadilla. Pero al mismo tiempo, es un canto lleno de un heroísmo muy marcado, para insuflar el espíritu patriótico y revolucionario en las masas. Refleja el tono triunfal de los vencedores de un conflicto.
Orquestación: 2 flautas, flautín, 2 oboes, corno inglés, 2 clarinetes, clarinete en mi sostenido, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagote , 4 cornos, 3 trompetas, 3 trombones, percusión: tuba, timbales, bloques de madera, pandereta, triangulo, redoblante, címbalos, gong, bombo, arpa, piano y cuerdas.

Discografía:
1. Seiji Ozawa. Filarmónica de Berlín. DG. 1991.
2. Valery Gergiev Orquesta Kirov de San Petesburgo.
. 3. Herbert von Karajan Filarmónicade Berlín. DG. 1982.
4. Neeme Jarvi. Scottish National Orchestra. Chandos. 1985.
5. Rozhdestvensky. Melodya. 2010

Sinfonía No. 7.

La Sinfonía No. 7 en Do sostenido menor Op. 131. de Sergei Prokofiev( 1891-1953), es la última de este compositor. Fue escrita en 1952, y la misma le mereció el premio Stalin, el cual le fue otorgado ese mismo año.
Esta obra tiene una duración de 33 minutos y dividida en cuatro movimientos:

1 Moderato 9:52.
2 Allegretto- Allegro 7:58
3 Andante expresivo 5:48.
4 Vivace –Moderato marcato 9:00
Comentarios:
1. En esta última sinfonía encontramos a un Prokofiev en la plenitud de sus facultades compositivas. La sencillez de los temas con abundancia de bellas melodías, la nostalgia por el pasado y la agradable orquestación la hacen apta para los niños. En realidad Prokofiev tenía el propósito de escribir una sinfonía para la división de Radio Infantil del Estado Soviético. Es una obra que resume los mejores momentos de este genial compositor; escrita pocos meses antes de morir y puede ser considerada su Canto del Cisne.
2. La textura es bastante rica por la gran diversidad de timbres. El primer movimiento en la forma sonata, se inicia con un tema majestuoso A por parte del fagote el cual es respondido por las cuerdas. Este tema A se repite dos veces en las maderas y, después de un breve interludio, surge el tema principal B, en Do menor, que estará presente en toda la sinfonía, ejecutado por los cornos y trombones. Los arpegios de una celesta y el sonido apagado de los cornos, levantan tonalidades ajenas creando una sensación de profundidad. El flautín y el carillón presentan un tercer tema C, muy breve, de carácter mágico y misterioso, que le otorga a la música, cierto sabor de cuento de hadas. Después de una larga sección de desarrollo de los tres temas, la música desaparece sutilmente.
3. El segundo movimiento es un típico scherzo de Prokofiev lleno de humorismo chispeante. Se presenta un vals que será interrumpido varias veces por un tema fantasmal. Después de algunos intentos fallidos la música levanta el vuelo con fuerzas y llega al final con toda la fuerza, para arribar un clímax de fanfarria en los trombones y metales.
4. El tercer movimiento, lento y delicado, se estructura en dos partes. Presenta temas de mucho lirismo por parte de los oboes, las cuerdas y el arpa. El corno inglés desarrolla una atractiva y ensoñadora melodía que luego va migrando por todos los instrumentos de viento. Hay una pequeña marcha como de juguetes, que sirve de transición entre las dos partes. La segunda parte es una recapitulación de la primera con la inclusión del arpa, la celesta y los cornos.
5. El último movimiento se proyecta hacia delante con mucha fuerza en ritmo de trepak. Irrumpe con bastante fuerza con las cuerdas. Resalta el contrapunto muy marcado entre las cuerdas y los metales. Después de un tema en ritmo de marcha aparece el tema principal que recrea la magia y el encanto de un cuento de hadas.

Discografía:
1. Filarmónica de Berlín. Seiji Osawa. Deustche Gramophon. 1991.
2. Valery Gergiev. Orquesta Kirov de San Petesburgo.
3. Neeme jarvi, Scotish National Orchestra. Chandos 1986.
4. Rozhdestvensky. Melodya. 2010.

4 comentarios:

  1. ¡Felicitaciones por la página! Sin embargo, quisiera anotar que faltó alguna anotación sobre las óperas de Prokofiev (El ángel de fuego y su correspondiente sinfonía No. 3, El amor por tres naranjas y sobre todo La guerra y la paz). Además, no se mencionó su segundo concierto para violín y orquesta ni la sexta sinfonía, con ese magnífico clímax de una sola nota que me parece único en toda la música que conozco...

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  2. Me sumo al comentario de Jazael, felicito al autor de los comentarios, pero es clara la ausencia de los demás conciertos para piano y sobre todo el divino ballet LA CENICIENTA que lo considero superior a Romeo y Julieta. De todas maneras es loable la orientación que brindas a la gente.

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  3. Muchas gracias. En la Sinfonía nº 5 quizá falta la memorable grabación de H. von Karajan con los Berliner Philharmoniker (DG)

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    1. Gracias por tu comentario bastante pertinente. Fue una grave omisión de mi parte no incluir la versión de Karajan en la discografía d ela 5ta. Además, la he tenido en mi colección, en un cd de la DG, junto con la primera sinfonía. Por cierto, la grabación de Karajan la mencione en la primera.

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