domingo, 9 de mayo de 2010

La Monte Young



La Monte Young
El maestro del zumbido.

El músico norteamericano La Monte Young, proviene de una familia de mormones de Bern, Idaho. El padre se movió de un lado a otro en busca de empleo hasta radicarse en Los Ángeles. Allí La Monte estudió música en Los Ángeles City College y posteriormente en la Universidad de California, Berkeley donde obtuvo la licenciatura en música. En 1959 visitó a Darmstadt en Alemania para atender los cursos de verano de Karlheinz Stockhausen. Sus obras de aquel periodo reflejan diversas influencias como la música de Webern, el Gamelán de java, la música clásica de la India y los Cantos Gregorianos.
En 1960 se muda de Los Angeles Nueva York para estudiar música electrónica con Richard Maxfield. Desde este momento su música alcanza un punto de inflexión proyectándose más hacia lo conceptual tocando los extremos de un radicalismo muy puro. Algunas de sus obras de los 60 contienen indicaciones bastante extrañas que contienen sonidos extraños y acciones fuera del mundo de la música, la hacen casi imposible de ejecutar. Por ejemplo:
• Dibuje una línea recta y sígala.
• Esta pieza es un pequeño remolino en el centro del Océano.
• Empuje un piano hasta la pared.
• Suelte un grupo de mariposas encerradas en una caja.


Recorded by La Monte Young and the Theater Of Eternal Music in 1964

The Second Dream…

La obra que aquí presentamos, posee uno de los títulos más largos y extravagantes jamás escuchados: “The Second Dream of the High Tension Line Stepdown Transformer from the Four Dreams of China”. Es una obra de La Monte Young, músico experimental norteamericano, compuesta en 1962. Puede resultar atractiva para algunos, misteriosa para otros e incompresible para muchos oídos no acostumbrados a la música oriental. Es un concepto nuevo de lo que es la música o lo que debe ser. Esta ejecutada por ocho trompetistas con sordina que tocan solo cuatro notas durante los 72 minutos de la grabación, manteniendo el zumbido lo más que se pueda, descansar en silencio y luego continuar. Estas son Do, fa natural, fa sostenido y Sol. Los 8 músicos deben tocar las cuatro notas improvisando las secuencias formadas con las cuatro notas. Esto por supuesto limita bastante el número de combinaciones posibles que se pueden obtener al azar.

Comentarios:
1. El Segundo sueño es parte de un ritual o “perfomance” que se prolonga durante todo un día donde los músicos deben tocar las 24 horas. Por supuesto que al mezclarse las combinaciones de sonidos, la música nos resulta como un zumbido uniforme y quizás monótono. Pero a la larga nos envuelve en una sensación hipnótica de ausencia del tiempo, quietud y tranquilidad absoluta creando un aislamiento profundo del mundo exterior. A estas indicaciones dadas por el autor hay que agregar además que los ejecutantes deben permanecer todo el día en la “Casa de los sueños”, una vivienda decorada por María Zazeela, la compañera de Young, rodeados de luces de colores.
2. El Segundo Sueño emplea entonaciones naturales que corresponden a la escala musical pitagórica, donde los radios de las frecuencias de las notas son números enteros. Esto es parte de la teoría de La Armonía de Las Esferas. La gente de la edad media pensaba que esta era la música producida por el girar de las esferas donde se hallaban los planetas. Por otro lado, las armonías de los zumbidos tienen un origen reciente y se basan en las vibraciones de los cables de líneas de alta tensión y el ruido producido por los transformadores. La Monte Young nos cuenta que desde muy pequeño se aficionó a captar los “zumbidos del viento entre las ranuras de los troncos de madera de su cabaña allá en su niñez de Idaho y sus experiencias místicas cuando se subía a los grandes tanques de las estaciones de combustible en los días de verano, mirando hacia el cielo con la mente en blanco, aspirando los vapores de gasolina y soñando con el paisaje”
Discografía:

La Monte Young. 1974.

Iannis Xenakis



Iannis Xenakis
Músico revolucionario y matemático, creador de obras experimentales que se proyectan con fuerza en el siglo XXI.

Ianis Xenakis fue un niño fuera de serie, que entre los diez y doce años practicaba el piano, leía sobre astronomía, y estudiaba matemáticas y arqueología. A la edad de 16 años dejó de asistir a la escuela a favor de cultivar sus propios intereses personales. En 1938 ingresa en el politécnico de Atenas donde estudia ingeniería, siguiendo cursos de matemáticas, física, leyes y literatura antigua. La carrera es interrumpida por la llegada a Grecia de los conflictos bélicos en 1940. Xenakis lucha en la clandestinidad en las filas del partido comunista, contra los invasores alemanes, participando en manifestaciones y protestas de calle que le llevan a prisión varias veces. En 1947 llega a París de manera ilegal y tuvo la suerte de trabajar con el gran arquitecto Le Corbusier. Trabajando con este arquitecto en un proyecto tuvo la idea de las técnicas del diseño en la composición de la música. El mismo Le Corbusier le presenta a Oliver Messiaen a fin de mejorar sus conocimientos de composición. Los consejos de Messiaen fueron muy valiosos para el joven Xenakis.




Matástasis

Metástasis para orquesta del compositor griego Iannis Xenakis fue compuesta en 1954. Es una obra moderna y revolucionaria de unos 10 minutos de duración.
Comentarios:
1. La obra esta diseñada de acuerdo a un plan de tipo geométrico. Cada instrumento toca de manera continua conformando una línea espacial. El conjunto de estas líneas limitan una superficie. Cada uno de los 61 instrumentos toca en una tonalidad independiente, muy cercanas entre ellas. El efecto final es de una masa de sonidos que no posee tono y que sin embargo se mueve en una cierta dirección. La música textural utiliza acordes sumamente complejos y largos glissandos que se obtienen al pulsar varias notas al mismo tiempo produciendo ruidos extraños como cataratas de agua, múltiples sirenas, chirridos y discos rayados.

2. Entremos ahora un poco en detalle sobre el proceso de creación de Xenakis. La música de Xenakis se rige por leyes estocásticas. Una ley estocástica es una tendencia que posee un grupo de elementos o partículas que al actuar de manera individual producen un efecto global que es algo distinto de la sumatoria y cuyos estados finales son de carácter probabilístico. La palabra estocástica significa “que se mueve en alguna dirección o acerca a algo”. En el caso de la música, los elementos o partículas son las notas producidas por un instrumento de manera individual y el todo es el efecto que escuchamos por parte de la orquesta. Pero veamos que nos dice el propio autor para aclarar estos términos en su libro Música Formalizada, dándonos un ejemplo muy claro y patético desde el campo de la política de calle.
“Todo el mundo ha observado el fenómeno sonoro de una manifestación política de docenas o centenas o miles de personas. El río humano grita una consigna en un ritmo uniforme. Entonces otra consigna surge del frente de la manifestación; esta se riega hasta la cola, remplazando la primera. Una ola de transición pasa así desde la cabeza a la cola. El clamor llena la ciudad y la fuerza reprimida de voces y gritos llega a un clímax. Este es un evento de mucha fuerza y belleza por su ferocidad. Entonces ocurre el impacto entre los manifestantes y sus enemigos. El ritmo perfecto de la última consigna estalla en una enorme masa de gritos caóticos, que también se difunde hacia la cola. Imaginemos, adicionalmente, el tableteo de docenas de ametralladoras y los silbidos de las balas que agregan su toque puntual en este desorden total. La multitud es rápidamente dispersada y después de un infierno visual y sonoro sigue una calma llena de desesperación, polvo y muerte.” [1]


Discografía:
1. Claudio Abbado. Gustav Mahler jugendorchester. DG. 1989.



Persephasa.
Xenakis escribió obras para percusión durante algunos períodos aislados. En 1969 escribe Persephasa para el grupo francés “Les percussions de Strasbourg”. La obra se estrenó en un festival musical en Persépolis, Irán. La partitura requiere de seis músicos y un director. Esta composición requiere de una instrumentación bastante completa: tambores, timbales, tam-tam, glokenspiel, marimba, maracas, triángulo, congas, gong, platillos, sirena y otros instrumentos especiales.
Persephasa es una obra de 28 minutos de duración de un solo movimiento.
Comentarios:
Es sorprendente toda la variedad de ritmos y colores que logra Xenkis con la combinación de estos instrumentos.
Discografía:
Red Fish Blue Fish/ Steven Schick. 2007.

Anton Webern



Anton Webern
Compositor austriaco maestro impecable de la técnica dodecafónica.

Antón Webern (1883- 1945) fue un músico y compositor austriaco alumno de Schoenberg y perteneciente a la Segunda Escuela de Viena. Sus primeras obras están bajo la influencia del Post romanticismo de Wagner y Mahler, aunque en ellas se evidencia ciertas características propias de sus obras de madurez. Si bien son obras llenas de expresión y apasionadas, lucen distantes y formales comparadas con la de sus compañeros Schoenberg y Berg. Webern nació en Viena pero pasó gran parte de su vida en las ciudades de Graz y Klagenfurt. Estudió en la Universidad de Viena bajo la tutoría de Guido Adler. Escribió un buen número de obras de juventud en su época de estudiante. Posteriormente Guido lo recomienda a Schoenberg y comienza su aprendizaje con el maestro en 1904.

From a concert at the Ateneul Roman (Bucharest), given on November 6th 2008 by the George Enescu Philharmonic Orchestra conducted by Ronald Zollman


Passacaglia para orquesta.

La Passacaglia para orquesta Op. 1, fue escrita en 1908, cuando Schoenberg estaba trabajando en sus primeras composiciones atonales. Es una obra juvenil de corte romántico con mucha expresión, que posee la volatilidad emocional de un Mahler.
La Passacaglia para orquesta Op. 1 es una obra de unos 12 minutos de duración en un solo movimiento.
Comentarios:
1. La passacaglia es una forma musical consistente en las variaciones de un tema construidas sobre un basso ostinato, es decir un tema que se repite de manera constante en la obra, llevado por los bajos. Es famosa la Passacaglia del movimiento final de la cuarta sinfonía de Brahms. El lenguaje expresionista de Webern se expresa en complejas armonías cromáticas típicas de Wagner, pero liberando la tonalidad de las funciones tradicionales.


Discografía:
Pierre Boulez. Filarmónica de Berlín. DG. 1994.


Anton Webern (1883-1945)
Symphony Op.21
I. Ruhig, schreitend.
Twentieth Century Classics Ensemble
Robert Craft

5 movimientos.
El músico vienés Antón Webern fue el maestro de la síntesis y brevedad. Su música se desarrolla a partir de unas pocas notas que luego se transforman mediante sutiles variaciones. Sus composiciones son bastante breves, con apenas uno o dos minutos de duración por cada movimiento.
Los 5 movimientos para orquesta fueron compuestos en 1909 y revisados en 1929. Aquí observamos la técnica depurada de Webern desarrollando variaciones atonales, a partir de una secuencia abstracta de notas que se identifica por el ritmo.
Los 5 movimientos para orquesta es una obra de unos 11 minutos de duración y consta de cinco partes:
1. Heftig bewegt. 2:55.
2. Sehr langsam. 2:15
3. Sehr lebhaft. 0:45
4. Sehr langsam. 1:30
5. In zarter Bewebung. 3:30

Comentarios:
1. La música se desarrolla a partir de notas independientes articuladas solo por el ritmo, la altura y la dinámica, creando un espacio sonoro a base de puntos aislados en lo que ha sido llamado el “Puntillismo de Webern”. Esta asociación con la pintura hace referencia a un grupo de artistas impresionistas, que desarrollaron una nueva técnica de plasmar las imágenes en el lienzo a base de pequeños puntos de color, inconexos entre sí y que al ser visto desde lejos produce un efecto general bastante realista y objetivo. Los pequeños puntos de color al fundirse en la retina crean colores nuevos, que no aparecen en el cuadro. Los maestros del puntillismo francés fueron Geoges Suerat y Paul Signac.
2. La escritura puntillista se hace evidente de manera bastante clara en el primer movimiento. Los pizzicatos por parte de las cuerdas y las notas separadas crean una línea melódica zigzagueante de ángulos cortantes.
3. El segundo movimiento a pesar de los pocos contrastes armónicos, es de intenso dramatismo por todas las inestabilidades y asimetrías que incorpora a la partitura.
4. El tercer movimiento, movido y agitado por una energía casi descontrolada que cabalga sobre toda la escala de las doce notas.
5. El cuarto movimiento es la continuación del segundo en cuanto técnicas de composición se refiere.
6. El último movimiento se inicia con las notas graves de los violonchelos en un motivo melódico ondulante sin tonalidad definida y por sobre ellos algunos glisandos de los violines, se alejan de la melodía, creando una textura bastante rala y discreta de un lirismo bastante puro.
Discografía:
Pierre Boulez. Filarmónica de Berlín. DG. 1994.

William Walton



William Walton
Músico inglés compositor de formidabes sinfonías.

El compositor inglés William Walton (1902- 1983) nace dentro de una familia muy humilde pero con afinidades hacia la Música. Su padre Charles era barítono profesional en un coro y su madre Louisa era contralto. Las primeras lecciones de canto las recibe el niño en el coro de la iglesia. En 1912, a los diez años de edad gana una beca que le permite formar parte del coro de la catedral, en el cual permanecerá durante cinco años. Posteriormente estudia música con Hugo Allen quien era en ese entonces el organista de la Iglesia de Cristo en Londres. Ingresa a la Universidad e Oxford cuando tenía 16 años. Allí, en su rica biblioteca entra en contacto con las partituras de las grandes obras modernas de Prokofiev, Ravel, Debussy y Stravinsky. El joven aprendió solo, por su propia cuenta a orquestar. Pasó muchos años de su vida dependiendo de ricos patronos, como la familia Stillwell, quienes apreciaban mucho sus dotes musicales incentivándolo a componer y al mismo tiempo brindándole una educación cultural de primera, por medio de viajes y selectas amistades.
Entre sus composiciones más importantes está un Concierto para viola (1928-29) y su primera sinfonía (1931-35). Durante los años de las segunda guerra mundial (1939-45), Walton incursionó en el género de la música para el cine, componiendo las bandas sonoras de películas de corte patriótico.

Escuchemos ahora de Sir William Walton la pieza  "Spitfire Prelude" (1943) . Spitfire Prelude se puede escuchar en la película  "First of the Few" de 1942, que relata la historia de los aviones de caza  Spitfire



Sinfonía No. 2.
La sinfonía No. 2 es una de las partituras más logradas de Walton. Fue compuesta en (1957- 60). La obra de unos 27 minutos de duración se estructura en tres movimientos:
1. I. Allegro molto 8:36.
2. II. Lento assai 10:19.
3. III. Passacaglia: 8:58.
Theme variations, fugato & coda: scherzando.
Comentarios:
1. La segunda sinfonía, clásica en su concepción, es una obra de estilo moderno con una textura bastante compleja en donde se pone de manifiesto un gran dominio del contrapunto y la sorprendente variedad y cuidadosa selección de la paleta orquestal. El primer movimiento ofrece una introducción de masivos bloques sonoros que resulta ágil y dinámica, por sus ritmos irregulares, la gran cantidad de ataques por parte de los distintos instrumentos.
2. El segundo movimiento se inspira posiblemente, en un idilio romántico, por la belleza y glamour de sus melodías llevadas por las maderas. La música de los bajos por parte de los metales: cornos, saxos y trombones crea una atmósfera cálida y dorada, reflejando un estado de ánimo relajado, muy propio de las películas amorosas de los años 40 y 50.
3. El movimiento final contrasta con el primero. Al comienzo hay una passacaglia que se desarrolla bastante lenta. La introducción por parte de los metales de una fanfarria es recortada por un episodio de música algo espectral. La fuga, llevada por las cuerdas es bastante movida.
Discografía:
1. Vladimir Ashkenazy. Orquesta Filarmónica Real. Decca. 1993.

sábado, 8 de mayo de 2010

Heitor Villa-Lobos



Heitor Villa-Lobos
El músico latinoamericano más creativo de la época de los nacionalismos.
El compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue el primer latinoamericano en obtener reconocimiento internacional. Fue muy prolífico, imaginativo e innovador, su producción supera las mil obras en casi todos los géneros. Escribió 17 cuartetos de cuerdas, 13 sinfonías, 14 Chôros, 9 Bachianas, óperas, música para guitarra, 5 conciertos para piano, canciones, sonatas para el piano,…etc. Su estilo de fuerte acento nacionalista recoge el espíritu monumental y mítico de ese gigante del sur que es el Brasil.
Nació en Río de Janeiro. Su padre fue un músico aficionado y funcionario de la Biblioteca Nacional. Villa- Lobos fue un hombre completamente autodidacta que se formó a si mismo como músico, lo cual explica su estilo propio e individual con un fuerte componente folklórico de la música del Brasil. Su educación musical se da de manera práctica, tocando la guitarra con pequeños grupos en las calles y cafés de Río de Janeiro. Estudió el violonchelo de manera formal y tocó este instrumento en las orquestas de teatro. Sus dos instrumentos favoritos fueron el violonchelo y la guitarra y para ellos compuso buena cantidad de obras.
Villa- Lobos al igual que Bartok sintió un profundo interés- como una especie de necesidad existencial- por el rescate del folklore de su país. Por tal motivo emprendió un viaje al interior del Brasil, en donde captó de primera mano, la música amerindia en las profundas selvas del Amazonas. Esto le permitió conformar un lenguaje musical indigenista, algo exótico para los oídos académicos locales, pero muy en boga en la Europa de los años 20. En 1915 dio a conocer al público varias de sus composiciones juveniles: el Trío de piano No. 1, la Sonata No. 2 para violín y piano y algunas canciones. Fue fundamental en su carrera el contacto con Darius Milhaud en los años de la primera guerra mundial, quien lo puso al tanto de las últimas tendencias artísticas de Europa. Conoce así a Debussy, les six y algo de Stravinsky. En 1923 compone su obra “Noneto” que contiene ya el germen de los que será su obra de madurez.
En 1923 Realiza un viaje a Europa. Su estadía resultó bastante positiva, pues su música- bastante moderna y disonante para los gustos locales- fue bien aceptada por los círculos de vanguardia, que lo aceptaron como uno más de los suyos. Sus obras de carácter algo informal, con improvisaciones y los elementos nacionales de Brasil, fue vista con agrado por los críticos de la época.

Festival Villa Lobos 2007 Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolivar Maestro Isaac Karabtchevsky

Chôros no. 10.
Entre 1920 y 1929 Villa – Lobos compuso una serie de obras llamadas Chôros, 14 en total, que están a entre lo mejor de su producción. El nombre de Chôros proviene de un tipo de música instrumental muy común en Brasil, de carácter urbano, semejante a una serenata y en la cual se improvisa. Cada Chôro es una pieza de un solo movimiento pero que contiene varias secciones bien diferenciadas. Están instrumentados de diversas maneras; el primero de ellos es para guitarra sin acompañamiento, los Chôros 2, 4 y 7 son para pequeños conjuntos de cámara, mientras que, los Chôros 6, 8 y 9 son para orquesta y el número 10 es para orquesta y coro.
El Chôro no. 10 para orquesta y coro, compuesto en 1926 y subtitulado “Rasga o Coração” (Desgarra mi corazón) es una de las obras más ejecutadas de Villa-Lobos. Está instrumentado para una orquesta con una nutrida sección de percusión que incluye instrumentos típicos del Brasil, además de un Coro mixto. Es una obra de unos 14 minutos de duración.

Comentarios:
El Choro No. 10 es una pieza espectacular donde se mezclan diversas influencias de Villa- Lobos. Posee la profundidad de un himno religioso con la sensualidad de los ritmos folklóricos del Brasil. El coro de la parte final entona un tema en ostinato, mientras la orquesta ejecuta una suave melodía en complejos acordes que se apartan de la tonalidad de manera genial.

Discografía:
Enrique García Asensio. Orquesta sinfónica y coro de la Radio y televisión española.



Bachiana Brasileira No. 2.
Entre 1930 y 1945 Villa-Lobos compuso las Bachianas Brasileras, un conjunto de 9 suites como un homenaje a Juan Sebastián Bach. Es una obra del neoclásico. Representa un punto culminante en la producción de este gran compositor, donde se alcanza una rara mezcla entre la música popular del folclore de Brasil, el academismo serio de la música clásica del barroco y los recursos modernos de la música del siglo XX. Estas Bachianas fueron sufriendo diversas transformaciones en el tiempo por parte del autor.

La Bachiana brasileira No. 2.de Heitor Villa-Lobos, fue compuesta en 1930. Cada uno de sus cuatro movimientos lleva una doble denominación. El primer nombre proviene de la tradición clásica europea, mientras que, el segundo, en portugués, expresa aspectos culturales de la vida del Brasil.
1 Preludio (O canto do Capadocio). 7:04.
2 Aria (O canto de Nossa Terra) 5:34.
3 Danza (Lembrança do Serrato) 4:57
4 Tocata (O trenzinho do Caipira) 4:04.

Comentarios:
1. El primer movimiento se inicia con una melodía lenta y grave por parte del saxo, que crea una atmósfera de carácter íntimo y sensual. Los acordes bajos de las cuerdas le dan un toque de misterio. A mitad del movimiento surge un segundo tema más alegre, en ritmo de samba que contrasta con el primer tema. Al final volvemos al tema inicial.
2. El segundo movimiento sigue la misma estructura del primero ABA. Esta vez se inicia con un tema lento llevado por los violoncelos a la manera de Bach. Luego surge un tema de tipo folklórico de mucho color orquestal que se ve reforzado por un ostinato por parte del piano.
3. El tercer movimiento es el eje central de la obra. Hay una introducción de mucho virtuosismo por parte de la trompeta. Sección central de un tejido sonoro bastante rico y moderno basado en una politonalidad de duros contrastes. Destacan los recursos contrapuntísticos de gran complejidad. Vuelta al tema inicial que se diluye en un fondo de flautas y violines. Concluye este movimiento con un acorde disonante, que sirve de conexión con la última parte.
4. El último movimiento es algo sumamente especial por sus atrevimientos e innovaciones. Nos hace vivir la experiencia de pasear en un pequeño tren en medio de la selva. La vieja locomotora produce chirridos metálicos a medida que se pone en movimiento. Comienza con una melodía popular suave y cadenciosa. Destacan los efectos de la percusión, cambios imprevistos de ritmo y el ostinato. La variedad de timbres es increíble: maracas, címbalos, tambores, timbales, xilófonos y otros instrumentos étnicos. En la parte de los bajos se mantiene un ritmo de tocata.
La obra está orquestada de la manera siguiente: flauta, oboe, clarinete, saxo tenor, fagote, contrafagote, 2 trompetas, 2 cornos, timbal, crótalos, reco-reco, triángulo, címbalos, ganza, pandereta, bombo, maraca, cascabeles, matraca, celesta, piano y las cuerdas.
El reco-reco es una especie de güiro que se frota con dos o tres varillas.
La Ganzá es un instrumento en forma de recipiente cilíndrico, como una lata llena de metras, que al agitarse produce un sonido ruidoso muy especial

Discografía:
1. Heitor Villa- Lobos. Orquesta Nacional de la radiodifusión Francesa EMI France 1987.
2. Isaac Karabtchewsky. Orquesta Sinfónica de Brasil. Gennaio 2004.

Vaughan Williams



Vaughan Williams
Sinfonista inglés creador de música tradicional, llena de nostálgia por el paisaje local.

Ralph Vaughan Williams (1872-1958) fue el primer compositor inglés que se dedicó a investigar la música autóctona de su país. Estudió música con Parry y Stanford en el Royal College of Music de Londres. Luego hizo un viaje de estudios al continente Europeo entre 1908 y 1910. Trabajó con Max Bruch en Berlín y Ravel en París. Aparte de recopilar mucha música folklórica como lo hicieron Bartok y Janacek en el continente, Vaughan Williams se interesa en la música tradicional de la época Isabelina. Desde 1903 hasta 1910 recopiló más de 800 canciones e hizo algunos arreglos de ellas. Otro aspecto importante de su carrera fue el de director de orquesta y organizador de eventos musicales, como por ejemplo el Leith Hill Musical Festival en donde dirigió varias veces la pasión según San Mateo de Juan Sebastian Bach.
Durante la primera guerra mundial sirvió en una ambulancia del Royal Army Medical Corps en Francia y posteriormente como oficial de artillería. Al terminar la contienda regresa a Londres y se incorpora como profesor al Royal College of Music.



Sinfonía No. 2.

La sinfonía No. 2 de Vaughan Williams, conocida como Sinfonía Londinense fue compuesta en 1913 y estrenada el 27 de marzo de 1914, un mes antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. La obra, de unos 45 minutos de duración, está dividida en cuatro movimientos:

1 Lento: Allegro risoluto 13:28
2 Lento 10:17
3 Scherzo (Nocturno): Allegro vivace 6:38
4 Andante con moto: Maestro alla Marcia; Allegro;
Lento; Epílogo. 13:37

Comentarios:
1. Es una obra de tipo expositivo que describe la ciudad de Londres. Posee una estructura cíclica, con un inicio lento y misterioso, al cual retornamos en el final.
2. Al igual que muchos compositores que han dado un título especial a sus obras maestras, Vaughan Williams siempre mantuvo una ambivalencia acerca de considerar esta obra como una descripción de la ciudad de Londres o bien como música abstracta. Referido a esto nos comenta en 1920: “Un mejor título hubiese sido quizás: Sinfonía por un londinense; esto es, la vida de Londres le ha sugerido al compositor (Incluyendo sus vistas y sonidos) ideas que luego se expresan en música. Pero no sería de ayuda para el oyente describir estas impresiones en palabras. La música pretende ser auto expresiva y debe permanecer como música abstracta”
3. El primer movimiento se inicia con una melodía nocturna por parte de las cuerdas. Luego el arpa y las maderas sugieren la llegada de nuevos episodios. Surge un segundo tema más alegre, festivo y decidido, entre la sección de cuerdas y maderas. Al llegar a la parte central del movimiento se escucha una marcha alegre y triunfal llevada en tutti por la orquesta. Los trombones y timbales ponen su nota de alegría y color.
4. El segundo movimiento presenta gran variedad de temas suaves y melodiosos que se alternan unos con otros de forma casi imperceptible. Se escucha el tema de la marcha el movimiento anterior de forma inconclusa. Luego se llega a un clímax de cierta intensidad donde irrumpen con fuerza los trombones, timbales, triángulo y platillos. Después de un silencio volvemos a la calma y la música se disuelve entre los suaves arpegios de las cuerdas igual como se inició la obra. Al final hay una coda de gran belleza y esplendor donde un nuevo tema es llevado por toda la orquesta. Luego un solo de oboe dibuja una melodía pastoril, que es respondida por los cornos y una viola en la lejanía.
5. El scherzo es bastante animado con ritmos agitados que le dan mucho movimiento. De alguna manera describe el ambiente nocturno de Londres con sus luces cafés, teatros y avenidas iluminadas. La sección de maderas ejecuta melodías de mucho virtuosismo. Súbitamente irrumpe una marcha escocesa y luego toda la orquesta se anima en una intervención fugaz.
6. El movimiento final se inicia de forma dramática. Los metales y la percusión elevan notas estridentes que van subiendo y acumulándose en crescendo hasta llegar a un clímax. Al final se arriba a un punto de calma absoluta apenas interrumpida por el susurro del arpa. Luego los cornos dejan oír sus notas quejumbrosas ejecutando el tema con el cual se dio inicio a la sinfonía y al final una viola despide a los oyentes. De esta manera se cierra el ciclo.

Discografía:
1. Leonard Slatkin – Orquesta Filarmonía. RCA 1993.


Live performance of Ralph Vaughn Williams' Fantasia on a Theme of Thomas Tallis.

Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis.
En 1910 Vaughan – Williams compone su “Fantasía sobre un tema de Thomas Wallis para cuerdas” en el cual se pone de manifiesto su inspiración en la música del pasado de Inglaterra. Esta pieza de un solo movimiento, inspirada en un autor del siglo XVI. Si bien es de tendencias arcaicas en cuanto a forma, resulta la vez moderna por su composición.
Es una obra de unos quince minutos, conformada por un solo movimiento bastante introspectivo. Las cuerdas ejecutan serenatas de controlada serenidad y belleza.
Comentarios:
1. El tema principal es tratado de diversas maneras creando una atmósfera de tensión que luego se resuelve en alargados pedales.

Discografía:
1. Leonard Slatkin. Orquesta Filarmonía. RCA 1993.
2. William Boughton. Orquesta de cámara inglesa. Nimbus. 1994.

Fantasía Greensleeves.
Se trata de una pequeña pieza, de unos cinco minutos de duración, inspirada dentro del estilo de las viejas canciones inglesas, que ha alcanzado una gran popularidad.
Fantasía Greensleeves
Comentarios:
1. Posee esa cualidad mágica que combina lo antiguo con lo moderno. La melodía está inspirada en la más famosa de todas las canciones populares inglesas.
2. El compositor usó esta música por vez primera en la obra “Las alegres comadres de Windsor” de William Shakespeare en 1912.

Discografía:
1. Leonard Slatkin. Orquesta Filarmonía. RCA 1993.
2. William Boughton. Orquesta de cámara inglesa. Nimbus. 1994.


El remontar de la Alondra.

Este bello romance para violín y pequeña orquesta de cuerdas fue compuesto en 1914.
La obra es de una ejecución variable en el tiempo y puede durar entres los doce y dieciséis minutos de duración.

Comentarios:
1. La obra se inspira en un poema de George Meredith del mismo nombre (The Lark ascending). Fue dedicado a la célebre violinista inglesa Marie Hall, quien dio la primera audición de la obra en el Queen´s Hall en 1921 bajo la batuta de Sir Adrian Boult.
2. Esta bella pieza presenta melodías de ensueño que describen la emoción del autor ante la contemplación absorta y serena del paisaje en un día de sol. El uso de escalas pentatónicas le da un inequívoco sabor a música oriental, que conllevan a un estado anímico de mucho misticismo y elevación espiritual.
Discografía:
1. Leonard Slatkin – Orquesta Filarmonía. RCA 1993.
2. William Boughton. Orquesta de cámara inglesa. Nimbus. 1994.
3. Michael Davis Violín. Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Bryden Thomson. Chandos. 1994.

Edgar Varèse



Edgar Varèse
Vanguardista norteamericano de alto vuelo.

El compositor Francés Edgar Varèse (1883-1965) es uno de los mejores representantes del vanguardismo norteamericano. En 1915 Varèse emigra desde su nativa Francia, hacia los Estados Unidos y desde entonces adopta esta nación como su patria, se casa con una norteamericana, adquiere la nacionalidad y todas sus obras importantes las escribe en este país. Atrás dejó al Viejo Mundo en donde quedaron todas sus obras anteriores que fueron destruidas en un incendio. Curiosamente, Varèse tuvo una formación como matemático e ingeniero, lo cual tuvo mucha influencia en su estilo pues se dedicó durante toda su vida, a la búsqueda de nuevos instrumentos musicales, afrontando la composición casi de manera científica. Esta decisión de irse a América, representó en su vida el inicio de una nueva etapa en donde se volcó de lleno al modernismo, buscando una nueva música independiente del mundo de donde partió.

EDGARD VARESE : Ameriques - A.Papanno '08 (1/3)

Amériques.

Después de varios años de trabajo, Varèse concluyó esta pieza de clara tendencia vanguardista y revolucionaria, en 1921. Es una de las obras emblemáticas del siglo XX, que puede ser catalogada de ultramodernista por lo avanzado de sus planteamientos instrumentales y compositivos. La pieza dura unos 25 minutos y se estructura en solo movimiento.

Comentarios:
1. Ameriques o Américas, es la primera composición de Varèse al llegar al Nuevo Mundo. La obra está escrita para una orquesta con instrumentos tradicionales pero de grandes dimensiones, con una sección de percusión muy importante que incluye instrumentos nunca antes conocidos. Consiste de veintidós instrumentos de viento, veintinueve metales, sesenta y seis cuerdas y diez percusionistas.
2. En esta pieza se pretende crear una atmósfera cargada de los sonidos de una gran ciudad como Nueva York. Escuchamos las máquinas en las fábricas, los barcos remolcadores a lo largo del río Hudson pasar debajo del puente de Brooklyn, las sirenas de los trasatlánticos el ruido de una calle congestionada de vehículos,…etc. Es música agobiante, y nerviosa que transmite esa sensación de estrés tan cotidiana en nuestros días, pero quizás algo nueva para su época.
3. En cuanto al discurso sonoro aquí no hay movimiento alguno; la obra no avanza hacia ninguna meta; es completamente estática en el tiempo. Se puede decir que Américas es una secuencia de pequeños episodios que brotan en el aire, sin conexión alguna, incapaz de expresar algo en concreto.

Discografía:
1. Ricardo Chailly Royal Concergebouw Orquestra. Decca. 1998.

Pierre Boulez conducts the Ensemble InterContemporain playing Ionisation by Edgard Varèse.

Ionisation.

En 1924 Varèse compone Ionisation para instrumentos de percusión. Es una pieza orquestada para trece ejecutantes que tocan diversos instrumentos de percusión y un piano que es tocado también de manera percusiva. Los instrumentos son platillos chinos, tam-tam de varios tipos, bombo, timbales, redoblante, triángulo, maraca, bloques de madera chinos, sirena aguda, sirena grave, sonajas, platillos suspendidos, yunque, palillos, tamborcillo, clave y maderas golpeadas. La obra Ionisation es de unos 6 minutos de duración.
Comentarios:
1. La obra se organiza en base al ritmo llevado en los registros bajos, pues muchos de los instrumentos son de afinación indeterminada. A parecen estructuras de patrones repetitivos bien determinados, que permiten un discurso sonoro bastante fluido y dinámico. Ionización es una obra importante dentro de la vanguardia del siglo por ser una propuesta completamente novedosa y revolucionaria en aquel entones. Hoy en día estamos acostumbrados a este tipo de sonidos percusivos y nos parece como algo normal. En aquel entonces la pieza causó revuelo. Sin embargo sembró la semilla de lo que sería posteriormente una corriente nueva y vigorosa como lo es la música de percusión.
2. Nuevamente escuchamos aquí el ruido de las sirenas, el zumbido de las máquinas y el tumulto callejero, elementos propios de la vida agitada de una gran ciudad.

Discografía:
Ricardo Chailly. Royal Concergebouw Orchestra. Decca. 1998.

Sir Michael Tippett







Sir Michael Tippett
Músico inglés de finales del siglo XX que adoptó diversos estilos.

Sir Michael Tippett (1905 - 1998) fue un compositor inglés cuya importancia yace en la renovación y el cultivo de géneros como la sinfonía, el concierto, la ópera, el cuarteto de cuerdas y la sonata. También fue notoria su posición adoptada a través de escritos, conferencias y cursos, en cuanto a la vida y el rol del artista en relación a las complejidades del mundo moderno. Si bien fue contemporáneo de Britten, sus estilos son completamente distintos. Tippet es menos melodioso y descriptivo, pero su música ofrece una mayor riqueza de sonidos y una paleta orquestal más elaborada.
Tippett fue un músico ecléctico con un estilo individual difícil de definir. Si bien no formó parte del medio artístico inglés, sus primeras obras muestran el gusto por los paisajes folklóricos de su país. Sin embargo, apenas comparte algo muy superficial en común con el pastoralismo de Vaughan Williams y sus seguidores. Su estilo musical se enraíza de alguna manera con Henry Purcell y los madrigalistas Isabelinos y Jacobeanos. Tippett fue siempre su propio maestro, construyó sus estilos de manera individual y pasaba de la tradicional a lo moderno por voluntad propia. Su forma alegre y positiva de ver las cosas fue su mejor arma para afrontar los cambios del siglo XX y le permitió asimilar diversidad de influencias foráneas y lenguajes musicales, como Gibbons, Stravinsky, Espirituales, Blue, Beethoven y Bartók. Comenzó a publicar sus obras después de los treinta años cuando se consideró satisfecho con ellas. Su música alcanzó el reconocimiento internacional cuando tenía setenta años. A partir de entonces comenzó a gozar de la fama y la prosperidad.
Vivió más de 90 años, componiendo casi hasta el final de sus días. El secreto de su vitalidad se debe en parte a su participación en las corrientes artísticas y sociales de su época siendo lo más relevante de ello su cambio abrupto de estilo a partir de los años 60. Compuso cuatro sinfonías, todas ellas en distintos estilos.




Sinfonía No. 2.

Su sinfonía No. 2 compuesta entre 1956 y 1957 es tonal y tradicional. La obra se divide en cuatro movimientos.
Sinfonía No. 2
1. Allegro vigoroso
2. Adagio molto e tranquillo
3. Presto veloce
4. Allegro moderato

Comentarios:
1. La sinfonía No. 2 presenta diversas influencias, en especial Stravinsky en los dos últimos movimientos. El día de la premier en 1958, bajo la batuta de Sir Adrian Boult, significó todo un desastre para su autor, pues la orquesta se enredó con la partitura. El director detuvo la música y comenzó a tocar desde el comienzo. Tippett fue acusado entonces de ser desaliñado con la escritura y abusar de manera innecesaria del contrapunto. Hoy en día cualquiera orquesta competente no debería atemorizarse ante esta obra.

Discografía:
1. Richard Hickox. Bournemouth Symphony Orchestra. Chandos. 1995.
2. Sir Colin Davis. London Symphony Orchestra. The British Music Collection. Decca.

Virgil Thomson




Virgil Thomson
El Satie norteamericano.

La música de Virgil Thomson (1896- 1989) es de muy fácil audición. Estudió música en la Universidad de Harvard. Entre 1921-25 estudió en París con Nadia Boulonger. Allí conoció a Eric Satie y el grupo Les Six. Su música, inspirada en temas de Norteamérica, es sencilla de línea clara y melodiosa, al estilo de Satie. Compuso un par de operas “Four Saints in Three Acts” (1934) y” The Mother of Us All”(1947) en colaboración con la escritora Gertrude Stein. También compuso dos ballet, tres sinfonías y música para el cine. Es conocido por sus partituras para película “The Plow that broke the Plains” (1936) y “The River” (1937).


El arado.
“The Plow that broke the plains” (El arado que rompió las llanuras) es un film documental hecho en 1936 por el director Pare Lorentz para el Departamento de Agricultura de los Estados Unidos de Norteamérica con música de Virgil Thomson. En 1942 Thomson compuso una suite a partir de la música del film, haciendo algunos ajustes. La suite orquestal El arado, de unos 15 minutos de duración, consta de 6 partes:
1. Preludio 1:24
2. Pastoral (la hierba) 1:09
3. Ganado 2:52
4. Blues (Especulación) 2:33
5. Sequía 0:54
6. Devastación 4:50
Comentarios:
1. Este documental trata sobre una tragedia ecológica que ocurrió en la parte central de Norteamérica cuando la tierra fue desvastada y erosionada por el abuso de los cultivos. La tierra de las Grandes Llanuras antes verde y generosa se volvió seca, tostada por el sol y cubierta de polvo debido al exceso de arado y agotamiento del suelo. Luego vinieron los vientos y cubrieron toda la llanura de polvo. Los cultivos se perdieron y los campesinos se arruinaron. Muchos de ellos se vieron en la necesidad de emigrar hacia las grandes ciudades en busca de trabajo y alimentos. Este drama que conmovió a toda la nación, ocurrió durante la Gran Depresión económica de los años 30. Muchos artistas se sensibilizaron con este suceso y lo plasmaron en sus obras, como por ejemplo el novelista John Steimbeck en “Las uvas de la ira” y Virgil Thomson con esta obra que aquí presentamos.
2. La música de esta suite es bastante sencilla, tonal y sin grandes efectos orquestales. Thomson ha sido llamado el Eric Satie norteamericano por su escritura ligera, el uso de melodías populares y el Jazz. En definitiva; música fácil y sin complicaciones hecha para ser disfrutada por todo el mundo.
Discografía:
1. Ronald Corp. The New London Orquestra- Helios. 1991.
2. Leopoldo Stokowsky. Orquesta sinfónica del Aire.Vanguard 1987

Richard Strauss



Richard Strauss
Genio y creador de óperas soberbias y poemas sinfónicos inmortales.

Richard Strauss (1864 – 1949) fue un compositor y director de orquesta alemán, cuya obra ha influenciado de manera decisiva la música contemporánea. Hijo de Franz Strauss (1822-1905) también músico, quien tocaba el corno como miembro principal en la Orquesta de la corte de Munich, heredó de su padre las dotes musicales. Un gran orquestador, poseedor de un estilo romántico tardío, influenciado por el genio de Richard Wagner. Ha sido acusado por algunos críticos de ser un genio complaciente con los gustos del público.
Sin embargo es un gran maestro de los efectos sonoros, domina muy bien la orquesta. Es el autor de obras teatrales y poemas sinfónicos imperecederos. Desde el punto de vista técnico, introdujo innovaciones de tipo armónico y de instrumentación, ampliando así las posibilidades expresivas de la orquesta sinfónica moderna.
Por otro lado, Strauss fue un gran director de orquesta. De manera frecuente fue invitado por el gran director Hans von Bulöw director de la Orquesta Filarmonica de Berlin, a estrenar sus obras bajo su dirección. Durante la temporada 1894-95, Strauss se hizo cargo de la orquesta. Ejecutaba obras propias y de otros autores de su gusto como Eugen d'Albert, quien tocaba al piano como concertista, al igual que su esposa, la venezolana Teresa Carreño.

Richard Strauss: Don Juan / Daniel Barenboim, conductor · Berliner Philharmoniker / Recorded at the Berlin Philharmonie, 13 June 2009.


Don Juan.

Don Juan es un Poema Tonal de Richard Strauss. Un Poema Tonal, es un término acuñado por el propio Strauss, para designar un tipo de composición descriptivo y programático. Es una pieza compuesta en 1888, cuando Strauss tenía apenas 24 años y corresponde a su segundo período. De mucho colorido y contrates melódicos, la obra describe las aventuras del personaje Don Juan, quien se dedica a buscar la mujer de sus sueños entre todas las mujeres del mundo.
Don Juan es una obra conformada por un solo movimiento de unos 18 minutos de duración.

Comentarios
1. La obra posee fuerte influencia de Wagner, con sus pesadas armonías cromáticas y episodios aislados inflamados de heroísmo. El tema inicial o leitmotiv, de caráter directo y masculino, representando al joven Don Juan surge después de unos 11 minutos. Más adelante escuchamos tiernas melodías de amor en los violines y oboes. Los cornos y trombones imponen otro tema de mucha fuerza, de una declaración de amor.
Discografía:
1. Lorin Maazel Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. RCA Victor 1999.
2. Herbert von Karajan. Filarmónica de Berlin. D.G. 1972.
3. David Zinman. Orquesta Tonhalle de Zurich. Arte Nova. 1998.

Don Quixote.

El poema sinfónico Don Quixote: variaciones fantásticas sobre un tema de caballería andante Op. 35 de Richard Strauss, fue compuesto en 1897 y estrenado en Colonia en 1898. Es una obra de tipo descriptiva en forma de sinfonía concertante para violonchelo, viola y violín. Cada variación describe un episodio distinto de las aventuras de Don Quijote empleando todos los recursos sonoros de la orquesta. Strauss se las ingenia para imitar el balido de las ovejas en los campos de la Mancha, el relinchar de Rocinante, el vuelo de Clavileño, el caballo de madera, los fantasmas de la Cueva de Montesinos,…etc., con sonidos onomatopéyicos de mucho realismo. La obra discurre de manera humorística en algunas secciones y en otras llega a un lirismo de cierta gracia y ternura.

La música de Don Quixote tiene una duración de unos 42 minutos y se divide en doce partes. Para guiar al oyente, se dan títulos explicativos de cada acción, en la misma partitura.
1. Introducción. El Caballero de la triste figura. Sancho Panza 8:29.
2. Variación I. La aventura de los molinos de viento 2:45
3. Variación II. El combate contra las ovejas. 1:39
4. Variación III. Diálogo del Caballero y el escudero 8:03
5. Variación IV. La aventura de la procesión de los penitentes
6. Variación V. Vigilia de don Quijote entre efluvios de amor 4:05
7. Variación VII. El encantamiento de Dulcinea. 1:21
8. Variación VIII. La cabalgata por los aires. 1:45
9. Variación. IX. La aventura del bote encantado. 1:10
10. Variación X. La lucha contra los encantadores. 4:33
11. Final. El combate contra el Caballero de La Blanca Luna.
Retorno de Don Quijote a casa. 5:17
12. Muerte de Don Quijote.


Comentarios:
1. En este poema sinfónico la música representa a cada personaje y sus acciones. Así pues, el violonchelo con su sonido grave y otoñal, representa a Don Quijote; el clarinete bajo y la tuba con su torpeza, representan a Sancho Panza y la viola representa a Rocinante.
2. Las melodías no tienen influencia alguna del folklore hispano.

Discografía:
1. Filarmónica de Berlín. Herbert von Karajan- DG 1987.
2. Herbert von Karajan. Filarmónica de Berlin. D.G. 1972.
3. David Zinman. Orquesta Tonhalle de Zurich. Arte Nova. 1998.

Richard Strauss: Till Eulenspiegels lustige Streiche / Daniel Barenboim, conductor · Berliner Philharmoniker / Recorded at the Berlin Philharmonie, 13 June 2009.


Till Eulenspiegels.

Till Eulenspiegels es un personaje de leyenda del norte de Alemania que se ubica en el siglo XIV. Es un pícaro e hipócrita que se burla de la sociedad, mostrándole su espejo, de allí la palabra alemana eulenspiegels que significa “espejo de buho”, que proviene de un viejo refrán que dice: “Uno no ve sus propias faltas, al igual que un buho no ve su fealdad en un espejo”.
Strauss compuso una música descriptiva basada en una serie de historietas ilustradas sobre el personaje Till, que eran de mucho arraigo popular para la época: Las aventuras picarescas de Till Eulenspiegels op. 28, un poema sinfónico, compuesto en 1895. Es una obra de un solo movimiento de unos 16 minutos de duración.
Comentarios:
1. Debido a su espíritu juguetón y sencillo, la obra es de fácil audición y muy apropiada para los niños. La música ha servido de fondo musical para una representación de teatro de marionetas.
2. Al inicio del poema se escucha el tema de Till que tiene dos motivos: el primero digno, idealista y grandilocuente dado por cinco notas ascendentes, que abarcan una octava completa, en los cornos y el segundo tema de carácter burlesco, torpe y desafinado compuesto de cinco notas descendentes muy pegadas, por parte del oboe. Este leimotiv aparecerá a lo largo de todo el poema para identificar al personaje. Luego se desarrollan los temas de las aventuras de Till como por ejemplo ir vagabundeando en el mercado y husmeando entre las bolsas de las señoras; disfrazarse de monje y dar un falso sermón; las aventuras amorosas y hacerse pasar por estudiante.

Discografía:
1) Berlin Philarmonic- Herbert von Karajan DG. 1987.
2) Lorin Maazel. Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. RCA. Victor. 1999.
3. Herbert von Karajan. Filarmónica de Berlin. D.G. 1972.
4. David Zinman. Orquesta Tonhalle de Zurich. Arte Nova. 1998.


Richard Strauss (1864 - 1949)Also sprach Zarathustra
1. Einleitung, oder Sonnenaufgang
2. Von den Hinterweltlern
3. Von der großen Sehnsucht
Staatskapelle Dresden
Giuseppe Sinopoli


Así habló Zaratustra.

Compuesto en 1896, Also sprach Zarathustra Op. 30. de Richard Strauss (1864-1949), es un poema sinfónico, basado en el famoso libro “Así habló Zaratustra” del filósofo alemán Federico Nietzsche.
El Poema Tonal “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss es una obra de unos 35 minutos de duración y está conformado por nueve partes
1. Introducción 2:07
2. De la gente del mundo del más allá. 3:59.
3. De la Gran Nostalgia 1:49.
4. De alegrías y pasiones 2:11
5. Himno fúnebre 2:20.
6. De la Ciencia. 4:14.
7. Los convalecientes 5:08.
8. Canto de la Danza. 8:14.
9. Canción del vagabundo 4:35.

Comentarios.
1. La introducción, después de un largo pedal por parte del órgano en los registros más bajos, irrumpe con un motivo espectacular y portentoso en Re mayor de parte de la trompeta y remarcado por los timbales. Es un motivo de cuatro notas ascendentes que abarcan más de una escala repetido tres veces, de manera casi idéntica en cuanto a tonalidad y fuerza se refiere, formando uno de los temas más populares de Richard Strauss y que ha sido usado por algunos compositores de bandas sonoras para el cine y la televisión. Es una fanfarria apoteósica que retumba con bastante fuerza y se expande en el espacio, donde se escuchan a plenitud todos los metales, los timbales y el órgano.
2. El segundo movimiento presenta temas de carácter más íntimo y retrospectivo llevado por las cuerdas de manera muy armónica y equilibrada.
3. El tercer movimiento sirve de puente entre los dos movimientos opuestos.
4. La música del cuarto movimiento es de agitación constante acumulando tensiones que se resuelven en un clímax que da paso al quinto movimiento. La textura de este es compleja por el cruce da varias líneas melódicas.
5. El sexto movimiento De la Ciencia, es de carácter mercurial por sus temas ligeros y algo inestables. Se inicia con un tema bastante serio de estilo Brahms. Luego hay un episodio de saltarín. Presenta pasajes de virtuosismo y detalles de mucha delicadeza para el arpa, los violines y los flautines.
6. El movimiento séptimo contiene una bella fuga al comienzo en donde participa toda la orquesta. De repente la música se detiene: el fagote y los contrabajos murmuran en el fondo. La fuga se reanuda con la participación de las flautas y las trompetas en brillantes sonoridades.
7. En el octavo movimiento escuchamos un cuarteto de cuerdas ejecutar una suave y cantarina melodía en ritmo de vals. La orquesta responde con emoción siguiendo el mismo patrón. La música se balancea, sube y baja en elaborados arabescos de una rica paleta cromática. La música se agita y termina de manera apoteósica.
8. El movimiento final se continúa con el anterior. Se inicia con el llamado de las campanas. Luego la música del cuarteto se escucha de nuevo en un canto de ensueño. La música se disuelve en las notas de un violín.
Discografía:
1. Lorin Maazel Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. RCA Victor 1999.
2. Herbert von Karajan. Filarmónica de Berlin. D.G. 1972.
3. David Zinman. Orquesta Tonhalle de Zurich. Arte Nova. 1998.

Sinfonía Alpina.
La Sinfonía Alpina de Richard Strauss, compuesta entre 1911-1915 representa la coronación de la obra de este autor en materia de poemas tonales, pues recoge la cosecha de toda la producción anterior en una sola obra de carácter apoteósico.
La Sinfonía Alpina es una obra de 51 minutos de duración, que consta de 22 secciones.
1. Noche 2:57.
2. El amanecer 1:17.
3. La ascensión 2:23.
4. Entrada en el Bosque 5:27.
5. Caminando por el arroyo 0:48.
6. Cerca de la Cascada 0:15
7. Visión 0:46.
8. El prado florido 0:59.
9. El prado Alpino 1:51.
10. Caminando sobre la maleza en el sotobosque 1:33.
11. Sobre el Glaciar. 0:59.
12. Momentos peligrosos 1:29.
13. En la Cima 4:47.
14. Visión 3:34.
15. La niebla en ascenso. 0:18.
16. El Sol 0:50.
17. Elegía 1:55.
18. La Calma antes de la Tormenta 2:51.
19. Tormenta 3:45.
20. Crepúsculo. 2:38.
21. Conclusión 6:42.
22. Noche. 2:25.

Comentarios:
1. La obra narra las impresiones de Strauss al realizar una excursión de un día, hasta la cima de una montaña en los Alpes Alemanes. Cada una de las secciones describe los distintos ambientes del paisaje humano y geográfico que nos encontramos en la travesía. Para ello Strauss emplea una orquesta nutrida, con unos excelentes ejecutantes que deben ser capaces de tocar los instrumentos de manera algo especial, para lograr esos sonidos onomatopéyicos provenientes de la naturaleza de mucho realismo.

Discografía:
1. Lorin Maazel. Orquesta sinfónica de la Radio de Baviera. RCA. Victor. 1999.
2. Herbert von Karajan. Filarmónica de Berlin. D.G. 1972.
3. David Zinman. Orquesta Tonhalle de Zurich. Arte Nova. 1998.

viernes, 7 de mayo de 2010

Alfred Schnittke



Alfred Schnittke
Un vanguardista de la escuela rusa, heredero de Shostakovich.

El músico ruso Alfred Schnittke nacido en 1934 es uno de los grandes valores de la música moderna actual. Posee un estilo ecléctico que emplea música de todos los períodos pegadas como collages en composiciones audaces. Fue alumno de Shostakovich y conserva ciertos rasgos estéticos de este gran compositor como por ejemplo su humor sarcástico bastante agresivo.

Julia Igonina and Nikita Borisoglebsky plays Schnittke Concerto grosso with Karelia Symphony Orchestra, conductor Oleg Soldatov


Sinfonía No. 1
La Sinfonía no. 1 compuesta entre 1969 y 1972 es una de las obras maestras de Schnittke, que recoge lo mejor de su estilo compositivo en una síntesis apretada de toda una etapa en donde desarrolla la técnica poliestilística.
La obra, con una duración de una hora y doce minutos, se estructura cuatro partes:
1. Parte 1. 21:26
2. Parte 2. 14:50.
3. Parte 3. 9:02.
4. Parte 4. 27:15.

Comentarios:
1. Sería casi imposible describir todo lo que acontece en esta obra monumental paso por paso. El primer movimiento abre suavemente con el tañer de unas campanas y poco a poco una orquesta en el fondo toca de manera desenfrenada un tema de carácter agresivo con disonancias ejecutadas en glissandos por parte de todas las cuerdas y que va ganado volumen. Concluye esta sección con unos aplausos. Después de una pausa surgen episodios donde hay solos de trompeta y golpes de timbal. También hay una serie de texturas a la manera de Ligeti, muy bien logradas. Hay citas de Beethoven (quinta sinfonía), música popular de bandas soviéticas y fragmentos de Shostakovich hacia el final.
2. El segundo movimiento es igual de variado y heterogéneo al primero con una introducción de un concierto barroco. La sección central es de gran lucimiento para el piano en ritmo de jazz.
3. Si los dos primeros movimientos son de pura adrenalina, el segundo es para descansar. Se inicia con unos glissandos por parte de las cuerdas que modelan una superficie de textura bastante compleja con procedimientos seriales que hilan finas ramificaciones. Este movimiento, de carácter más serio experimental que los anteriores, es completamente original.
4. El último movimiento se complementa con el primero por su longitud y variedad de temas. La primera parte es una construcción con un tramado bastante denso a base de glissandos de los trombones y los violines y por encima de ellos la percusión. Es una música que se arrastra con dificultad, creando una sensación de angustia. La parte central es música ligera de una banda de jazz. Finalmente volvemos a la música agitada de la primera parte donde las notas disonantes de los trombones y las campanas sobresalen por encima del tumulto.
Discografía:
Leif Segerstam. Filarmónica Real de Estocolmo. BIS. 2000.

Karlheinz Stockhausen




Karlheinz Stockhausen
Artista de vanguardia creador de diversos estilos.

Karlheinz Stockhausen nace en Mödrath un pequeño pueblo de Colonia, Alemania en 1928. Estudió música en la Escuela de Música y la Universidad de Colonia. Visitó a Darmstadt en 1951 y quedó impresionado al escuchar una pieza electrónica de Messiaen. En 1953 se establece en los Estudio Electrónico de Colonia y a partir de entonces comienza a componer siguiendo las técnicas seriales. Stockhausen en la época de los 50 y 60 fue un fiel seguidor de Webern, en el proceso de serialismo integral, incluyendo todas las componentes musicales como: sonidos, timbres, altura, ritmo, dinámica y ataque del sonido. Ha creado diversos estilos de música y técnicas compositivas como el puntillismo disociativo, los grupos sonoros, estructuras autónomas, estructuralismo integral y otros. Ha sido uno de los pioneros en el campo de la música electrónica, la música de percusión, música espacial, música aleatoria, música ritual, música escénica, música mantra, música espiritual y música cósmica.
Stockhausen ocupó en centro de la vanguardia, de los años 60 y 70. Siempre ha sido un investigador nato del mundo del sonido y ha mantenido una posición de avanzada, derrumbando viejos esquemas y abriendo nuevos horizontes a los compositores del siglo XX.


Studie I
Esta composición electrónica de Stockhausen de 1953 es un buen ejemplo de sus primeras obras electrónicas.

La obra Stuide I es de unos 10 minutos de duración.

Comentarios:
La presenta composición completamente revolucionaria y original, emplea recursos electrónicos. Stockhausen utiliza un material sonoro, previamente controlado y grabado en cintas magnetofónicas, lo secciona y luego lo ensambla de manera ordenada siguiendo un plan serial. De esta manera se crea un espacio sonoro de gran interés por los timbres y las asociaciones.

Discografía:
Stockhausen. Stockhusen Verlag. 1991.



Gesang Der Jünglinge.

El Gesang Der Jünglinge o Canto de los niños en el horno, creada en 1955-56 es una de las piezas más originales de Stockhausen. El título tan curioso hace referencia a la Biblia. Los jóvenes Shadrach, Meshach y Abednego fueron arrojados al fuego por el Rey Nebuchanedzar, de acuerdo al Libro de Daniel, por no querer adorar a un ídolo de oro. La pieza contiene fragmentos de un coro de niños cantando “Alabemos al Señor”. La música, estructurada en capas, contiene partes cantadas mezclada con música concreta de forma muy original. Stockhausen separó los sonidos en cinco canales independientes. El día de la première en Colonia en 1956, el público estaba dentro de una sala pentagonal con cinco altavoces que emitían sonidos autónomos creando una sensación espacial de mucho impacto.

El Canto de los niños en el horno es una obra de unos 14 minutos de duración:

Comentarios:
Desde el punto de vista técnico, el Gesang Der Jünglinge es una composición mucho más compleja que los estudios anteriores, lo cual se traduce en una amplia gama sonora y un mayor control sobre el material. De acuerdo a Stockhausen la obra es una mezcla de 11 elementos: 1. Ondas sinusoidales; 2. Ondas de frecuencia modulada FM de tipo periódico; 3. Ondas FM de frecuencia estadística; 4. Ondas sinusoidales de Amplitud Modulada A.M. 5. Ondas sinusoidales estadísticas FM; 6. Banda periódica; 7. Combinaciones estadísticas de ambos tipos de ondas, moduladas simultáneamente; 8. Ruido coloreado de densidad constante. 9. Ruido coloreado de densidad estadísticamente variable; 10. Impulsos filtrados (Click) con frecuencia; 11. Impulsos filtrados con frecuencia de entradas estadísticas.
Utilizando estos 11 elementos Stockhausen mezcla la voz de los niños con el material electrónico, produciendo una fusión de elevado misticismo.

Discografía:
Stockhausen. Stockhusen Verlag. 1991.


Kontakte.

Entre 1959- 1960 Stockhausen compone Kontakte; una de las obras claves de la música electrónica. Es una grabación en cinta magnetofónica, de timbres producidos electrónicamente, que imitan bastante bien sonidos concretos (metales, cueros, maderas) y manipulados posteriormente, con toda la tecnología a su alcance en el laboratorio. El título Contacto se refiere al contacto entre la música producida por grupos de instrumentos y la música electrónica. En este sentido es la primera composición de música electroacústica, que tanta difusión ha tenido desde entonces.

La obra Contacto o Kontakte es de 36 minutos de duración que se estructura en 25 partes.
Comentarios:
1. La música es producida por un equipo de generador de impulsos variables. También hay ondas sinusoidales y ondas cuadradas. El material final es mezclado, mplificado y procesado por filtros, antes de grabar.
2. La obra crea un espacio sonoro de mucho dinamismo en donde sentimos que nos stamos moviendo. El sonido es simplemente espectacular. Parece increíble que esta composición tan fresca tenga ya 50 años!


Discografía:
Stockhausen. Stockhusen Verlag. 1991.





Prozession.
En los años 60 y 70 Stockhausen se afianza en el panorama musical de vanguardia como una especie de gurú, a donde todos dirigen las miradas. Su atrevimiento y creatividad no conocen límites. Una de sus obras emblemática es llamada “Prozession” o Procesión compuesta en 1967. Es un tipo de obra ensemble, que se crea en un concierto en vivo, donde además de la improvisación por parte de los ejecutantes, interviene el azar y ocurren otros eventos extra musicales. Al final la música es procesada electrónicamente, de allí que se ha designado esta técnica como “Música procesada”. Las instrucciones para esta pieza son bastante claras y sucintas: Cuatro músicos van a tocar una secuencia de eventos, los cuales se irán transformando de manera progresiva de acuerdo a unos parámetros, simbolizados en la partitura por una serie de signos “mas” y “menos” que indican los cambios de longitud en los eventos, así como el volumen. Cada evento dura un minuto como mínimo y algunos de ellos tienen estructuras periódicas. El material sonoro proveniente de obras anteriores de Stockhausen, como Studie I & II, Gesang Der Juenglinge y Kontakte, servirá de punto de partida para todos los eventos iniciales. Este proceso es llamado Transformación paramétrica en tiempo real.
La obra Prozession, esta instrumentada para tam-tam, viola, sintetizador, piano, microfonista, controlador de filtro y volumen. Procesión es de unos 37 minutos de duración y se ejecuta de manera continua.
Comentarios:
1. Después que los músicos han estado tocando por un buen rato, se compenetran bastante bien y la música fluye con mayor espíritu de equipo humano, unido en torno a la obra de arte. Al respecto Stockhausen comenta: “ Llegamos a un punto en que los ejecutantes reaccionan fuertemente unos con los otros; eventos simples se desplazan en una cadena de reacción de imitaciones, transformaciones y mutaciones, y los ejecutantes están frecuentemente unidos por largos períodos de tiempo en una sola red de interacciones”
2. La música de Procesión, de gran variedad en cuanto a sonidos se refiere, es de carácter oriental por lo simple. Posee influencias de la música religiosa de los monjes del Tibet. Predominan en esta obra los zumbidos de unas pocas notas de larga duración. También la continuidad del tiempo y el espacio esta bastante limitada por pausas de silencio entre los distintos episodios, que hacen al oyente a meditar y quizás caer en estados hipnóticos.

Discografía:
Karlheinz Stockhausen – “Prozession” (1967) Christoph Caskel & Joachim Krist (tam-tam), Péter Eötvös (electrochord), Harald Bojé (electronium), Aloys Kontarsky (piano). Stockhausen 11.

jueves, 6 de mayo de 2010

Igor Stravinsky



Igor Stravinsky

El músico que liberó al ritmo.

El compositor ruso Igor Stravinsky (1882-1971) ha sido reconocido como la figura más importante del panorama musical del siglo XX. Su influencia sobre el desarrollo de las nuevas corrientes del siglo XX, se asemeja a la del pintor Pablo Picasso en las artes plásticas. Gran parte de su vida ha sido narrada por el propio autor en el libro “Stravinsky: an autobiography”, publicado en Nueva York en 1939.
Stravisnky nace en Oranienbaum un pequeño pueblo cerca de San Petersburgo. Sus ancestros eran ricos terratenientes de la aristocracia polaca y rusa que ejercían control político de todo el occidente de Rusia. Había en su familia antecedentes musicales, pues su padre Fiador Stravinski era bajo en la Opera del Teatro Marinski. Uno de sus recuerdos memorables de niñez fue haber escuchado la música de Glinka en el teatro, cuando asistió a la representación de sus dos óperas más conocidas: Una vida por el Zar y Ruslan y Ludmila. A los nueve años sus padres le asignan una profesora de piano. A los 20 años se convierte en alumno del maestro ruso Rimski-Korsakov, quien era el músico más importante en aquel momento. El trabajo con Rimski, consistía en orquestar piezas de la música clásica, asignadas previamente por el maestro, como por ejemplo sonatas de Beethoven, los cuartetos de Schubert y algunas marchas. Cada semana ambos se reunían a discutir los resultados obtenidos. Como producto de este aprendizaje compone su primera sinfonía. Bajo su influencia también compone sus dos primeras obras dentro de un estilo propio: Fuegos Artificiales (Feu d’artifice) y Scherzo Fantástico, que lo darán a conocer en el ambiente de San Petersburgo.
Pero lo que cambiaría su vida para siempre, y quizás el curso de toda la música del siglo XX, es el encuentro con su compatriota, el empresario Sergei Diaghilev, quien revolucionó el ballet moderno con su compañía de Ballets Rousses. Diaghilev estaba buscando jóvenes compositores para montar un ballet en París, desechó varias propuestas, cuando de repente se encontró con el genio de Stravinsky, a quien le encarga la música del Pájaro de Fuego, para ser presentado en la temporada de 1910. El ballet fue todo un éxito y el joven músico pasó a ser de la noche a la mañana una figura reconocida.
Stravinsky vivió en Francia durante muchos años. Durante la Primera Guerra Mundial, compone muy poco y se refugia en Suiza. En 1939 viaja a Estados Unidos huyendo nuevamente de la guerra, y obtiene la nacionalidad norteamericana en 1945. En ese país continuó viviendo hasta su muerte en 1971 en la ciudad de Nueva York.
Una constante en la carrera artística de Stravinsky, fueron los cambios imprevisibles de estilo. Para simplificar las cosas podemos hablar de tres grandes períodos estilísticos. El primero de ellos es el período ruso o primitivista, correspondiente a los tres grandes ballets que lo lanzaron a la fama en aquel París de comienzos del siglo XX, como lo “El Pájaro de Fuego” (1910), “Petroushka” (1911) y “La Consagración de la Primavera” (1913). Junto a estas obras emblemáticas habría que agregar también “Renard” (1916), “La historia del soldado” (1916) y “Las Bodas” (1923).
El segundo periodo, llamado Neoclásico se inicia con el Ballet “Pulcinela” (1920) y la obra de cámara “Octeto” (1923). Dentro de este período, que abarca hasta 1951, se darán gran cantidad de obras que han pasado a ser parte importante del repertorio, como por ejemplo la “Sinfonía en Do“(1940), “Sinfonía en tres movimientos” (1945), “Apollo” (1928) y la “Sinfonía de los Salmos” (1930).
A partir de la muerte de Arnold Schoenberg en 1951, Stravinsky da otro de sus saltos estéticos e inicia lo que sería su tercer gran período llamado serialista o dodecafónico. Stravinsky y Schoenberg fueron los dos grandes músicos del siglo XX, que siguieron trayectorias divergentes. Demás está decir que los dos grandes genios de la música se ignoraron el uno al otro olímpicamente y lo único en común entre ellos fue que ambos vivieron en California en el año 1940. Sin embargo Stravinsky, en su afán de aprender todo lo nuevo y superarse, conoció y estudió el método de las doce notas gracias a su ayudante, el músico norteamericano Robert Kraft. Dentro de esta tendencia compuso “Cantata” (1951), “In Memoriam Dylan Thomas” (1954), “Canticum sacrum y Thereni” (1958).

Igor Stravinsky dirigiendo el Pájaro de Fuego a la edad de 82. La suite canción de cuna.


El Pájaro de fuego

El Pájaro de fuego de Igor Stravinsky fue un encargo del empresario ruso Sergei Diaghilev, para la música de un ballet del mismo nombre, con libreto de Michel Fokine. La obra se estrenó en el Teatro Nacional de la Ópera de Paris el 25 de Junio de 1910. La coreografía fue de Michel Fokine y los bailarines fueron: Tamara Karsavina, Michel Fokine, Alexis Bulgakov y Vera Fokina.
Existen varias versiones del Pájaro de Fuego. La primera de 1910 es un ballet en dos actos que contiene en total 15 secciones.
1. Introducción. 2.34
2. El jardín encantado de Kashchei 1.39
3. Aparición del pájaro de fuego, perseguido por el príncipe Iván 2.19
4. Danza del pájaro de fuego 1.27
5. Captura del pájaro de fuego por Iván. 0.57
6. Súplicas del pájaro de fuego. Aparición de las trece princesas encantadas 7.28
7. Juego de las princesas con las manzanas de oro. 2.31
8. Brusca aparición del príncipe Iván. 1.18
9. La ronda de las princesas. 3.49
10. Amanecer. El príncipe Iván penetra en el palacio de Kashchei. 1.30
11. Carrillón Mágico. Aparición de los monstruos guardianes de Kashchei.
Captura del príncipe Iván. Intercesión de la princesa. 5.08
12. Danza de la corte de Kashchei, encantada por el pájaro de fuego. 0.48
13. Danza infernal de todos los sujetos de Kashchei 4.48
14. Canción de cuna del pájaro de fuego. Sueño de Kashchei.
Muerte de Kashchei. 4.59
Acto II
15. Desaparición del palacio y de los hechizos de Kashchei. Alegría general. 3.12
Comentarios.

1. La música nos hace vivir un cuento de hadas en esta composición magistral del genio de Stravinsky. Escuchar el sonido maravilloso de la Danza Infernal (sección 13 del pájaro de Fuego), es una experiencia incomparable.
2. La música del Pájaro de Fuego está hecha de una combinación sorprendente de pequeños trozos de sonidos independientes entre sí, que al mezclarse producen un efecto agradable.
3. La introducción se inicia con las cuerdas mudas de los violoncelos y los bajos. El motivo principal es una melodía sencilla La-Fa-Mi-Re-Mi-Fa-La, muy simétrica, que se repite varias veces en los violoncelos, produciendo un estado de hipnosis. Luego interrumpen las maderas con sus graznidos de pájaros extraños, entablando un diálogo que se resuelve de manera violenta, acelerando el ritmo. Los pájaros emprenden su vuelo y desaparecen. Luego nuevamente el motivo principal vuelve a ser escuchado en los oboes y migra hacia las violas. Al final el movimiento se disuelve entre unas frases cortas de un oboe y el sonido cristalino del carillón.
4. La aparición del pájaro de fuego presenta una gran variedad de timbres exóticos, para los cuáles no existen palabras. El color de Stravinsky es único, producto de una mezcla secreta de timbres. Reconocemos las trompetas con sordina, los pizzicatos de los violines, el arpa y los clarinetes en los registros más altos. Después de este trozo de música tan suculento, la siguiente sección es como un postre para nuestro paladar.
5. La ronda de las princesas (sección 9), presenta una melodía bellísima de corte romántica desarrollada por el flautín, los violines y luego por las maderas. El sonido del oboe es delicado y muy suave. El colorido orquestal de las tenues veladuras es de clara influencia rusa. Hay lucimiento por parte de los solistas. El motivo principal es una frase de 13 notas, lo cual tiene que ver con las trece princesas.
6. El amanecer (sección 10) se representa con una melodía de flautas.
7. Carillón mágico (sección 11). Una música de mucho dramatismo con cambios de ritmo violentos conduce a una sección de transición poblada de sonidos amenazantes. El fagot con sus sonidos torpes y los deslizamientos de los trombones ponen la nota de humor. Hay pasajes de marimba muy variados.
8. La danza infernal (sección 13) irrumpe desde el comienzo con toda fuerza de las trompetas, cornos y trombones. En este movimiento además de encontrarnos con los timbres más fantásticos, hay un empleo del ritmo nunca antes escuchado en la música. El motivo de seis notas se repite varias veces. Luego hay un tema ligero que contrasta con el primero. La música va ganando en intensidad, hasta llegar aun vals frenético, que arrastra con su fuerza a toda la orquesta. En los registros más altos sobresale la pandereta.
9. La canción de cuna del pájaro de fuego es más bien una parodia muy cómica. En verdad esta música no tiene nada de infantil.

Discografía:
1. Valery Gergiev Orquesta Kirov, San Petesburgo Phillips 1998.
2. Leonard Bernstein Sinfónica de Israel.
3. Ernest Ansermet Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2004.





Petrushka.

Petrushka es la segunda obra de Stravinsky para los Ballets Russes de Diaghilev y fue compuesta en 1911, de manera algo compulsiva. Después del éxito del Pájaro de Fuego, Stravinsky trabajaba en la música de su próximo ballet que sería La Consagración de la Primavera. Sin embargo abandonó el proyecto temporalmente, para dedicarse por completo a unas piezas para piano y orquesta que lo absorbían mucho y no las podía apartar de su mente. Aquella música le traía imágenes de una marioneta viviente, que en medio de un concierto, interrumpía la orquesta con unos arpegios diabólicos en cascada. La orquesta entonces le respondía con estruendos de trompeta. El resultado era un duelo en donde un terrible ruido concluía con clímax poderoso y al final la pobre marioneta languidecía. A sugerencia de Diaghilev, este debería ser el segundo acto del nuevo ballet. Entonces Stravinsky completó la partitura en un corto tiempo, incluyendo algunas melodías folklóricas rusas.
El Ballet Petrushka con música de Igor Stravinsky, libreto de Igor Stravinsky y Alexander Benois se estrenó el 13 de Junio de 1911 en el Théâtre du Châtelet París. Los principales bailarines fueron Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Alexander Orlov y Enricco Cacchetti.
La obra de unos 35 minutos de duración esta dividida en cuatro escenas con las siguientes acciones:
(Versión de 1947)
1. La fiesta popular del Carnaval. 9:58
2. En casa de Petrushka 4:19
3. En casa del moro 7:27
4. Fiesta popular en Shrovetide al anochecer 13:26
Comentarios:
1. La obra en definitiva, se basa en una fábula rusa, donde los protagonistas son tres marionetas: Petrushka (o Pedrito), la bailarina y El Moro. Eran marionetas con sentimientos humanos que se divertían en la feria de San Petersburgo durante el Carnaval. Petrushka se enamora de la bailarina al igual que El Moro. Al final el Moro mata a Petrushka, pero el fantasma de Petrushka aparece en el escenario para vengarse.
2. En esta música para ballet, Stravinsky se aleja un poco más de la tradición rusa y la música de Rimsky Korsakov, que se encuentran en el Pájaro de Fuego, para crear su propio lenguaje musical.
3. Petrushka es una caja de sorpresas, tanto por su argumento como por su música fascinante, con orquestación sumamente audaz y novedosa, para aquella época, que crea espacios sonoros llenos de colorido, vitalidad y dinamismo. Resaltan en esta composición los efectos de la percusión, la bitonalidad, el uso de ritmos muy variados (Primitivismo) y el empleo de timbres sonoros ácidos y corrosivos. No en vano es uno de los ballet más presentados en el repertorio del siglo XX.
4. La obra se inicia con un tema de fanfarria ejecutado por las cuerdas en un registro alto bastante estridente. Los toques de carillón, platillos y el gong crean un ambiente de cuento de hadas. Culmina este movimiento con una melodía de flauta que nos introduce al tema principal nuevamente, ejecutado por toda la orquesta.
5. La segunda parte contiene unos solos de piano sorprendentes.
6. El movimiento final es de gran brillo y resonancia. Presenta una serie de danzas del folklore ruso orquestadas muy modernas que recrean un ambiente festivo de Carnaval.
7. En 1946 Stravinsky reescribió de nuevo la partitura, con una orquestación algo diferente, para crear una nueva suite de Petrushka. Esta suena más ligera y aterciopelada, pero carece de la fuerza y el entusiasmo de la primera versión. Quizás la motivación principal, para reescribir a Petrushka era de tipo económico: Cuando Stravinsky compuso Petrushka en 1911 no existían los derechos de autor. La nueva orquestación de la segunda suite aparece patentada en 1947 y protegida por los derechos de autor que le dan a los sucesores de Stravinsky todas las regalías que pueda producir Desde entonces ha habido grabaciones discográficas, muy memorables, de ambas versiones.

Discografía:
1. Ernest Ansermet Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2004.


La consagración de la Primavera.
La gente de aquel Paris de comienzos de siglo adoraba los temas rusos, quizás como una forma de alejarse de la realidad en que vivían. Había en el ambiente cultural de aquella época una especie de rechazo a las civilizaciones muy refinadas y alienantes como la europea de fines del siglo XIX y comienzos del XX. El ideal poético, impulsado por los simbolistas, eran las civilizaciones primitivas, no contaminadas, donde los hombres vivieran en estrecho contacto con la naturaleza y mantuvieran sus rituales primigenios.
La Consagración de la Primavera (Le sacre du pritemps) es el tercer ballet compuesto por Igor Stravinsky, para los Ballet Rusos del empresario Segei Diaghilev. El libreto se debe a Igor Stravinsky y Nicholas Roerich. Se estrenó en el Théâtre de Champs-Elyseés París el 28 de Mayo de 1913 con coreografía de Vaslav NIjinsky, siendo los principales bailarines Maria Piltz, M.V. Guliuk y Vorontzov.
La música para el ballet la Consagración de la Primavera Cuadros de la Rusia pagana en dos partes (versión de 1913), es de unos 34 minutos. Se estructura de la siguiente forma:

Acto I, Adoración de la Tierra
1. Introducción 3:22
2. Augurios Primaverales. Danza de las Adolescentes 3:35
3. Juego del Rapto. 1:00
4. Rondas Primaverales. 3:30
5. Juego de las Tribus Rivales 1:33
6. Cortejo del Sabio 1:06
7. El Sabio 0:24
8. Danza de la Tierra 1:20
Acto II, El Sacrificio

9. Introducción 3:53
10. Círculos Misteriosos de las Adolescentes. 3:06
11. Glorificación de la Elegida 1:43
12. Evocación de los Antepasados 0:45
13. Acción Ritual de los Antepasados 3:34
14. Danza Sagrada. La Elegida. 4:59

Comentarios:
1. Escuchemos ahora esta música fantástica, semejante a una selva intrincada. Una selva poblada de notas salvajes con un fondo de grandes disonancias polifónicas. Una música sensual y erótica, que despierta los instintos primitivos. Siente los cambios abruptos de ritmos. Las sonoridades tímbricas que casi agotan el registro de los instrumentos. La forma endemoniada de golpear esos diez timbales y las estridentes trompetas. La suavidad y ternura de algunos pasajes llevados por las flautas y oboes cuidadosamente instrumentados. Las notas oscuras y ásperas de los saxofones y fagotes. La gran variedad de melodías superpuestas que rompen con el discurso musical tradicional creando un clima general abstracto de “caos y desorden”.
2. Con esta música tan de vanguardia, el compositor llegó a la apoteosis del primitivismo o período ruso. La Consagración de la Primavera es una obra fundamental del siglo XX, que influyó en el desarrollo creativo de los principales compositores, por varios aspectos. En primer lugar al incorporar el ritmo como un elemento articulador del movimiento horizontal de la música. El ritmo obstinado, incisivo y avasallante que rompe con el discurso musical, estableciendo nuevos patrones de articulación en pequeños grupos sonoros de motivos que se repiten. Motivos contrastantes e inconexos entre sí, y que sin embargo le dan unidad y coherencia a toda la obra. En segundo lugar el uso de disonancias y armonías exóticas que deforman o casi rompen con la estructura tonal tradicional. También es revolucionario el empleo de nuevas sonoridades creando una paleta tímbrica de colores cálidos y rojos muy personal, que expresa sensaciones y emociones desconocidas hasta entonces, lo cual amplía considerablemente las posibilidades de comunicación de la música con el oyente.
3. La intención de Stravinsky con La Consagración de la Primavera, fue llevar al máximo su estilo primitivo de contrastes sonoros y ritmos violentos, para escandalizar a un público ávido de nuevas sensaciones. De acuerdo a sus palabras, era su intención “mandar todo al demonio”. La noche del estreno fue un verdadero escándalo: la gente se peleaba en el teatro por causa de aquel caos sonoro, incomprensible para algunos y defendido por otros, fieles seguidores de la vanguardia musical, quienes intercambiaron puñetazos en las gradas. En el segundo acto la policía tuvo que intervenir para imponer el orden.

4. La introducción presenta una gran variedad de melodías por parte de las maderas. Se inicia con un motivo melódico de seis notas por parte del clarinete, de mucha sensualidad, que anuncia la llegada de la primavera. El tejido musical se enriquece con el contrapunteo de las flautas oboes que semejan los cantos de los pájaros en la alborada.

5. Los augurios primaverales, danzas de las adolescentes es una de las secciones más dinámicas de toda la obra. Esta conformada por secciones autónomas e independientes con sus ritmos propios, que chocan de manera compulsiva y se recortan entre ellas violentamente. Los violonchelos y los 8 cornos imponen su ritmo subyugante semejante una marcha de elefantes sobre una llanura. Concluye con una danza frenética de carácter folklórico que se eleva hasta un clímax de de gran potencia y esplendor.

6. Juego del rapto. En medio de un clima general de efervescencia, alegría incontrolada y agitación los metales elevan sus notas a todo volumen, como una proclama del ritual próximo a iniciarse. Es un movimiento corto de carácter nervioso y agitado.

7. Rondas primaverales. Movimiento lento que contrasta con el anterior por el amor y la dulzura de las flautas, presentando un tema inicial muy fresco y pastoril, secundado por los clarinetes y oboes que dibujan tiernas melodías. Luego surge un tema nuevo, que se proyecta desde los registros más bajos, de hondas resonancias y ejecutado por los cornos, los fagotes y el tambor de caja. Es una melodía sinuosa de carácter oscuro y misterioso, en forma de ostinato, que se arrastra con dificultad. Al final se hace más insistente y se eleva a registros muy altos. Después de un interludio muy corto volvemos al tema inicial de las flautas que s desvanece suavemente.

8. Juego de las tribus rivales. Movimiento rápido y alegre con brillantes intervenciones de los trombones y la percusión. Choques violentos entre las distintas secciones de la orquesta. Concluye con una figura de móvil perpetuo, que recuerda los movimientos mecánicos de las máquinas.

9. Cortejo del sabio. Es una sección muy corta que representa una danza primitiva marcada por un ritmo diabólico y descontrolado. Una música sincopada, en donde se percibe el desfase entre los metales y la percusión, lo cual le da connotaciones salvajes y aterradoras.
10. El Sabio. Danza de la Tierra. Se trata de una música formada por varias capas melódicas diferenciadas entre sí con distintos ritmos y tonalidades que crean un ambiente de mucha tensión y energía reprimida. Destacan algunos segmentos brillantes y de timbres muy exóticos, característicos de Stravinsky, por parte de las trompetas en sordina y la percusión.
11. Danza sagrada. La elegida. En esta última sección culmina el ritual con la danza de la doncella, sin detenerse hasta morir. La música refleja por un lado el hechizo y la atracción de una atmósfera exótica y por otro lado, la acción brutal, salvaje y violenta de una ceremonia cargada de profundo erotismo, que calienta la sangre y excita los sentidos. Es la descripción musical del movimiento más bárbaro que podamos imaginarnos: el cuerpo desnudo de la joven que se deja llevar por el ritmo acelerado de la música. Una música de timbres sonoros ácidos y disonantes, cuyas notas a veces punzantes se acumulan en trozos que avanzan a un ritmo desafiante.
Instrumentación: La instrumentación para esta pieza, bastante inusual para su época, por el tamaño descomunal de la orquesta, es la siguiente: flautín, 3 flautas, flauta alta, 4 oboes, corno inglés, clarinete en re, 3 clarinetes en la o si, clarinete bajo, 4 fagotes, 2 contrafagotes, 8 cornos franceses, 2 tubas wagner de tenor, 4 trompetas, trompeta bajo, 3 trombones, 2 tubas bajo. Percusión: 10 timbales, gong, bombo, triángulo, pandereta, güiro, címbalos. Cuerdas.
Discografía:
1) Ernest Ansermet. Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2004.
2) Leonard Bernstein. Orquesta Filarmónica de Israel. DG.


Pulcinela, versión de 1947. Ballet en un acto para pequeña orquesta y tres voces solistas.

Pulcinella.

Pulcinella. Ballet sobre temas de Giambatista Pergolesi, está basado en una comedia musical italiana del siglo XVIII. Obra compuesta por Igor Stravinsky (1882-1971) entre 1919-1920 para los Ballet Rusos de Sergei Diaghilev. El bailarín Leonide Massine creó el libreto y la coreografía. El pintor Pablo Picasso hizo el diseño de los trajes y el decorado del escenario.
Fue estrenada en París bajo la batuta de Ernest Ansermet en Mayo de 1920.
La música del Ballet Pulcinella de Igor Stravinsky consta de 18 partes.
1 Overtura. Allegro moderato 1:51.
2 Serenata: Largheto “Mentre lérbetta” (tenor) 3:30
3 Scherzino: Alegro 1:36.
4 Allegro 1:18.
5 Andantino 1:16.
6 Allegro 1:46
7 Ancora poco meno “Contento forse vivere” (soprano) 1:47.
8 Allegro assai 1:45.
9 Allegro- Alla breve “Con queste paroline” Bajo. 1:15.
10 Largo “Sento dire non cé pace “Soprano / tenor/bajo 5:26.
11 Allegro – Alla breve 1:15.
12 Tarantella 1:19.
13 Andantino” Se tu m’ami” Soprano. 2:37.
14 Allegro 0:53.
15 Allegro 3:59.
16 Gavotta con due variazion 1:32.
17 Tempo di minuetto “Pupillette, fiammente d’amore”
Soprano / tenorbajo 2:23.
18 Allegro assai. 2:14.



Comentarios:
1. Pulcinella representa un cambio radical en la trayectoria estilística de Stravinsky, con relación a su etapa primitivista. El autor vuelve su mirada hacia el pasado en busca de la claridad y serenidad clásica, iniciando una nueva etapa en su producción (la segunda) conocida como período neoclásico. De aquí en adelante se empiezan a dar los continuos retornos hacia el pasado, buscando inspiración en la obra de Bach, Mozart, Haydn y otros autores.
2. El material musical lo toma prestado de algunos segmentos de la obra de Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. La idea del compositor no es una vuelta al pasado para reproducirlo tal cual y tratar de revivirlo, como los anticuarios. Es por el contrario, usar estas fórmulas arcaicas y pasadas de moda, para ironizar sobre ellas y contrastarlas con los sonidos y ritmos modernos. Así pues escuchamos una versión nueva del siglo XX, con acentos y sonoridades distintas, ritmos más pronunciados y algunos ostinatos.
3. Diaghilev quería un ballet basado en la Comedia del Arte del siglo XVIII y el mismo se dedicó a buscar los manuscritos de la música, supuestamente de Pergolessi, pero luego se ha demostrado que en realidad pertenecen a otros autores como Domenico Gallo, Carlo Ignazio Monza, y posiblemente Alessandro Parisotti y Unico Wilhelm van Wassenaer. A petición de Diaghilev, Stravinsky estudió los manuscritos, provenientes de las bibliotecas de Nápoles y Londres y así nació un nuevo proyecto que conectaría la música moderna con la antigua. Stravinsky tomó muchos temas prestados, los rescribió con instrumentación moderna, cambió algo de los ritmos y los acentos y así nació esta hermosa música.
4. Está orquestado para una pequeña agrupación de cuerdas acompañada de un barítono, una soprano y un tenor. En 1922 compuso una suite con música del ballet, sin la parte cantada, la cual fue revisada en 1944. En 1925 compuso otra versión para violín y piano conocida cono La Suite Italiana.

Discografía:
1. Ernest Asermet Orquesta de la Suisse Romade – Decca 2001.

Gil Shaham - Stravinsky Violin Concerto - 1st Movement

Concierto para violín en Re.
Este concierto para violín que data de 1931 y nace como una comisión del compositor norteamericano Blair Fairchild, para ser ejecutado por el violinista Samuel Dushkin. La partitura posee una historia algo curiosa. En una reunión que sostuvieron Stravinsky y el violinista, después del almuerzo, el gran compositor hace algunas consultas sobre los aspectos técnicos del violín, instrumento para el cual nunca ha escrito obra alguna. Stravinsky ha creado en el pentagrama un acorde de tres notas, exageradamente abierto en sus intervalos, y le pregunta al solista si es posible utilizarlo para una pieza. Al principio Dushkin dijo que era imposible, pero al término de unos pocos días, durante los cuales practicó el famoso acorde, dijo que si era posible, lo cual fue del agrado de Stravinsky. Este acorde que da inicio a todos los movimientos del concierto, sirve de anclaje para estructurar la obra.
El Concierto para violín en Re de Igor Stravinsky es una obra de unos 20 minutos de duración y se estructura en cuatro movimientos.
I. Tocata 5:38.
II. Aria I 4:05.
III. Aria II 5:06.
IV. Capriccio 5:48.

Comentarios:
1. El Concierto en Re es una obra de la etapa neoclásica de Stravinsky, llena de abundante referencias al barroco. La instrumentación bastante reducida y la línea melódica clara y sencilla crean una atmósfera diáfana, serena y evocadora del pasado, pero sin nostalgias. Hay un fino toque de humor en la manera de llevar los tiempos y la dinámica bastante moderna, usando materiales del pasado y despojándolos de su seriedad arcaica.

Discografía:
1. Anne Sophie Mutter. Orquesta Filarmonía. Paul Sacher. D.G. 2006.
2. Viktoria Mullova. Orquesta Filarmónica de Los Angeles. Esa Peka Salonen. Phillips.

(Coda) excerpt from Igor Stravinsky - Apollo, conducted by Paul Mauffray in Prague Rudolfinum, 1997 with the Talich Chamber Orchestra.

Apolo.

Escuchemos ahora esta música del ballet “Apollon musagète” o Apolo el rey de las musas, de Igor Stravinsky, compuesto en 1928. Es una de las maravillas del neoclásico. El ballet Apolo es un espectáculo de serenidad clásica; de una belleza pura, limpia, abstracta y fría que se contempla a sí misma. El argumento se basa en el Dios Apolo, su nacimiento y vida en el Parnaso rodeado por las tres musas: Calíope, la que proporciona el ritmo a los versos; Polimnia, la que inspira a los poetas que se acompañan de la lira y Terpsícore la que se consagra a los ritmos de la danza.
El ballet creado para los Ballet Rusos por el coreógrafo George Balanchine captura la esencia del arte de la danza en lo que se ha llamado el “Ballet Blanco”: un espectáculo que combina la gracia y el equilibrio de la danza clásica con la coreografía moderna, más atlética y que se adapta muy bien a los gustos de la nueva etapa de Stravinsky. Su música es tersa y suave, pues apenas requiere de un pequeño conjunto de cuerdas: Con una textura musical rala y ligera que casi flota en el aire, la música se eleva al Parnaso. Esta diferencia abismal con las sonoridades duras, los timbres ácidos y los ritmos espasmódicos de la Consagración de la Primavera, representa un giro copernicano en la carrera del compositor.
El ballet Apolo es una obra de una media hora de duración y se estructura en 10 partes:

1. Part I (Prologue): Naissance d'Apollon 4:36
2. Part II: I. Variation d'Apollon (Apollon et les muses) 3:07
3. II. Pas d'action (Apollon et les trois muses: Calliope, Polymnie 5:03
4. III. Variation de Calliope (L'Alexandrin) 1:33
5. IV. Variation de Polymnie 1:18
6. V. Variation de Terpsichore 2:14
7. VI. Variation d'Apollon 2:32
8. VII. Pas de deux (Apollon et Terpsichore) 4:22
9. VIII. Coda (Apollon et les muses) 3:36
10. IX. Apothéose 3:46.
Comentarios:
1. Apolo es una música blanda, suave y refinada, solo para cuerdas, de corte moderno. Música deliciosa, que nos aleja del mundo real, sin ningún tipo de dramatismo, hecha tan solo para disfrutarla. No describe tampoco ninguna acción en particular, pues como ha dicho su autor: La música es completamente incapaz de expresar algo.

Discografía:
Igor Stravinsky. Orquesta Sinfónica del Festival de Los Angeles. Sony. 1991.


Sinfonía de los Salmos.
Hacia 1925 Igor Stravinsky regresa a hacia la religión como una oveja descarriada. Un sufrió una lesión en su mano que le impedía tocar el piano. Entonces fue a la iglesia y se arrodilloó, le pidó a Dios por su pronta sanación. Al sentarse al piano la próxiima vez, descubrio que su abceso había sanado en forma inexplicable. Este pequeño milagro despertó su conciencia religiosa y de alí en adelante se propone componer obras sacras para alimentar su fe acercarse a Dios mediante la música. Es en este nuevo período cuando nacen tres bellas creaciones: El Ballet Apolo, El Oratorio Edipo Rey y la Sinofnía de los Salmos.
La Sinfonía de los Salmos (Symphonie de Psalmes) para coro y orquesta de Igor Stravinsky, fue compuesta en 1930. Está dividida en tres partes:
1 Salmo XXXIX 3:35
2 Salmo XL 7:12
3 Salmo CL 10:24

Comentarios
1. El estilo coral de Stravinsky es terso y agradable. La música transmite un espíritu de religiosidad sincera llevada con mucha humildad.
2. El sonido particular de esta obra se debe a su orquestación bastante discreta, en donde se han suprimido los violines y violas en la sección de cuerda y los clarinetes en la de los vientos. Por otro lado, las voces blancas se tejen armónicamente entre la trama orquestal.


Discografía:

1. Igor Stravinsky. Orquesta de la radio de Columbia CBS. Cantantes del Festival de Toronto. Sony. 1991.
2. Ernest Ansermet Coro de jóvenes de Lausana. Coro dede la Radio de Lausana. André Charlet Director de coros. Orquesta de la Suisse Romanda. Decca. 2001.


Sinfonía en Do.
A partir de los años 30 la fama de Stravinsky comenzó a elevarse hacia las alturas como la crema. Era el máximo representante de la nueva música y su figura era objeto de culto, basado en la admiración y respeto en todos los centros culturales. En 1935 emprende un tour musical, como director de orquesta difundiendo su música, que lo llevará por todas las grandes ciudades de los Estados Unidos: Nueva York, Boston, San Francisco, Los Ángeles, Minneapolis, Chicago, San Luis, Fort Worth, y Washington. Al año siguiente emprende una gira similar a la América del Sur dirigiendo la orquesta en Buenos Aires, Montevideo y Río de Janeiro. Inclusive recibe una comisión de Lincoln Kirstein para componer un ballet para la compañía American Ballet que él y Balanchine dirigían. Este Ballet “Jeu de cartes” se estrenó en el Metropolitan el 27 de abril de 1937.

Igor Stravinsky comenzó a componer su Sinfonía en C en el transcurso de estas giras. La completó en su exilio en Francia y la terminó en 1940 después de haberse exilado en Norteamérica.

La Sinfonía en Do es una obra de unos 32 minutos de duración y está estructurada en cuatro movimientos:
1. I. Moderato alla breve 10:43.
2. II. Largheto concertante 8:01.
3. III. Allegretto 5:01.
4. IV. Largo – Tempo giusto alla breve 7:08.

Comentarios:
1. Es una obra en un lenguaje bastante sencillo y fácil de seguir. Contiene algunos elementos que recuerdan a Beethoven y Tchakovsky. Esta hecha para los nuevos mecenas de Norteamérica muy ricos y generosos en cuanto a las donaciones hechas para evadir los impuestos. Personas tradicionales en materia de gustos musicales, poco acostumbrados a las disonancias del Avat Garde, de oidos castos y sencillos, y devotos admiradores de las sinfonías. Por supuesto que estas comisiones deberían ajustarse a esos patrones. Nada que ver con las disonancias de la Consagración.
2. El primer movimiento abre de manera contundente y decidida con un motivo de tres notas tocado a todo volumen que nos hace recordar la Quinta Sinfonía de Beethoven. Hay pasajes de gran virtuosismo para los cornos, el fagote y la flauta. Posee un entramado musical bastante complejo por la variedad de timbres sonoros y el contrapunto nervioso que proyecta la música hacia delante con mucha energía. La facilidad de Stravinsky para componer se pone de manifiesto en la fuerza interna de este movimiento, que brilla con luz propia en sus líneas claras, irradiando una belleza clásica incomparable.

Discografía:
Ernest Ansermet. Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2001.

Sinfonía en Tres Movimientos.
La Sinfonía en Tres Movimientos de Igor Stravinsky fue compuesta durante su exilio en los Estados Unidos en 1942- 1945. La obra fue una comisión de la Sociedad Filarmónica de Nueva York y fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York el 24 de Enero de 1946 bajo la dirección del propio Stravinsky. El autor la consideró como una de sus pocas obras descriptivas, inspirada en los acontecimientos de la Segunda Guerra, vistos a través de los documentales para el cine, y por eso la llamó su “Sinfonía de Guerra”. La obra contiene mucho material de proyectos y obras anteriores sin acabar. Su estilo agresivo recuerda al período de vanguardia del “Enfant terrible” de la Consagración de la Primavera.
La Sinfonía en Tres Movimientos de Igor Stravinsky es una obra de unos 22 minutos de duración y consta de tres movimientos:
I. Overture; Allegro 9:28.
II. Andante; Interlude; Lístesso tempo 6:00
III. Con moto 6:02.


Comentarios:
1. El primer movimiento de esta sinfonía presenta unos temas trágicos y agitados de expresión épica. Se abre con un silbido disonante producido por las cuerdas de los violonchelos, el piano y los cuatro cornos. Después unos pizzicatos introducen el tema principal. Es un tema esquivo y nervioso propio de las películas de suspenso. La obra se construye como en un collage: con materiales mezclados de manera bastante original en fugas barrocas y modernos ostinatos. El ritmo es quizás el único elemento integrador de esta colección de temas tan dispares.
2. El andante del segundo movimiento respira un saludable humor en el juego sutil del contrapunto llevados por las maderas. Hay pasajes de gran lucimiento para el arpa.
3. El tercer movimiento se abre paso solemnemente a golpe de timbales y trompetas en registros altos y disonantes. Son marchas de soldados hechas para los documentales de cine. En seguida volvemos al tema nervioso del primer movimiento que lucha por el triunfo. Finaliza con una marcha victoriosa.

Discografía:
Ernest Ansermet Orquesta de la Suisse Romade. Decca. 2001.
Igor Stravinsky. Orquesta Sinfónica Columbia. Sony. 1991.